Sir Donnerbolds Bagatellen

Melancholia

2012-02-01T23:18:00.000+01:00

Zuvor bei Sir Donnerbolds Bagatellen: Im Sommer 2011 scherzte ich noch, dass der beruflich begründete Kinobesuch von solchem Schund wie der vulgären, lustlosen Körpertauschkomödie Wie ausgewechselt mich davon abhält, eine ansehnliche Filmkritik zu Melancholia zu verfassen. Einige Zeit später war nicht weiter von einer Besprechung der neusten Regiearbeit Lars von Triers die Rede. Gegen Ende des Jahres gab es immer wieder ominöse Ankündigungen, ich müsse ein paar, auserwählte Filme nochmal begutachten, um guten Gewissens meine cineastische Jahresbestenliste zu erstellen.

Und nun geht es weiter bei ... Sir Donnerbolds Bagatellen!

Falls ihr euch wundert, weshalb es dieses Jahr so lange dauert, bis ich meine Filmhitliste veröffentliche, hier habt ihr einen der Gründe: Melancholia! Während seiner regulären Kinoauswertung kam ich zeitlich nicht dazu, eine brauchbare Kritik zu verfassen, also wollte ich es irgendwann nachholen. Dann habe ich das aus den Augen verloren, wollte dem Film aber in meinem Hitlisten-Jahresrückblick etwas größeren Platz einräumen. Bloß konnte ich mich nicht so recht entschließen, wo Melancholia dort hingehört. Also musste eine zweite Sichtung her, um mich auf einen Rang festzulegen. Das Problem daran ist bloß, dass die Heimkinoauswertung erst im Mai erfolgt. Also musste ich einen der Sondereinsätze in meiner Region erhaschen, was leider auch dauerte. Tja, und hier ist sie nun, meine Melancholia-Besprechung. Außerhalb meiner Jahresbestenliste. Ja, gewissermaßen war alles vergebens, denn auf einem zweiten Blick habe ich für mich selbst beschlossen, dass ich Melancholia, wenngleich knapp, nicht in meine Hitliste packe.

Mit Melancholia verarbeitet Lars von Trier zum zweiten Mal auf filmische Weise seine Depression. War Antichrist noch das düstere, kompromisslose und aggressive Schaffen eines mit der Welt abrechnenden Künstlers, lässt Melancholia einen zarten Silberstreif der Hoffnung für von Trier vermuten. Noch immer breitet der Auteur seinem Publikum wie selbstverständlich seine Weltverdrossenheit aus. Dass ein gewaltiger Planet, mit dem nicht sonderlich subtil gewählten Namen Melancholia, auf die Erde zusteuert, hat für den Regisseur und sein Sprachrohr, die von Kirsten Dunst gespielte Justine, etwas vertröstendes oder eher etwas versöhnliches. Wenn diese triste, triviale und bonierte Welt von der Melancholie verschluckt wird, was wäre schon verloren? Wir sind eh allein da draußen, und wenn nun das ganze Universum zu einer Gesamtheit des Nichts wird, wen soll dies bekümmern?

Trotzdem, Melancholia wohnt auch etwas zufriedenes oder wenigstens gleichgültiges inne, ein atmosphärischer Hauch, der diese Welt eben nicht als tiefschwarzen Pfuhl zeichnet. Sondern eher als gräulich-milchige Masse, die es zu einem Minimum an Ästhetik und Wert taugt. Schließlich macht ausgerechnet der depressive Schwarzseher Lars von Trier aus dem nahenden Weltuntergang weniger freudiges Spektakel, als es Michael Bay oder Roland Emmerich tun. Bei ihnen, die ja mit ihrem Eskapismus Spaß verbreiten wollen, sehnt man sich der Zerstörung hin. Aber von Trier, dem es gewiss zuzutrauen wäre, verkauft den Weltuntergang nicht als herbeizusehnendes, alle Qualen beendendes Ereignis (ohne den Spaß eines Popcorn-Blockbuster). Der Planet Melancholia kommt nicht in Form des Erlösers daher, sondern augenscheinlich unvermeidbar. Das Ende der Welt ist entweder hinzunehmen oder panisch wegzuwünschen. In der Bildsprache und der schwermütigen Stimmung des wehmütigen Dänen ist das so positiv, wie nur möglich.

Nicht nur aus diesem Blickwinkel betrachtet ist Melancholia bloß sekundär eine Erzählung vom Weltuntergang. Primär ist es ein durchdringendes Mood Piece, das mit Beobachtungen über das Verhalten sowie Empfinden Depressiver versetzt ist. Die gehaltvollste Erkenntnis dieses psychologischen Dramas ist die, wissenschaftlich sogar haltbare, Realisierung, dass sich unter Depressionen leidende Menschen in extremen Stresssituationen rationaler verhalten, als ihre (")gesunden(") Zeitgenossen. Davon abgesehen ist Melancholia längst nicht so gedankenschwer, wie es der Feuilleton zweifelsohne gern hätte. Selbstredend lässt sich in vereinzelte Symbole noch mehr hineinlesen, und wenn man denn möchte, kann man den gesamten Film als Allegorie für das Krankheitsbild einer Depression deuten. Letzten Endes verschiebt damit aber nur die Perspektive, Aussage und Wirkung von Melancholia bleiben größtenteils deckungsgleich.

Auch deswegen lege ich für mich den Schwerpunkt dieser Weltuntergangsoperette auf ihre Stimmung, denn genau darin liegt ihre Nachhaltigkeit. Wie im zweiten Teil des Films eine problembelastete Familie mit dem drohenden Armageddon umzugehen versucht, sich Justine vom reinsten Wrack schrittweise aufrappelt und letztlich als einzige einen kühlen Kopf erhält, erzählt von Trier weitestgehend unaufdringlich und mit bestechenden Beobachtungen. Kirsten Dunst liefert eine gewaltige Leistung ab, und die Bilder, die von Trier auf dem romantischen Anwesen des Tjolöholm Castle einfing, entfalten eine berückende, wie auch bedrückende Mischung aus opernartiger Stilisierung und Realismus. Die letzten zehn Minuten sind mit ihrer Anspannung und der emotionalen Plausibilität nahezu makellos, die letzte Einstellung meisterhaft.

Allerdings krankt Melancholia auch am unangezweifelten Autorenfilmer-Status seines Schöpfers. Würde von Trier eine Zweitreflexion gestatten und folgen, könnte der Film einen noch viel weitreicheren Nachhall entwickeln, neben seiner starken Atmosphäre vielleicht sogar denkwürdige Figuren oder auch mehrere positiv herausstehende Szenen aufzeigen. In seiner endgültigen Form verschwimmen zwischen dem Prolog (zu dem komme ich gleich noch) und dem Schluss alle Szenen zu einer aus reiner Stimmung bestehenden, grauen Masse mit nur sehr, sehr wenigen tollen visuellen oder erzählerischen Momenten. Sowie mit ein paar schlechten Ausreißern. Der erste Teil erzählt von einer unter keinem guten Stern stehenden Hochzeit (höhö, höhö), und auch wenn die Juxtaposition deutlich ist, so ist sie überhaupt nicht gut ausgearbeitet. Beide Teile erzählen von einer Katastrophe, jedoch gibt es davon abgesehen kaum Parallelen. Stattdessen dient die erste Hälfte fast nur der Charakterexposition, und diese kommt mir zu sehr mit dem Hammer daher. Dabei wäre es viel besser, wenn sie sich auf ihrem verschrobenen Humor, die schleichende Demaskierung der Figuren und ihre triste Grundstimmung verließe.

Justine fühlt sich in einem gesitteten, bürgerlich-spießigen Umfeld nicht wohl und hat wegen ihrer miesen Kindheit eine Depression mitgeschleppt. Ja, das wird jedem schnell klar, und führt zu manchen interessanten Konflikten. Aber dass von Trier sein Autorenspiegelbild auf einen Golfrasen sein Geschäft erledigen lässt (worauf nie wieder angespielt wird, und was der Figur auch keine Erleuchtung oder sonstwas gibt) oder wir minutenlanges Gezeter mit tertiären Figuren erdulden müssen, das halte ich für schludrige Schreibarbeit. Denn sehr vieles, was im ersten Teil geschieht, kaut einfach nur das ewig gleiche wieder. Es vertieft nicht die Figuren, es verstärkt nicht die Stimmung. Ich schätze, dass fünfzehn Minuten Gezeter und künstlerisch wertvolles grimmig dreinschauen hätten rausfliegen können, und der Film wäre letztlich sogar durch seine dichtere Atmosphäre unangenehmer geworden. Ganz nach von Triers Wunsch. So ist er dagegen ab und an einfach langwierig.

Und die Kameraarbeit, oh die Kameraarbeit: Von Trier ist fähig, ausgeklügelte, viel sagende und wirkungsvolle Bilder zu komponieren, wovon er im (positiv) schwülstigen Prolog und auch im zweiten Teil Gebrauch macht. Im ersten Teil geht das weitestgehend unter, weil der Regisseur von seinen Dogma-Wurzeln nicht loslassen kann und meint, durch eine Wackelkamera einem etwaigen Kitsch-Vorwurf entgegnen zu müssen. Es ist einfach nur nervig und hindert von Trier daran, das Leinwandgeschehen für sich sprechen zu lassen. Noch nerviger ist nur Justines Neffe ...

Der Kunstfilmer knallt bei von Trier dann auch in der in Trailern durchgenudelten Nacktszene von Kirsten Dunst durch. Sie zeigt eine losgelüste Justine, die sich nachts nackt im Wald im blauen Schein von Melancholia wälzt. Das Bild der sexualisierten Frau, die sich im Angesichts der nahenden Bedrohung vollkommen angstbefreit zeigt ist bereits völlig abgegriffen, und Melancholia tut nichts, um diese Wiederverwertung zu rechtfertigen. Es ist so, als vermute von Trier, er müsse dem Publikum mit dem Holzhammer einbläuen, dass Justine Lust auf den Weltuntergang hat.

Es sind solche Mängel, die mich an Melancholia beim zweiten Anschauen mehr störten, als zuvor. Von Trier gelang eine ambivalente, da beängstigende sowie befreiende, Weltuntergangsgeschichte mit einer unheimlich dichten Atmosphäre und einer hervorragend aufspielenden Kirsten Dunst. Doch er erzählt zu selbstverliebt, zu schludrig und kann sich nie so recht entscheiden, ob er seinem Publikum auf Augenhöhe entgegnet, oder auf es herabblickt. Das beste ist der Prolog, der auch perfekt auf eigenen Füßen stehen und einen albtraumhaften Kurzfilm abgeben könnte. Auch die letzten zehn Minuten sind großes Arthouse. Der Rest bräuchte Feinschliff, um seine volle Gewalt zu entfalten.

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Grosse Pointe Blank

2012-01-31T20:48:00.000+01:00

Klassentreffen. Geisel der gebildeten Menscheit, oder feierlich willkommener Anlass, vergangene Tage wieder aufleben zu lassen? Zumindest den gelungensten Filmen über dieses Sujet nach zu urteilen, neigen solche Wiedervereinigungen deutlich in die ungewollt traurige und triste Richtung, sind sie doch nahezu geschlossen schwarze Komödien, die sich über das urbane Leben lustig machen und eher die Selbstzweifel, Persönlichkeitskrisen und bei solchen Veranstaltungen aufknospenden Verlierermentalitäten ins Zentrum ihrer Komik rücken. Anstelle der zu zelebrierenden Nostalgie, den ersehnten Treffen alter Bekannter und dem getätigten Fortschritt im eigenen Leben.

Grosse Pointe Blank zeichnet in seinem Subgenre nicht das drögeste Bild einer High-School-Wiedervereinigung, unter anderem mit seinem fantastisch zusammengestellten, nostalgisch verklärten 80er-Indie-Soundtrack feiert auch ein wenig die oh solch gefürchtete Heimkehr, von einem gelösten Fest des Zurückblickens ist diese Produktion dennoch meilenweit entfernt. Schließlich ist Grosse Pointe Blank nicht bloß irgendeine High-School-Reunion-Komödie, sondern in erster Instanz eine einfallsreiche, böse sowie nonchalante Komödie über einen Auftragskiller.

Der Auftragskiller Martin Blank (John Cusack), verliert die Freude an seiner Profession: Andauernd haben seine Kunden schwierige Sonderwünsche und sind unzufrieden, wenn Blank bei seiner Arbeit improvisieren muss. Noch dazu drängelt ihn sein Konkurrent Dan Grocer (Dan Aykroyd) mit der Idee einer Profikiller-Gewerkschaft, mit der Blank nichts zu tun haben will. Auch die Therapie verschafft Blank keine Ruhe. Auf Drängen seiner Sekretärin (eine großartig aufgelegte Joan Cusack) greift er also nach dem letzten Strohhalm für seinen Seelenfrieden: Er fährt zurück in seine Heimatstadt Grosse Pointe, wo nach zehn Jahren das große Abschlussjahrgangs-Wiedersehen seiner High School stattfindet. In Grosse Pointe begegnet er alten Schulkameraden, die mal mehr und mal viel weniger aus sich gemacht haben, aber letztlich geht es Blank eh nur um eine einzige Person: Debi (Minnie Driver), seine Jugendliebe, die er kurz vor dem Abschlussball hat sitzen lassen. Während Blank seine Vergangenheit zu kitten versucht, lauern ihm einige seltsame Gestalten auf, die ihm nach seinem Leben trachten. Und dieser Gewerkschaftsfreak ist auch vor Ort!

Als Produktion des Jahres 1997 muss sich Grosse Pointe Blank natürlich gefallen lassen, dass man bei einer Besprechung irgendwie auf Pulp Fiction hinweist. Stilistisch, inhaltlich und atmosphärisch sind diese Filme zwar grundverschieden, aber George Armitages Regiearbeit profitierte wohl vom Erfolg des Tarantino-Klassikers. "Profikiller in trivialen Situationen" waren danach erst so richtig denkbar im US-Kino, und es ist nur zu auffällig, dass Grosse Pointe Blank zu den seltenen guten Filmen von Hollywood Pictures gehört. Und dies ist ja eines der Erwachsenenlabels des Disney-Konzerns, der auch via Miramax Pulp Fiction auf die Leinwände dieser Welt brachte. Nun, zumindest hat man recht prominent einen Pulp Fiction-Werbeaufsteller im Film untergebracht, also verheimlichen die Macher diesen Trendsetter nicht.

Während Tarantino aber aus von Profikillern ausdiskutierten Nichtigkeiten coole Kultdialoge schuf, lebt Grosse Pointe Blank eher von dem Witz, wie trivial so ein Auftragskiller sein kann (Stichwort: Gewerkschaftsdebatte). Sowie von den zahllosen, unaufgeregten Reaktionen auf Blanks Beruf: "Ich bin Profikiller!" "- Oh. Ist man da krankenversichert?"

Der große Gewinn für Grosse Pointe Blank ist glasklar Hauptdarsteller Cusack: Er macht seine Figur für den Zuschauer sympathisch, hat ein unglaubliches komödiantisches Timing, tänzelt unauffällig zwischen kurioseren und staubtrockenen Gags und macht vor allem auch den Kern der Geschichte glaubwürdig. Ein Killer, der auf einem recht lahmen Klassentreffen seine Seele wiederfindet? Das kann man extrem vermasseln, aber Cusack bringt eine schwarzhumorige und auch augenzwinkernde Melancholie mit, wodurch diese Geschichte greifbar bleibt. Auch seine selbst nach zehn Jahren nicht überkommene Reue wegen Debi wird nachvollziehbar dargestellt. Leider kaufe ich ihm und Minnie Driver die verstaubte Schulromanze nicht ab. Driver hat in ihrer Rolle als Radiomoderatorin eines Lokalsenders zwar einige tolle Monologe, aber die Chemie mit Cusack und die ganze Entwicklung dieser Story hapert hin und wieder. Ich werde jedenfalls nicht emotional oder intellektuell an diesen Handlungsfaden gebunden, sondern folge ihm eher gleichgültig, weil er halt der Motor dieses ansonsten gelungenen Films ist.

Einen weiteren, kleineren Wermutstropfen gibt es dennoch: Mir scheint der Charakterbogen Blanks nach der Reunion eigentlich komplett abgeschlossen, da allerdings noch ein paar andere Fäden beendet werden müssen, geht der Film für einige Minuten weiter, in denen er auch eine eigentlich unnötige, größere Schießerei einbaut. Dadurch, dass Aykroyd in diesem Finale einige der besten Sprüche hat, kann ich aber wenigstens ein Auge zudrücken.

Grosse Pointe Blank gehört für mich zu den besten schwarzen Komödien, die Hollywood in den 90ern fabriziert hat. Cusack & Cusack sind super, aus der Geschichte wird das beste rausgeholt und Blanks Rückkehr in seine Jugendheimat bringt bösen sowie subtilen, und ja, ab und an auch köstlich albernen Humor mit sich.

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52 Songs #31: Autofahren

2012-01-30T20:52:00.005+01:00

Ich habe ja nicht viele Rituale. Aber immer, wenn mich an einem Wochenende die Lust überkommt, mit meinem geliebten Auto in die Stadt zu fahren und einen drauf zu machen, dann schmeiß ich mich in meine Lieblingsjacke. Die ist nämlich richtig heiß. Und dennoch auch total cool. In meiner bevorzugten Kluft begebe ich mich einsamer Wolf in meine allerliebste Spelunke. Sie sieht von außen nicht nach viel aus, aber es ist ein unvergleichliver Subkosmos, wo man faszinierende Individuuen trifft. Notgeile, doch irgendwie charismatische Typen, junge, gutaussehende Damen, die schier endlose Geschichten über sich erzählen können und einen richtig dollen Kerl von einem Barkeeper. Mit dem hab ich mich sogar schon ein wenig angefreundet.

Ohne, dass ich groß was sagen muss, stellt er mir meine Nachos mit Jalapenos und Käse auf den Tresen, und während ich mich an der Musik aus der legendären Jukebox (ja, er hat noch ganz nostalgisch eine Jukebox!) dieses Mannes labe, versuche ich neue Kontakte zu knüpfen. Denn, wie gesagt, in dieser Spelunke laufen faszinierende Gestalten herum. Als pflichtbewusster Fahrer gönne ich mir, sollte ich ein nettes Mädel kennengelernt haben, eine Virgin Pina Colada (auch ohne Alkohol absolut köstlich), und sobald es dann über die schattige Landstraße richtig Heimat geht, drehe ich folgenden Song auf volle Lautstärke:

Hände hoch, wer geht sonst so alles bei diesem Old-School-Pop-Rock ab? Und hier ein kleiner Bonus: Schmeißt eure Füße in die Luft und schreit "Yo!", wenn ihr bemerkt habt, was ich in meiner Anekdote falsch mache.

Kermit und Miss Piggy reagieren auf Fox News' Hetze

2012-01-30T17:24:00.001+01:00

Kleiner Sprung zurück: Kurz nach US-Start von Die Muppets erlangten Berichte von Fox News und Fox Business unrühmliche Bekanntheit, in denen Vertreter des Senders und des ultra-konservativen Politflügels gegen den vergnüglichen Kinofilm schossen. Laut Fox wären die Muppets ein Werkzeug hinterhältiger Linker, die mit diesem Film Kinder in ihrer politischen Einstellung manipulieren wollen, indem sie mit Die Muppets gegen Ölkonzerne und Kommerzialismus schießen.

Lange versteckten sich die Muppets hinter einer Mauer des Schweigens, doch jetzt beziehen Kermit und Miss Piggy endlich Stellung zu dieser Kontroverse:

(gefunden via /Film)

Für alle, die es nicht wissen: Fox News ist als Nachrichtensender ungefähr so seriös, wie die Bild "Zeitung" als politisches Leitmedium. Nur deutlich konservativer und käuflicher. Was schon ein starkes Brett ist.

Mehr Muppets:

Reingehört 54: Gottschalks Oscar Live!

2012-01-30T14:05:00.000+01:00

Das habe ich über das Wochenende hin ja völlig vergessen, euch mitzuteilen: Ich war mal wieder im Quotenmeter-Podcast zu gegen. Dieses Mal sprachen Jan, Daniel Sallhoff und ich über die neue ARD-Vorabendshow Gottschalk Live, die Oscar-Nominierungen und den mauen Sat.1-Vorabend.

Dies, die Kurznachrichten und Tops und Flops findet ihr hier. Viel Spaß beim Zuhören!

Prom

2012-01-30T07:26:00.000+01:00

Als Rich Ross die Leitung der Disney-Filmstudios übernahm, versprach er eine in zwei Richtungen divergierende Entwicklung: Mehr Jugendliche und Erwachsene ansprechende Großproduktionen wie Fluch der Karibik auf der einen Seite (wenn möglich allesamt mit Fortsezungsmöglichkeiten), mehr ultrakleine Produktionen auf der anderen. Das Mittelfeld der cineastischen Größenordnung wollte Disney dagegen der Konkurrenz überlassen.

Das erste dieser kleinen Projekte sollte die Jugend-Dramödie Prom sein, die gerade einmal acht Millionen Dollar kostete und im Vorfeld als moderner John-Hughes-Film angepriesen wurde. Ganz im Stil von Der Frühstücksclub oder Das darf man nur als Erwachsener. Und nun haltet euch fest: Dieses Versprechen hält Prom ja mal sowas von nicht ein. Welche Überraschung! Doch es folgt auch eine gute Nachricht: Es ist auch nicht "High School Musical (3) ohne Musik". So würde die Selbstironie ja gar nicht mehr ankommen, und wir hätten einen einzigen Zuckerschock von einem Film. Nein, nein, Prom versucht ganz ehrlich, ein bittersüßes Stück High-School-Film zu sein. Bloß werden Regisseur Joe Nussbaum und Autorin Katie Wech ihren eigenen Ansprüchen bei weitem nicht gerecht.

Prom folgt nicht weniger als einem Dutzend an Figuren auf ihren jugendlich-dramatischen Wegen zum Abschlussball der High School. Nova (Aimee Teegarden) sitzt in so ziemlich jedem Komitee der Schule und stemmte den Löwenanteil der Vorbereitungsarbeiten für die wichtigste Nacht des kollektiven Schullebens, hat allerdings selbst kein in Aussicht stehendes Date. Tyler (De'Vaughn Nixon) und seine Freundin Jordan (Kylie Bunbury) haben beste Chancen, Ballkönigin und Ballkönig zu werden - wäre da nicht ein zunehmender Riss in ihrer Beziehung, die sich durch einen fremden Ohrring in Tylers Auto zur mittelschweren Krise wandelt. Mei (Yin Chang) hat eigentlich die perfekte Beziehung, würde ihr Freund Justin (Jared Kusnitz) nicht fest damit planen, dass beide auf die selbe Universität gehen werden. Denn Mei hat ein besseres Angebot bekommen ...
Der unauffällige Lloyd (Nicholas Braun) bekommt von seiner Stiefschwester Tess (Raini Rodriguez) derweil den Ratschlag, seine letzten Schultage einfach damit zu verbringen, aus seinem Schatten zu springen und jedes nette Mädel um eine Verabredung zu bitten. Was hat er schon zu verlieren? Und der Schulrebell Jesse Richter (Thomas McDonell) wiederum wird dazu verdonnert, die Prom-Vorbereitungen in die Hand zu nehmen ...

Und, und, und ... Das größte Problem an Prom ist, dass der Film unter der Last an Figuren zusammenbricht. Wäre es eine Teenieserie, so könnte man bei dieser Masse an Figuren aus jeglichen Schichten und Klassen des soziokulturellen Subsystems High School eine ganze Staffel an Storys spinnen, die in den wenigen Tagen spielen, die Prom abdecken möchte. In den 104 Minuten, die dieser Kinofilm letztlich in Anspruch nimmt, müssen sämtliche Figuren zu altbekannten, klischeehaften Charakterentwürfen degradiert werden, um für ihre vielen Geschichtchen Platz zu schaffen. Und selbst so steht noch immer zu wenig Zeit zur Verfügung, um den meisten der Handlungsfäden eine angebrachte dramaturgische Entfaltung zu ermöglichen. Viele der Storys bestehen nur aus den rudimentären Stationen einer stringenten Erzählung. Weshalb auf die stereotypischsten aller High-School-Missverständnisse zurückgegriffen werden muss, um alles unter einem Hut zu bringen. Man muss sich nur die Exposition aller Storys ansehen, und weiß schon, wie es weitergeht.

Dabei hätte Prom ein recht ansehnliches Teenagerdrama werden können. Ja, Drama. Hätte man die komödiantischeren Subplots rausgeschmissen und den generischen Disney-Fluff eingedämmt, so wäre es eigentlich möglich gewesen, aus den übrigen Geschichten mit etwas Vertiefung der Charaktere wirklich was annehmbares zu formen. Das meiste an Prom ist dastypische, humoristische Füllmaterial von thematisch verbundenen Episodenfilmen, wodurch die das High-School-Dasein (zumindest konzeptionell) realistisch einfangenden Plots erdrückt werden. Diese kleine Produktion scheut sich nämlich, für mich vollkommen unerwartet, nicht davor, manche der Handlungsfäden offen, in mausgrauen Tönen oder sogar ohne Happy End ausklingen zu lassen. Dadurch wäre Prom ein realistisches dennoch charmantes Abbild der ausklingenden Schulzeit.

Allerdings ist er dazu auf dem Weg dorthin viel zu überzeichnet. Wie hier Beziehungskrisen oder Balleinladungen (oder so vieles andere) abgehandelt werden, gehört eher ins High School Musical-Universum, als in die Dramödie, die Prom offenbar gern wäre. Diese (ohne jegliche Ironie) abgehandelten Übertreibungen führen dazu, dass Prom wie ein auf Kinolänge runtergestutzter Zusammenschnitt einer Teenie-Telenovela wirkt.

Prom ist aber keine absolute Katastrophe, weshalb ich ihn auch nicht in meine Kino-Flopliste 2011 aufnahm. Das Newcomer-Ensemble spielt so solide, wie es das Drehbuch halt zulässt, manche der Gags sitzen, und einige der kleineren Subplots sind trotz ihrer Vorhersehbarkeit immer noch süß. Es ist ein sehr schwacher Film, doch einer, in dem ganz tief verborgen ein recht guter Streifen steckt, den die Macher einfach nicht rausholen konnten. Genug andere Produktionen werden entweder mit voller Kraft gegen die Wand gefahren, oder sind von Anfang an zum Scheitern verdammt. Bei Prom hat's einfach nicht sollen sein. Eine unbeabsichtigte, tolle Lehre für alle Teenager: Auch ein verbockter Abschlussball ist nichts zum grämen. Einmal Kopfschütteln und mit was anderem weitermachen ...

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Gedanken über das Kinojahr 2011

2012-01-29T17:25:00.001+01:00

Üblicherweise sagt man ja in der Zeit von Heiligabend bis Silvester, dass man sich "zwischen den Jahren" befindet. Aus filmischer Sicht würde ich aber sagen, dass wir uns jetzt zwischen den Jahren befinden. Hollywood, und somit ja irgendwie die ganze filminteressierte (westliche) Gesellschaft, blickt auf das Kinojahr 2011 zurück, um die (vermeintlich?) besten und wichtigsten Leistungen mit Statuetten und Titeln zu prämieren. Sofern man nicht in den USA lebt, ist diese Phase dann gleichermaßen Rückblick, wie auch Vorschau. Denn viele Filme, die für den Oscar nominiert sind, starten in hiesigen Gefilden erst in den kommenden Wochen und Monaten.

Die meisten Jahresrückblicke in den großen Medien finden bereits Anfang Dezember statt. Was meines Erachtens nach absurd früh ist. So verpassen große Rückblicke öfters wichtige Ereignisse. Die ganze Affäre Wulff spielte in den Jahresrückblicken 2011 keine Rolle. Inwiefern soll das also als Jahresrückblick durchgehen? Ich halte es deshalb eher mit AMPAS und blicke lieber erst nach dem Jahreswechsel zurück. So kann man auch etwas Abstand gewinnen und vermeiden, den Dezember zu akut zu bewerten. Klar, die meisten wollen ihre Kinorückblicke lieber im Dezember haben, und denen werfe ich mit meiner Kino-Flopliste und meinem musikalischen Rückblick auch sehr gerne einen Knochen zu. Doch das mir wichtigste, die Filmwelt die mir nicht die Zornesröte ins Gesicht schreibt, die bekommt ihre Würdigung erst nach Jahresende.

Dass es dieses Jahr aber so lange gedauert hat, tut mir ehrlich leid. Aber ich hatte zu viel um die Ohren, als dass ich einen meinen eigenen Ansprüchen genügenden Kinorückblick auf 2011 hätte früher veröffentlichen können. Jetzt kann es allerdings endlich losgehen - für die kleine Handvoll an Leuten, die sich jetzt überhaupt noch für meine Gedanken zum Filmjahr erwärmen können.

Generelle Gedanken: Wie war das Kinojahr 2011?
Musikalisch und biographisch war 2011 für mich ja eher ein Episodenfilm mit sehr, sehr leicht übersehbarem thematischen roten Faden. Dem deutschen Kinojahr 2011 kann ich hingegen, anders als seinem Vorjahr, recht leicht einen Stempel aufdrücken. Für mich leicht es sich nämlich problemlos mit der Überschrift "Ziemlich unterschätzt" versehen. Wenn ich mich in meinem Umfeld so umhöre und einschlägige Ecken des Internets durchwühle, so scheint der allgemeine Konsens im Bezug auf 2011 "joah ... 'ne Nullnummer ohne Kracher und ohne Müll" zu sein. Dabei waren es doch zwölf richtig starke Kinomonate!

So war es doch eigentlich ein tolles Jahr für den typischen Blockbuster und Film-Franchises. Harry Potter wird wohl niemals zu einer Welt, für die ich mich erwärmen kann, aber alle Potter-Anhänger, die ich so kenne, sind mit dem Finale der Kinoreihe richtig glücklich. Mit Fast and Furious Five kann man mich brutal langweilen, aber Freunde der Reihe und sogar Filmkritiker feierten ihn als besten Teil der Reihe. Leute, die Hangover nicht nur wegen der Story, sondern auch dem Humor mochten, hatten im Regelfall riesigen Spaß an Hangover 2 (ich auch), Kung Fu Panda 2 gehört zu den besseren Trickfilm-Fortsetzungen, Der gestiefelte Kater räumte mit den letzten beiden Shrek-Filmen sein Katzenklo auf, Sherlock Holmes 2 kam beim Publikum (so weit ich das richtig überblicke) toll an, die Marvel-Filme wurden von denen, die sie sich denn auch angesehen haben, fast durchgehend ins Herz geschlossen, Mission: Impossible - Phantom Protokoll erinnerte uns (wieder einmal) daran, dass Tom Cruise ja eigentlich gar kein so mieser Kerl ist, Super 8 war ein besserer Spielberg-Film, als die meisten Spielberg-Streifen der letzten Jahre ... Also, in Sachen Blockbuster gibt's doch kaum etwas zu meckern! Gut, Transformers 3 und Breaking Dawn 1 haben so manchen Gelegenheitskinogänger und Internetpromi in die Verzweiflung getrieben, aber sind wir mal ehrlich: Bei diesen Filmen weiß man schon vorher, was man bekommt. Entweder ist man die Kernzielgruppe (CGI-süchtiger Teenie-Boy oder Kitsch-süchtiges Teenie-Mädel) oder eben nicht.

Oh, und meint ihr etwa, ich gehe hier nicht auf Pirates of the Caribbean - Fremde Gezeiten ein? Die Filmkritiker heulten, der Film sei kompliziert (die selben, die Fast and Furios Five für seinen Plot lobten ... mhm, genau ...), bei den Fans wurde er hingegen wohlig aufgenommen. Und ich hatte meinen riesigen Spaß mit ihm.

Jedoch war 2011 nicht nur ein tolles Blockbuster-Jahr, sondern auch ein großartiges Arthouse-/Programmkino-/Kunstfilmjahr. Wo 2010 noch enorm enttäuschte, war 2011 sowohl kommerziell, als auch qualitativ und imagetechnisch ein fantastisches Jahr für den gedankenvollen Film. Es half natürlich, dass mal wieder einige US-Produktionen von 2010 erst nach dem 1.1. 2011 nach Deutschland kamen, trotzdem konnten sich die geschmacklich distinguierteren Kinos in den letzten Monaten die Hände reiben:

Black Swan verführte mehr als 2 Millionen Kinogänger, The King's Speech schaffte es sogar in die Jahres-Top-Ten. Das deutsch-türkische Drama Almanya kam auf fast 1,5 Millionen Besucher, Der Gott des Gemetzels, Tree of Life und Midnight in Paris brachten drei verehrte Regisseure nicht nur wieder ins Gespräch, sondern erschlossenen ihnen auch ein neues Publikum, Melancholia war zwar kommerziell kein großer Wurf, zog aber viel (positive) Aufmerksamkeit auf sich ... Da sah es 2010 noch deutlich düsterer aus. Kurzum: Wieso soll 2011 kein denkwürdiges Kinojahr sein?

Die Enttäuschungen 2011
Gut möglich, dass die großen Enttäuschungen des Jahres die vorherrschende Meinung unnötig düster einfärbten. Denn so mancher Film war 2011 zwar nicht per se schlecht, jedoch äußerst enttäuschend. Sucker Punch hätte ein fantastischer "Hirn aus, Reizüberflutung an!"-Streifen werden können. Er wollte ein audiovisuell überwältigender, smarter Film mit bestechender Aussage und in sich schlüssiger Logik sein. Und letztlich ... wurde es ein halbfertiger, wirklich netter Versuch von Zack Snyder, seine überbordende Fantasie mit seiner eigenen Herangehensweise an Action und einigen klugen Ansätzen zu verbinden, der daran scheitert, dass alles nunmal nur angedacht wird. Ich erkenne, dass Snyder Größeres vorhatte, aber es gelang ihm nur in der Intro-Sequenz, bei der Ankunft des "High Rollers" und (wenngleich streitbar) in der Musicalsequenz im Director's Cut. Ich habe (im Gegensatz zu manch anderen Kritikern) nicht einmal in Erwägung gezogen, Sucker Punch zu den schlechtesten Filmen des Jahres zu zählen. Aber er hätte ein Favorit für die Bestenliste sein können. Stattdessen landete er irgendwo im grauen Mischmasch - und das ist bei all den Ambitionen Snyders wahrlich enttäuschend.

Ein starkes Stück schwächer war dagegen Bad Teacher: Was ein politisch inkorrekteres "Hangover in einer Schule" hätte werden können und sollen, wurde zu einer Rüpelkomödie, die sich nichts traute, eine schwarze Komödie, die zu farbenfroh sein wollte, ein komödiantisches Desaster, das nicht wusste, ob es das Publikum gegen seine Hauptfigur aufbringen will oder eben doch nicht. Bad Teacher versäumte nur knapp den Einzug in meine Flopliste des Jahres, da Cameron Diaz ehrlich versucht, aus dem verschnittenen Film und unebenen Skript noch ein bisschen Humor rauszuholen. Und Jason Segel ist höchst wahrscheinlich hochglücklich vom Muppet-Set vorbeigestolpert, um noch etwas Esprit zu versprühen. Ansonsten: Faule Gags, die auf die Schnaue fallen. Neee, das war nichts!

Eine andere herbe Enttäuschung war Source Code. Ich fand immer noch keine Gelegenheit, Duncan Jones' Regieerstling Moon zu sehen, allerdings wittere ich langsam, dass Jones wieder einer dieser Regisseure ist, die ich für gehörig überschätzt halte. Zumindest Source Code nach zu urteilen ist er wieder einer dieser Kerle, die überdurchschnittliche, nicht aber herrausragende Ware abliefern, bei denen sich aber ein paar elitäre Nasen fanden, die ihn zu einem Künstler ernennen - und schon plappern es alle nach. Man muss nur etwas gegen das Ende von Source Code sagen, und schon wollen einem vier, fünf dahergelaufene Leutchen jegliche Bildung aberkennen. Nein, ich verstehe das Ende von Source Code sehr wohl, es betrügt bloß jegliche zuvor aufgebaute Atmosphäre sowie die "moralische Logik" des Films. Dieser Sci-Fi-Thriller ist spannend und emotional involvierend, bloß ärgert es mich umso mehr, dass in der letzten Viertelstunde alles mit dem Hintern wieder eingerissen wird.

Und dann wäre da Jodie Fosters Der Bieber mit Mel Gibson: Zwischendrin kann man nicht schnell genug atmen, um mit dem Lachen hinterherzukommen, andere Male ist es ein vergnüglich-rührender Blick auf Depressionen ... und dann fühlt es sich für lange Strecken einfach nur wie eine minimal zynischere Kinoversion eines Disney-Fernsehfilms (Pre-High School Musical!) an. Die Botschaft ist so überdeutlich, die Familie so qurlig überzeichnet... Alles irgendwie schade.

Ein Film kann mir allerdings auch sehr gut gefallen, obwohl er mich enttäuschte. So geschah es mit dem folgenden Titel: Der vielleicht am meisten überschätzte Film 2011 ist für mich nämlich Gore Verbinskis Animationsdebüt Rango. Und, so viel sei an dieser Stelle verraten, trotzdem werdet ihr ihn in meiner Jahresbestenliste antreffen! Der Kritikerkonsens scheint bloß irgendwie etwas durchgeknallt zu sein: Rango wurde für seine Verschrobenheit, seinen immer wieder kurz aufkeimenden Surrealismus gelobt, als ein im publikumstauglichen Kleid verstecktes, kleines Experiment in Sachen Genre-Hommage/-Revolution/-Parodie gefeiert. Und, ja, all diese Elemente sind in Rango vorhanden, jedoch setzt Verbinski sie in seinem animierten Western schlechter um, als in Pirates of the Caribbean - Am Ende der Welt. So gibt es eine durchgeknallte, sich an Dalí und Verbinskis Vorgängerfilm orientierende Traumsequenz ... die bloß im Film ist, weil man auf originelle Weise eine Epiphanie herbeiführen wollte. Am Ende der Welt hatte für seine Ausflüchte in die Bereiche Traumlogik einen triftigen, handlungsimmanenten Grund. Um bloß ein Beispiel zu nennen. Rango ist schon schrill und cool, ich werde deshalb bald eh genug ins Schwärmen geraten, allerdings machten manche Kritiker aus ihm die neue Trickfilm-Offenbarung. Und die ist er, zumindest für mich, nichtmal ansatzweise. Wäre Rango in irgendeinem anderen Jahr gestartet, wäre er höchstwahrscheinlich "nur" mein liebster Non-Disney-Animationsfilm. Dass er 2011 den Trickthron eroberte, hat er zu einem gewissen Grad der sehr, sehr miesen Form von Pixar zu verdanken.

Liebling, ich habe das Publikum gehasst
Traditionen soll man pflegen, und manche davon sind besonders pflegeleicht. Man sollte denken, dass nach mehreren epischen Schimpftiraden mein Vorrat an Geschichten über nervige Kinogänger erschöpft sei. Weit gefehlt! Schon letztes Jahr gab es Nachschub, und auch dieses Jahr musste ich mich ab und an über mein cineastisches Umfeld aufregen. Herausstellen möchte ich zwei Vorfälle. Zum einen die Vorpremiere von The Green Hornet: Mittwochabend, Großstadt, volles Haus, hauptsächlich männlich und kurz nach der Pubertät. Das Kino unserer Wahl ist ein Haus, das sehr notorisch auf ein werbelastiges Vorprogramm setzt. In manchen Lichtspielhäusern überwiegen die Trailer, in diesem hingegen Lokalwerbung (allein schon für DREI!!! Wellness-Zentren), Produktwerbung, Veranstaltungshinweise ... so 'n Scheiß halt.
Dieser Abend war aber etwas besonderes, denn es liefen gleich zwei "Gib Aids keine Chance"-Spots, von denen ich das gesamte restliche Jahr über keinen einzigen mehr im Kino oder Fernsehen gesehen habe.

Der erste war ein absolut typischer Spot, wie man ihn bestimmt schon dutzendfach gesehen hat, im Grunde eine verfilmte Version der aktuellen Plakatkampagne: Ein milchbärtiger Bubi und ein knackiges Mädel machen rum, stoppen, irgendwine rhetotische Frage folgt, Kondom wird aus der Tasche gezogen, Slogan einblenden, yada, yada ... Reaktionen auf den Spot gab es wenige, bloß ein paar Kerle mussten lautstark attestieren, wie scharf das Werbemädchen ist, und dass sie es knallen würden. Nicht sonderlich distinguiert, aber meinethalben ...

Einen Wellness-Werbespot später erfüllte aber ein zweites, in schummrigen Licht eingefangenes Jugendzimmer die Leinwand. Dem nun spielenden Anti-Aids-Spot sollte allerdings deutlich mehr Aufmerksamkeit zu Teil werden: Aus einer eng anliegenden Herrenjeans pellt sich langsam ein wohlgeformter, Boxershorts verhangener Bubenhintern. Der Rücken dieses sich ausziehenden Jungens wird vorfreudig von einem Paar Hände abgetastet. Es folgt ein Schnit, der enthüllt, wie der Besitzer dieser ausgefülten Jeans aussieht. Und wie sein Date aussieht: Zwei Jungs mit zartem Gesicht küssen sich leidenschaftlich und ...

WWAAAAAH! IIIIIH! BAAAAH! ... ein kollektiver Schock überkommt die außerordentlich lautstarke Mehrheit des Saalpublikums. Der Ekel ist unüberhörbar, zwischen all diesen geräuschvollen Anwiderungsbekundungen pieksen ein paar peinlich berührte Lacher hervor, und mit fortschreitender Werbung finden die ersten Zurückgebliebenen ihr Sprachzentrum wieder. Ein Feuerwerk der homophoben Beschimpfungen wird gen Kinoleinwand entlassen, zwei oder drei wünschen sich mit brummender Stimme "die scharfe Ische mit den prallen Titten" von vorhin zurück ... Ich habe nicht den blassesten Schimmer, wie lang dieser Werbespot überhaupt lief, mir kam es aber wie eine halbe Ewigkeit vor und es dauerte noch einige Spots und Trailer, bis ich mich aus dem sprichwörtlichen Grund und Boden rausziehen konnte, in den ich vor Fremdscham versunken bin. Wo war ich gelandet, dass so ein schlichter Anti-Aids-Spot mit zwei jungen Männern die Emotionen derart hochkochen lassen kann?

Dagegen war der kleine Junge in der Rio-Vorstellung noch richtiger Balsam für die Seele. Der hat einfach nur ganz euphorisch jeglichen Text vorgeleseb, der eingeblendet wurde. Inklusive der Studiologos! Außerdem wusste er für die ersten zwanzig oder dreißig Minuten immer, was als nächstes geschehen wird. Kleine Anmerkung am Rande: Ich sah den Film mehrere Tage vor dem offiziellen Kinostart! Wo auch immer der Bub' seine Infos her hatte, seine Quellen waren sehr gut über Rio unterrichtet. Und versteht mich nicht falsch, ich hätte ihm gerne seinen Hosenboden lang gezogen. Aber immer noch besser einen überengagierten Jungen im Grundschulalter, als einen ganzen Mob an Spätpubertierenden, die sich in ihren eng gesteckten Vorstellungen sexueller Moral beleidigt fühlen, und kurz davor sind, das Kino mit brennenden Mistgabeln und stinkenden Fackeln im Anschlag kurz und klein zu hauen.

Schöne Stunden zu zweit
Oder zu dritt, zu viert, zu fünft ...
Ich meckere ja gerne über andere Kinogänger, doch da ich noch immer sehr gerne ins Kino gehe, muss es mir ja offensichtlich etwas bieten, das über meine schlechte Erfahrungen hinwegtröstet. Es ist wirklich noch lange nicht jedes Saalpublikum unausstehlich, und deswegen möchte ich an dieser Stelle auch einigen magischen Kinomomenten Tribut zollen. Denn wenn die Leute richtig mitgehen oder das Drumherum stimmt, dann kann das Kinoerlebnis den betroffenen Film so richtig aufwerten.

So muss ich das sehr euphorische Tron: Legacy-Publikum erwähnen, das am Startwochenende die 3D-Vorstellung im größten Saal eines meiner Stammkinos richtig mitging. Die Gags kamen sehr gut an (sogar kleinere Anspielungen an das Original erhielten einige wohlwissende Kicherer), es wurde mehrfach über das visuelle Spektakel gestaunt, die (bemühten) ernsteren Szenen wurden mit ehrfürchtiger, statt gelangweilter Stille bedacht und man spürte, wie die Musik von Daft Punk bei ihren Höhepunkten richtig aufgesogen wurde. Nach Filmschluss hörte man beim Rausgehen auch an allen Ecken und Enden Mutmaßungen, wie es wohl weitergehen könnte. Man merkte: Irgendwie haben sich da einige Tron- und generelle Sci-Fi-Fans zusammengerottet. Als ich den Film ein paar Tage später in einem anderen Kino sah, waren die Publikumsreaktionen wesentlich gediegener.

Der absolute Geek-/Nerdgasmus war aber die Vorführung von Scott Pilgrim gegen den Rest der Welt im Studentenkino. Der Film selbst gehört ja eigentlich in Artikel zum Kinojahr 2010, diese Vorstellung fand aber im Februar 2011 statt, also ... suck it! Und, wow, so muss Scott Pilgrim im Kino erlebt werden! Es wurde enorm laut gelacht, jede noch so verschrobene Anspielung fand Anklang, die Indie-Musik wurde gefeiert, es war ein kollektives Wohlfühlsein wie in einem richtig guten Konzert. Ohne, dass es so ausartete, dass man vom Film nichts mitbekam. Wir haben den Film zu fünft gesehen, davon waren meine vier Begleiter allesamt Scott Pilgrim-Jungfrauen, und alle kamen mit. Bei manch anderen frenetischen Vorführungen im Studentenkino haben Ahnungslose den jeweils bejubelten Film auch gar nicht richtig mitbekommen können – das ist dann natürlich wieder zu viel des Guten.

Und natürlich ist mein Filmjahr 2011 auch sehr stark von Pirates of the Caribbean geprägt. Was sich auch auf die besten Kinoerlebnisse auswirkte, denn wenn die richtige Veranstaltung und/oder die richtigen Kino-Mittäter wählt, bietet sich diese Filmreihe für mich als Fan einfach für schwer vergessliche Kinostunden an. Noch bevor Fremde Gezeiten den Weg ins Kino fand, ging es bereits im Februar mit dem Fluch der Karibik-Konzert grandios los. Diese ikonische Filmmusik live zu hören, ist einfach was ganz besonderes, und ich freue mich schon auf das nächste Mal. Allerdings soll Disney auch endlich aus den Puschen kommen und Konzerte zu Teil 2 & 3 ankündigen. Und bitte, dieses Mal nicht erst in der Schweiz und Bayern austesten. Was soll der Driss? Die erste "Staffel" der Fluch der Karibik-Konzerte, Lost, Fantasia ... Der Rest des deutschsprachigen Raums ist ebenfalls kultiviert genug für solche Veranstaltungen, also startet eure Testballons auch etwas weiter nördlich!

Dann kam mit dem Mai halt auch endlich Fremde Gezeiten, und bei dem Film war eigentlich nahezu jeder Kinogang etwas einmaliges. Mit einem ganzen Packen Freunden die Mitternachtspreview sehen, nachdem zur Einstimmung die Vorgängerfilme geguckt wurden? Klasse. Mit einem genauso intensiv auf jedes Detail achtenden Fan ins "Heimatkino" streunen und den Streifen ganz genau analysieren? Jepp, ebenfalls super. Open-Air bei Vollmond? Berückend! Überhaupt hat das Autokino-Wochenende eine lobende Erwähnung verdient. Nicht perfekt organisiert, die Hälfte der Filme waren mir schnuppe, doch mit den richtigen Leuten macht man sich ein wahres Event draus ...

Um aber nochmal spezifisch auf Fremde Gezeiten zurückzukehren: Der Filmmoment des Jahres war definitiv Jacks und Gibbs großartiges, kameradschaftliches und sich (für Fans) heftig ins Postmoderne lehnende Geplänkel ganz zum Schluss des Films. Hier brach der Film, der sich zuvor mehr ins Feeling klassischer Abenteuerromane und piratiger Schauermären lehnte, zu neuen, selbstironischen Horizonten auf und sorgte jedes einzelne Mal dafür, dass nicht nur das ganze Kino lachte, sondern sich auch jedes Mal "meine" Sitzreihe besonders intensiv schieflachte. Absurde Vorschläge, Ziegen, eine Will-Turner-parodiert-Jack-Verballhornung ... Zwerchfell, wir alle hörten dich knacksen vor Schmerz!

Positive Überraschungen
"Was hat The King's Speech bei dieser Unter-Überschrift als Titelbild zu suchen?!?!"
Nun, ein anderer Film hat mich deutlich mehr überrascht, aber den wollte ich lieber an einer anderen Stelle zur Illustration nehmen, deshalb muss der letztjährige Oscar-Gewinner ranhalten. Bei dem erwartete ich natürlich keinen Schrottfilm, jedoch hatte ich vorab durchaus die Vermutung, dass es ein schlichtes Stück "Oscar Bait" sein könnte, dem die Academy grundlos aus der Hand frisst. Und dass es letztlich bloß ein annehmbares, nettes Drama sei. Stattdessen war The King's Speech wirklich stark, mit ausgefeilten Dialogen und superben Darstellungen. Ich hätte ihm nicht unbedingt den Oscar gegeben, aber ich gönne es diesem Film vollauf.

Die für mich dickste Überraschung 2011 war jedoch J. J. Abrams Stück 80er-Blockbusternostalgie Super 8. Während die Hälfte des (US-)Internets bei Anblick der Trailer in einen kollektiven Rausch der Begeisterung verfiel, ließen mich die nach "E.T. ist zurück ... und er ist angepisst" schmeckenden Trailer eher kalt zurück. Ich wusste nicht, worauf ich mich denn groß freuen sollte. Produzent Spielberg und sein x-tes Alien? Filmkinder, die sich garantiert nicht echt anfühlen, die auf die Tränendrüse drücken? Neeee ... Der eigentliche Film hingegen weckte in mir die Begeisterung, die alle beim Trailer verspürten. Großartige Kinderdarsteller, ein herrliches 80er-Feeling und gelungene Alien-Suspense. Super. Auch Scream 4 überraschte mich nach dem miesen Scream 3 sehr positiv, ebenso verhielt es sich mit Der gestiefelte Kater, der dem totgelaufenen Shrek-Franchise ein höchst amüsantes Abenteuerfilmchen entlockte.

So weit also meine halbwegs strukturierten Gedanken zum Kinojahr. Als nächstes muss ich noch ein paar Wackelkandidaten für meine Jahresbestenliste ganz genau und kritisch betrachtet, mir meinen Kopf über ein paar Platzierungen zerbrechen, und noch vor den Oscars sollte ich mit dem Jahr 2011 abschließen. Hübsch von mir, nicht wahr?

Empfehlenswerte Artikel:

Tea for Two Hundred

2012-01-28T15:43:00.002+01:00

War Micky das "Über-Ich" des ewigen Träumers Walt Disney, lässt sich der vom Pech verfolgte und cholerische Donald Duck als sein "Es" betrachten. Mit seiner unverwechselbaren Art trat er schnell aus dem Schatten der Maus. Diese Artikelserie präsentiert die Cartoons, die Donald auch aus Sicht der Academy of Motion Picture Arts & Sciences in den Film-Olymp aufsteigen ließen. Dies sind die Kurzfilme, die ihm eine Oscar-Nominierung einbrachten. Dies ist Entengold.

Im siebten Teil dieser Reihe zeichnet sich langsam das Schema für Donalds letzte Kinojahre ab. Er zeigt sich wieder verstärkt als Frechdachs, und zugleich brilliert er weiter als Opfer eines ihm feindseligen Umfelds. Diese Auffrischung alter Kurzfilmkonzepte kam so gut an, dass Disneys Vorzeigeerpel drei Jahre hintereinander für den Oscar nominiert wurde. Während der goldenen Mitte dieses Hattricks lädt Donald zum Tea for Two Hundred.

Als Jack Hannah vom Cartoon-Autor zum -Regisseur aufstieg, gab er Donald eine neue Hauptbeschäftigung: Den Kampf gegen kleinere Lebewesen. Dazu kam es zwar auch in den Jahren zuvor immer wieder, aber Hannah machte dies tatkräftig zum Schwerpunkt seiner Donald-Kurzfilme. 1947 wurde die ewige Fehde Donald/Chip & Chap etabliert, im Laufe des Jahres 1948 traf der cholerische Erpel auch erstmals auf die ihm wiederholt Ärger bereitende Biene Spike. Zum Jahresende hin wurde die Größe von Donalds Quälgeistern weiter reduziert: Vom Streifenhörnchen zur Biene, hin zu einer Horde von Ameisen. Diese setzten sich jedoch nicht als neue Erzfeinde durch. Nach dem am 24. Dezember 1948 uraufgeführten Tea for Two Hundred tauchten sie nur noch ein weiteres Mal auf, nämlich knapp dreieinhalb Jahre später in Uncle Donald's Ants.

Während die Ameisen bei ihrer, so manches Stück Animation aus Tea for Two Hundred wieder verwendender, Rückkehr in Donalds Heimat einfallen, überraschen sie ihn im Oscar-nominierten Cartoon beim Picknick. Und erwecken so das Spielkind in Donald: Als eine Gruppe Ameisen Dinge vom x-facher ihrer Größe an ihm vorüberzieht, bemerkt er eine kleinere, dem Rest ihres Stamms hinterherhinkende Ameise. Dieser stellt er, sich dabei köstlich amüsierend, einige Hindernisse in den Weg und packt ihr seinen halben Picknickvorrat auf den Rücken. Als das kleine Tierchen letztlich unter der Last zusammenbricht, bekleckert es sich mit Tortensahne. Von deren Geschmack begeistert, trommelt die Ameise den ganzen Stamm zusammen, der mit vereinten Kräften Donald ausschalten und bestehlen will. Doch dieser versucht sich auf explosive Art zu wehren.

Donald verfolgt wie gebannt jede Begwegung seines kleinen Versuchskanninchens

Es ist nicht das erste Mal, dass Donald vergebens seine Picknickverpflegung vor der Wildnis beschützen will. Beim Betrachten dieses Cartoons werden durchaus grobe Erinnerungen an Beach Picnic aus dem Jahr 1939 und Donald's Vacation von 1940 wach, die ähnliche Situationen nachzeichneten. Was durchaus die Frage nahe legt: Hat das sich nach Barks' Weggang schrittweise etablierte Donald-Autorenduo Bill Berg & Nick George bei diesen früheren Kurzfilmen geklaut? Oder ist Tea for Two Hundred eine eigenständige, humoristische Bearbeitung einer bereits genutzten Ausgangsidee? Es bietet sich nur an, das übliche Format dieser Artikelreihe etwas aufzubrechen und einen Vergleich zwischen dem Oscar-nominierten Cartoon und seinen inoffiziellen Vorgängern anzustellen.

Beach Picnic beginnt mit einem heiter singenden Donald, der sein Strandpicknick aufbaut und dann mit einem Gummi-Seepferdchen ins Meer springt. Da er von seinem Badeutensil runterstürzt, zetert er erstmal herum, bevor er auf die Idee kommt, den am Strand schummernden Pluto damit zu ärgern. Von seiner Aktion als Störenfried abgelenkt, lässt Donald sein reichhaltiges Picknickbuffet unüberwacht, was die Aufmerksamkeit von einem Ameisenstamm auf sich zieht. Dieser fällt auf das Essen ein, treibt seinen Schabernack damit und wird letztlich von einem tobenden Donald in die Flucht geschlagen. Das sicherheitshalber aufgebaute Fliegenpapier führt dann aber zu Chaos mit dem neugierigen Pluto, während weder die Ameisen, noch das Gummi-Reittier erneute Erwähnung finden.

Der Kurzfilm von Clyde Geronomi, der im Cartoon-Sektor vornehmlich bei Pluto-Produktionen Regie führte, weißt tatsächlich ein paar Parallelen mit dem neun Jahre später folgenden Tea for Two Hundred auf. So werden die Ameisen als ein Stamm von stereotypischen Ureinwohnern dargestellt, inklusive musikalischer Anspielungen an Film-Indianer und Marotten wie rituellem Trommeln oder ähnlichem. In beiden Filmen betätigt sich Donald zudem als Störenfried, sei es in Tea for Two Hundred gegenüber der schwächsten Ameise oder in Beach Picnic gegenüber Pluto. Das ist insofern nennenswert, als dass es aufzeigt, dass sich unter Jack Hannahs Regie Donald in den späten 40ern wieder ein wenig zurückorientierte. Anfangs wurde er regelmäßig als kleiner Tunichtgut dargestellt, ganz prominent etwa in Mickys erstem Farbcartoon The Band Concert von 1935, in dem Donald mit der geflöteten Volksweise Turkey in the Straw (die erste Melodie, die der Weltöffentlichkeit aus Mickys pfeifendem Mund präsentiert wurde) ein Konzert der Willhelm Tell-Overtüre unterbrach. Während der 40er verlief sich dieses Naturell Donalds allerdings ein wenig.

Auf ein paar Sekunden wiederverwendeter, neu kolorierter Animation konnte man offenbarnicht verzichten (oben: Beach Picnic, unten: Tea for Two Hundred)

In Cartoons wie Trombone Trouble aus dem Jahr 1944 ist es sogar er, der sich von seinem Umfeld genervt fühlt (in diesem Fall von einem mies Posaune spielenden Kater Karlo). Ganz zu schweigen von all den Cartoons mit Tick, Trick und Track, in denen er das Opfer von Streichen jeglicher Größenordnung wird. Tea for Two Hundred sollte im Jahr 1948 wohlgemerkt keine kurzfristige Rückbesinnung auf Donalds schwer bezwingbare (und teils kuriose Triebe schlagende) Neugier sein. Auch in einigen der Kurzfilme mit Chip und Chap ließen die Autoren Donald wieder auf mitunter recht fiese Weise seine Gegenspieler zu Reaktionen provozieren. In ihrem ersten gemeinsamen Auftritt dagegen wollte Donald bloß Feuerholz sammeln, von seinem manchmal gemeinen Spieltrieb war dort nichts zu spüren.

Die Parallelen von Tea for Two Hundred und Beach Picnic sind allerdings rarer als die Unterschiede zwischen diesen Cartoons. Zu diesen zählt selbst die Gestaltung der Ameisen. In der älteren Produktion floss eher wenig Gedankenspiel in die visuelle Umsetzung der kleinen Tierchen: Sie sind simple, gezeichnete Versionen echter Ameisen, mit einem relativ akkuraten Körper, aber einem schlichten Cartoon-Gesicht mit den typischen Disney-Augen und keinem wirklich auffallendem Mund. Es ist die Gesichtsbemalung und die Musikbegleitung, die sie zu Indianern macht. Für Tea for Two Hundred entwarf Yale Gracey einen individuellen Look der Ameisen, die von den Zeichnern mit einem ganz eigenen Bewegungsschema ausgestattet wurden. Gracey, bestimmte das Gesicht der Nachkriegs-Donald-Cartoons entscheidend mit, ehe Walt Disney den erfinderischen Künstler aus den Trickstudios "abwarb" und die verschiedensten Effekten in Disneyland austüfteln ließ. Zu den legendärsten Arbeiten Graceys sollten die Geisterillusionen in der Haunted Mansion sowie der erstaunliche Nachthimmel in Pirates of the Caribbean zählen.

Den Ameisen in Tea for Two Hundred verlieh Gracey eine klare Persönlichkeit und ein humoristischeres Aussehen, als ihren Artverwandten aus Beach Picnic. Mit ihrem Körperschmuck und Pinto Colvigs unverständlichen Gebrabbel wurden sie zu Karikaturen stereotyper Kannibalen, die zum Standardrepertoire damaliger Abenteuerfilme zählten. Diese deutlich auffälligere und somit denkwürdigere Umsetzung des Gedanken "Wilde Ameisen, haha, machen wir daraus einen Stamm Wilder!" wurde Tea for Two Hundred Jahrzehnte später aber vielleicht sogar zum Verhängnis: In der Kurzfilm-Sammlung The Chronological Donald, Vol. 3 wurde dieser Cartoon aufgrund seines potentiell kontroversen Inhalts in die Sektion From the Vault verbannt, wo Filmhistoriker Leonard Maltin Eltern von diese DVD möglicherweise einlegenden Kindern warnt, dass der Humor in den 40er-Jahren noch deutlich unsensibler war. Beach Picnic konnte dagegen mit seinen Standard-Indianerameisen einem Warnhinweis entgehen, während Donald's Vacation allein für das Einspielen indianischer Musik beim Anblick eines an Häuptlingsschmuck erinnernden Anhängsels wieder den ermahnenden Zeigefinger angepappt bekam.

Das oberste Bild ist Disneys Ansichten nach zu urteilen das am wenigsten rassistische (von oben nach unten: Beach Picnic, Donald's Vacation, Tea for Two Hundred)

Die restlichen Unterschiede zwischen diesen beiden "Donald vs. Ameisen"-Filmen lassen sich direkt im Zusammenhang mit dem offenbar äußerst rassistischen Donald's Vacation aufzeigen. Dieser Cartoon hat mit Tea for Two Hundred nur die Idee gemeinsam, dass Donalds beinahe lächerlich großes Picknick-Schlemmerbuffet kettenartig von Waldtieren weggerollt wird. In diesem Fall sind es übrigens Streifenhörnchen, die Donald zur Last fallen, sieben Jahre bevor er zwei ganz ausgefuchste Vertreter dieser Art kennen lernt. Der Rest des Cartoons zeigt, wie Beach Picnic, einen heiter, melodisch dahinquackenden Donald und dann erstmal seine Probleme, einen Liegestuhl aufzubauen. Zum Schluss eskaliert die Situation durch das Eintreffen eines gewaltigen Bären.

Unter diesen drei Cartoons fällt Donald's Vacation insofern etwas aus dem Rahmen, als dass unser schnatternder Alltagsheld in diesem von Barks/Hannah entworfenen Film deutlich mehr rumzetert und auch einiges an sehr komödiantischen Text in den Schnabel gelegt bekommt. In Tea for Two Hundred dagegen hat er nahezu gar nichts zu sagen.

Den beiden älteren Cartoons ist unterdessen gemein, dass sie rund zwei Minuten länger sind als Tea for Two Hundred. Dieser verzichtet unter anderem darauf, Donalds Genuss an seinem freien Tag durch comichaften Gesang darzustellen, wodurch schon einige Zeit gespart wird. Es ist aber nicht nur eine Zeitsparmaßnahme, sondern obendrein auch ein Zeichen dafür, wie sich innerhalb von weniger als zehn Jahren der Humor änderte. Das schrille Singen von Disney-Cartoonhelden war noch ein Überbleibsel aus den sehr musikalischen Anfängen des animierten Kurzfilms, welches in einigen frühen Produktionen wie Mickey's Grand Opera sogar den ganz großen Aufhänger bildeten. Aber der Humor des Publikums änderte sich, so wurde etwa das Interesse an cartoonigen Verfolgungsjagden größer, und in Disney-Cartoons wurde mit der Zeit immer seltener schrill gesungen. Zu den raren Ausnahmen zählt etwa Zip-A-Dee-Doo-Dah aus dem Disney-Kinoerfolg Onkel Remus' Wunderland, welches Donald 1948 in Soup's On anstimmt. Dies lässt sich aber auch als disneyinterne Anspielung verbuchen und ist zudem deutlich knapper, als sein Geträller in den Cartoons der 30er und frühen 40er.

Tea for Two Hundred ist mit seiner kürzeren Laufzeit zudem geradliniger. Bereits nach wenigen Sekunden werden die Ameisen eingeführt, die Donald zunächst neckt, wodurch er sich dann aber den Kleinkrieg mit ihnen einbrockt, der sich bis zum Gebrauch von Dynamit steigert. Beach Picnic und Donald's Vacation lassen sich hingegen nicht als Cartoons beschreiben, deren Fokus darauf liegt, dass Donald sich mit Tierchen anlegt, sondern folgen eher der Leitfrage "Donald will seine Freizeit genießen, was kann dabei alles schief gehen?" Vergleicht man diese zwei Kurzfilme miteinander, wird einem auch bewusst, weshalb sich in den Disney-Studios üblicherweise feste Gruppen für die einzelnen Cartoonreihen durchsetzten. Geronimis Beach Picnic zerfällt in seine Segmente, vereinzelte Gags treffen zwar, komplett betrachtet ist er allerdings eher zähflüssig.

Jack Kings ein Jahr später gestarteter Donald's Vacation ist zwar ebenfalls ein Sammelsurium an Einfällen, doch ihm gelingt es, sie durch Donalds launenhafte Natur und einem stimmigen Tempo zu vereinen. Natürlich gibt es im riesigen Fundus an Disney-Filmen Beispiele für gelungene "Gastregie" (etwa den an dieser Stelle bereits besprochenen Der Fuehrer's Face), trotzdem erweist sich die Einteilung der Gagschreiber und Cartoon-Regisseure (sowie deren gezeichneten Stars) in feste Gemeinschaften als schlüssiges, fruchtendes System. Eines, aus dem Jack King bei Veröffentlichung von Tea for Two Hundred ausschied: 1948 kamen seine drei letzten Regiearbeiten in die Kinos. Sie alle zeigen Donald in für ihn typischen, tückischen Situationen, die vom Humor her trotzdem ganz anders sind, als die nicht minder zu dieser Figur passenden Jack-Hannah-Filme.

Die späteren Cartoons unterscheiden sich unter anderem auch durch die mit satteren Farben umgesetzten Hintergrundgemälde (etwa von Thelma Witmer) von den frühen Anfängen (oben: Beach Picnic, unten: Tea for Two Hundred)

Wie schon im Jahr zuvor, wurden 1949 bei den 21. Academy Awards gleich zwei Disney-Produktionen als bester animierter Kurzfilm nominiert. Neben Tea for Two Hundred wurde mit Mickey and the Seal diese Ehre auch erstmals nach dem 1941 produzierten Oscar-Gewinner wieder einem Micky-Kurzfilm zu Teil.

Es war zudem das erste Jahr nach der Blütezeit des Stummfilms, in dem ein Darsteller ohne Text mit dem Oscar prämiert wurde. Tja, die Filmgeschichte läuft in Zyklen ab.

In der Kategorie "Bester animierter Kurzfilm" wurde außerdem Robin Hoodlum nominiert, ein Cartoon aus der Screen-Gems-Kurzfilmreihe über eine Krähe und einen Fuchs. Dieser Eintrag in ihre Filmserie ist ein ganz besonderer, da das übliche Schema "Die Krähe ist der Held und muss sich gegen den Fuchs wehren" auf den Kopf gestellt wurde, indem die Krähe als Sherrif engagiert wird und die Zuschauer nun auf der Seite des Fuchs stehen sollen, der vor der übereifrigen Krähe fliehen muss. Mit The Little Orphan wurde zudem ein weiteres Mal ein Tom & Jerry-Cartoon nominiert, der letztlich auch den Oscar gewann und dem Katz-und-Maus-Duo so seinen fünften Goldjungen einbrachte. In diesem Film nimmt Jerry über Thanksgiving ein außerordentlich verfesssenes Mäusewaisenkind unter seine Fittiche und muss deshalb nicht nur sich selbst, sondern auch seinen Teilzeitschützling gegen Kater Tom verteidigen.

Zu guter letzt wurde auch der Looney Tunes-Kurzfilm Mouse Wreckers von Charles M. Jones nominiert. Dieser hatte das nunmehr größtenteils vergessene, selbst einigen Looney-Fans unbekannte Mäuse-Duo Hubie & Bertie als Star, die in den Jahren zuvor Jones schnelleren Humor etablierten und mit Mouse Wreckes in Form des Katers Claude Cat einen neuen Erzfeind erhielten. Die beiden Mäuse wollen sich in diesem Cartoon ein einladendes Haus zur neuen Heimat machen, müssen dazu jedoch unter Verwendung von Slapstick-Gewalt erstmal die Hauskatze verjagen.

In dieser Artikelreihe bin ich ja bemüht, die Oscar-nominierten Donald-Cartoons historisch einzuorten, wozu auch ab und an ein Blick auf die Qualität gehört. Diese Betrachtungen laufen selbstredend eher Gefahr, vom Objektiven ins Subjektive zu driften. Erwähnt werden sollte er meines Erachtens nach trotzdem: Auch wenn Tea for Two Hundred dank der einprägsameren und vor allem auch mühevollen Animation der Ameisen und einem zu Hochform auflaufenden Oliver Wallace, der den gesamten Cartoon mit wandelbaren Melodien untermalt, es vollauf verdient hat, neben der oben genannten Konkurrenz nominiert zu werden, so zieht er im internen Wettstreit der 1948 veröffentlichen Donald-Kurzfilme leicht den Kürzeren. Jack Kings Drip Drippy Donald lässt einen übermüdeten Donald mit einem enervierenden, tropfenden Wasserhahn aneinander rasseln und lässt Disneys Sound Department mit diesem Konzept freien Lauf, so dass ein Stück Tonfilmgeschichte entsteht. Donald's Dream Voice parodiert gekonnt die Sprachprobleme seines Titelhelden, mit dem Gerichtsdramen originell parodierenden The Trial of Donald Duck verabschiedete sich Jack King mit einem ungewöhnlicheren Cartoon in den Ruhestand, und Jack Hannah fand mit Three for Breakfast die Kernformel für einen schmissigen "Donald vs. Chip & Chap"-Cartoon.

Mein persönlicher Favorit dieses Jahres ist aber Soup's On, Jack Hannahs wild gewordene Variante der "Donald und seine Neffen"-Filme, die er als Autor zusammen mit Carl Barks prägte. Sie alle hätten eine Oscar-Nominierung mindestens genauso sehr verdient, wie Tea for Two Hundred. Neben dem Cartoon mit den Frühstück ruinierenden Chip und Chap passt dieser aber am besten ins damalige Beuteschema dieser Oscar-Kategorie – und damit überlasse ich das restliche Diskussionsfeld euren eigenen Köpfen. Ganz gleich, ob ihr zustimmt oder widerstrebt.

Die tänzelnde Wurstschlange, ein vergessener Klassiker des Disney-Humors (oben: Beach Picnic, unten: Tea for Two Hundred)

1948 war nicht bloß das Jahr, in dem sich Jack King in den Ruhestand verabschiedete und eine kunterbunte Mischung aus atypischen Donald-Cartoons sowie ausgezeichneten Ausformungen klassischer Donald-Formeln in die Kinos kam, sondern auch das Jahr, in dem der gefiederte Disney-Star wieder vermehrt Wutanfälle an den Tag legen durfte. Filme mit den für ihn so markanten Temperamentsausbrüchen waren in den Jahren zuvor noch deutlich in der Unterzahl, irgendwie war Donalds Charakter in den Kriegs- und Nachkriegsjahren etwas besonnener. Aber nun lässt sich langsam erkennen, dass die Donald-Filmreihe wieder einen bestimmten Weg anschlägt: Donald sollte in vielen Cartoons dieser Ära sein Umfeld necken und durchdrehen, sobald seine Einfälle übermäßige Reaktionen auslösen. Donald, der emotionsgeladene Frechdachs, der sich gleichzeitig auch in der Opferrolle befindet.

Dieses Bild zeigte 1948 neben Tea for Two Hundred auch Three for Breakfast, in welchem er Chip und Chap nicht einfach vom Frühstückstisch verjagt, sondern mit Gummi-Pfannkuchen in die Irre führt oder auch entnervt in den Toaster steckt. Was so nonchalant runter geschrieben viel brutaler klingt, als es ist. Denn parallel dazu sollte man als Zuschauer auch Verständnis für Donald haben, der einfach in Ruhe frühstücken will. Andere Cartoonreihen hatten zu dieser Zeit scharf umrissene "Sympathieträger / Antipathieträger"-Grenzen. So wollten die Macher von Sylvester und Tweety angeblich, dass sich das Publikum moralisch mit Tweety verbündet, während ab 1949 beim Road Runner und dem Kojoten die Sympathie dem Jäger gelten sollte.

Wie bereits erwähnt, war Tea for Two Hundred der erste von nur zwei Auftritten der karikaturhaften Ameisen. Für weitere Verwendungen waren sie auch einfach nicht flexibel genug. Chip und Chap hingegen boten sich sehr wohl für etwas Abwechslung an, und so kamen 1949 bereits drei Cartoons mit ihnen heraus. Der andersartigste von ihnen erhielt schließlich auch eine Oscar-Nominierung, und deshalb werden wir den Nagern im nächsten Entengold auch wieder begegnen.

Miss Piggy zu Gast bei neoParadise

2012-01-27T19:20:00.000+01:00

Wer Joko und Klaas nicht mag, der hat entweder einen sehr "ernsten" Humor oder immer nur die falschen Ausschnitte aus MTV Home gesehen. Klar, nicht jede ihrer Aktionen ist ein Bringer, aber sie vereinen das Freche eines frühen Stefan Raabs mit der Anarchie eines lustvollen Harald Schmidt und der Idiotie von Simon & Elton. Manchmal schleicht sich sogar ein Hauch des satirischen Anspruchs in ihre Auftritte. So auch bei ihrer ZDFneo-Show neoParadise. Nicht alles läuft dort rund, aber die Gespräche mit den Gästen sind stets sehr unterhaltsam.

Gestern wurde wohl ein neuer Höhepunkt in der Karriere dieser zwei Berufs-Flitzpiepen erreicht. Joko interviewte einen der berühmt-berüchtigsten noch aktiven Filmstars, während Klaas vergnügt grinsend daneben saß. Miss Piggy war zu Besuch, und was dabei rauskam, könnt ihr euch hier ansehen:

Die Muppets ist seit letzter Woche in den deutschen Kinos zu sehen und ein absoluter Pflichtpunkt in eurem diesjährigen Kinoprogramm (selbst wenn ihr daran zweifelt, glaubt mir einfach)! neoParadise läuft jeden Donnerstag ab ca. 22.40 Uhr auf ZDFneo und ist auch jederzeit in der ZDF-Mediathek abrufbar.

The Artist

2012-01-26T16:01:00.001+01:00

Mit den Oscar-nominerten Filmen Avatar und Hugo Cabret hat das moderne 3D den Film-Olymp erreicht. Trotzdem wird diese Technologie den Ruf nicht los, nur Augenwischerei zu sein, die keine künstlerische Relevanz hat. Das Kino kam jahrzehntelang ohne 3D aus, wieso sollte man plötzlich damit neue Wege finden, Geschichten zu erzählen?

3D hat allerdings auch seine Verteidiger. Einige von ihnen, darunter Martin Scorsese, vergleichen 3D mit Farbe: Man kann Farbe verwenden, einfach nur, weil es Standard wurde, weil es realistischer aussieht, als schwarz-weiß. Doch man Farbe auch verwenden, um den Prozess des Geschichtenerzählens voranzutreiben.
The Artist schlägt derweil in die komplett andere Richtung aus. Während Martin Scorsese mittels 3D früheren Kinozeiten gedenkt, erinnert Regisseur Michel Hazanavicius daran, dass nicht 3D, nicht Farbe, sondern auch der Ton schierer Luxus ist. Er versetzt uns zurück in eine Zeit, als der Stummfilm noch zur Tagesordnung gehörte, und erzählt die Geschichte eines Stummfilmstars, der sich dem modernen Hokuspokus des Tonfilms verweigert. Und dadurch in ein Karrieretief fällt. Erzählt wird diese Geschichte ... ohne Ton. Prätentiöse Kunst, die sich über moderne Techniken echauffiert? Nein! The Artist ist kein snobistisches Produkt eines der Moderne überdrüssigen Zynikers, sondern eine liebevolle und engagierende Hommage an eine verloren gegangene Filmkunst. Und wie kann man Menschen besser für vergessene Künste begeistern, als sie zum Lachen und zum Mitfiebern zu bringen?

The Artist ist eine wunderbare Vereinigung von Kunst und Unterhaltung. Sich technisch und handwerklich bewusst einzugrenzen und mit einer scheinbaren Leichtigkeit eine Hohelied auf den Stummfilm und Künstlerseelen zu singen, erfordert ungeheures künstlerisches Geschick. Doch zugleich ist The Artist im diesjährigen Oscar-Rennen auch der vergnüglichste Anwärter auf die Goldstatuette für den besten Film. Man lacht und leidet mit den Hauptfiguren, man strahlt über den unschuldigen Witz, den der Filmhund Uggie mitbringt, man summt beinahe schon die vergnügliche Filmmusik mit und man wundert sich letztlich, wieso in Filmen eigentlich so viel gelabert wird. The Artist verzaubert und begeistert ohne große Worte. Das ist Unterhaltungskino wie aus den 20er-Jahren, dank sehr feiner Ironie aufbereitet für ein Publikum des neuen Jahrtausends. Und es ist letztlich auch große Kunst - ohne die Arroganz, vieler anderer großer Kunstfilme.

52 Songs #30: Versuchung

2012-01-25T11:13:00.000+01:00

Konnas verflucht clevere Aktion, die ihm für die Dauer eines Jahres massenhaft Links aus der Blogosphäre einbringt, geht in die 30. Runde. Und die handelt von etwas, in das wir nur ungerne geführt werden: Versuchung.

Und welche Versuchung lässt sich musikalisch eingängiger bearbeiten, als die, jemanden zu lieben, den man nicht lieben sollte? Es ist ein Motiv, das sich für poetische Vergleiche eignet, für Melodien, die Entschlossenheit ausdrücken und somit dem gelegentlich ins Verzweifelte ausbrechenden Gesang gegenüberstehen ...

Alice Cooper - Poison von centrum99

Und damit diejenigen, die sich 52 Songs-Beiträge durchlesen, um neue Musik kennenzulernen, und nicht um zu wissen, für welchen Rockklassiker sich der Autor entschieden hat, eine gewisse Chance haben, diese Woche glücklich zu werden, gibt's von mir noch einen Bonustrack. Versuchung muss ja nicht immer Gift für einen sein. Es gibt auch Versuchungen, die richtiggehend beißend zu sein scheinen:

Oscar 2012: Prognosenauswertung, die Nominierungen, Kommentare

2012-01-24T21:04:00.000+01:00

Eine ausführliche Betrachtung der Oscar-Nominierungen findet ihr hier, an dieser Stelle folgen hingegen nur die Fakten, meine Prognosen-Auswertung und schnelle, kurze Reaktionen zu den einzelnen Kategorien.

Bester Film
- «The Artist»
- «The Descendants - Familie und andere Angelegenheiten»
- «Extrem laut und unglaublich nah»
- «The Help»
- «Hugo Cabret»
- «Midnight in Paris»
- «Moneyball»
- «The Tree of Life»
- «Gefährten - War Horse»

Treffer: 7/9
Kommentar: Immer wieder wiegelte ich in Gesprächen und den Kommentaren hier im Blog die Möglichkeit einer Nominierung für Tree of Life ab. Ich gebe stolz zu, dass ich mich geirrt habe. Warum hätte ich ihn auch auf dem Schirm haben sollen, wo er doch einfach kein klassisches Oscar-Material ist? Auch wenn ich ihm einen Oscar-Sieg nicht wünsche (meine Filmkritik zu Malicks Magnum Opus folgt irgendwann zwischen übermorgen und dem St. Nimmerleinstag), so bin ich doch sehr froh über seine Nominierung. Extrem laut und unglaublich nah hingegen gehört für mich in die Kategorie von Der Vorleser. *Alten Hass wieder aufkommen lass*

Bester Hauptdarsteller
- Demián Bichir für «A Better Life»
- George Clooney für «The Descendants - Familie und andere Angelegenheiten»
- Jean Dujardin für «The Artist»
- Gary Oldman für «Dame, König, As, Spion»
- Brad Pitt für «Moneyball»

Treffer: 3/5
Kommentar: Mich freut's ungemein, dass Gary Oldman mir meine Prognose versaut hat. Über Bichir kann ich noch nichts sagen und ich bin mir auch im Unklaren, ob ich irgendwann Lust habe, daran was zu ändern.

Bester Nebendarsteller
- Kenneth Branagh für «My Week with Marilyn»
- Jonah Hill für «Moneyball»
- Nick Nolte für «Warrior»
- Christopher Plummer für «Beginners»
- Max von Sydow für «Extrem laut und unglaublich nah»

Treffer: 3/5
Kommentar: 5 von 5 hätte ich hier eh niemals bekommen, meine "Wer nicht wagt, der nicht gewinnt"-Prognose mit Serkis war ja eine Verzweiflungstat. Und ich hätte mich unter den ernsthaften Tipps niemals für Nolte entschieden. Passt also. Von Sydow hätte ich vorhersagen können, aber dafür war mir Brooks eine zu sichere Wahl.

Beste Hauptdarstellerin
- Glenn Close für «Albert Nobbs»
- Viola Davis für «The Help»
- Rooney Mara für «Verblendung»
- Meryl Streep für «Die eiserne Lady»
- Michelle Williams für «My Week with Marilyn»

Treffer: 4/5
Kommentar: Dass Mara drin ist, ist für mich (obwohl ich es vorhergesagt habe) eine ebenso große Überraschung, wie das Fehlen von Tilda Swinton. Mich freut's jedoch enorm für Mara. Nächster Schritt: Vollkommen unerwarteter Oscar-Sieg!

Beste Nebendarstellerin
- Bérénice Bejo für «The Artist»
- Jessica Chastain für «The Help»
- Melissa McCarthy für «Brautalarm»
- Janet McTeer für «Albert Nobbs»
- Octavia Spencer für «The Help»

Treffer: 4/5
Kommenar: Hier war ich zu sehr davon überzeugt, dass die Academy alle Klischees erfüllt. Glückwunsch an McCarthy: Für so eine verdiente wie atypische Nominierung opfere ich gerne meinen Prognosenschnitt!

Bester Animationsfilm:
- «A Cat in Paris»
- «Chico & Rita»
- «Kung Fu Panda 2»
- «Der gestiefelte Kater»
- «Rango»

Treffer: 3/5
Kommenar: Wow! Die Academy würdigt zwei europäische Independent-Zeichentrickfilme, die keinen solch großen Hype erlebten, wie L' Illusioniste letztes Jahr. Eine positive Überraschung! Und: Fuck Yeah, das seelenlose, kameratechnisch aber beachtenswerte Abenteuerchen Tim & Struppi hat es nicht geschafft! Und wer mir als nächstes sagt, dass die Academy Pixar für jeden Müll würdigt, bekommt die diesjährigen Oscarnominierungen von mir höchstpersönlich in die Schnauze gerammt. *Kopfkino*

Bestes Szenenbild:
- Laurence Bennett für «The Artist»
- Stuart Craig für «Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 2»
- Dante Ferretti für «Hugo Cabret»
- Anne Seibel für «Midnight in Paris»
- Rick Carter für «Gefährten - War Horse»

Treffer: 3/5
Kommentar: Mich freut's ungemein für Midnight in Paris, auch Gefährten gönne ich es. Dennoch hätte ich auch meine Favoriten gerne hier gesehen. *Dämliche Begrenzung auf fünf Nominierungen!*

Beste Kamera
- Guillaume Schiffman für «The Artist»
- Jeff Cronenweth für «Verblendung»
- Robert Richardson für «Hugo Cabret»
- Emmanuel Lubezki für «The Tree of Life»
- Janusz Kaminski für «Gefährten - War Horse»

Treffer: 5/5
Kommentar: Ich kenne halt meine visuellen Pappenheimer. Jetzt zwingt mich aber bitte nicht, einen eigenen und einen Oscar-Favoriten zu wählen ...

Bestes Kostümdesign
- Lisy Christl für «Anonymous»
- Mark Bridges für «The Artist»
- Sandy Powell für «Hugo Cabret»
- Michael O’Connor für «Jane Eyre»
- Adrianne Phillips für «W.E.»

Treffer: 3/5
Kommentar: Sandy Powell wird nicht gewinnen, da sie ja nur dann einen Oscar erhält, wenn Colleen Atwood ebenfalls nominiert ist.

Bester Regisseur
- Michael Hazanavicius für «The Artist»
- Alexander Payne für «The Descendants - Familie und andere Angelegenheiten»
- Martin Scorsese für «Hugo Cabret»
- Woody Allen für «Midnight in Paris»
- Terrence Malick für «The Tree of Life»

Treffer: 4/5
Kommentar: Wo kommt denn der Herr Malick plötzlich her, und wieso kann er nicht Payne statt Spielberg aus dem Rennen kegeln?

Bester Dokumentarfilm
- «Hell and Back Again»
- «If a Tree Falls: A Store of the Earth Liberation Front»
- «Paradise Lost 3: Purgatory»
- «Pina
- «Undefeated»

Treffer: 1/5
Kommentar: Ich habe schlecht geraten.

Bester Kurz-Dokumentarfilm
- «The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement»
- «God is he Bigger Elvis»
- «Incident in New Baghdad»
- «Saving Face»
- «The Tsunami and the Cherry Blossom»

Treffer: 4/5
Kommentar: Ich habe gut geraten und habe nun Lust auf einen neuen Kurzfilmtag im Blog. Dann aber bitte mit mehr Rückmeldung, denn zu hören, wie die mir zusagenden Kurzfilme bei euch ankommen, war überhaupt erst der Anlass, sowas zu machen ...

Bester Schnitt
- Ann-Sophie Bion und Michel Hazanavicius für «The Artist»
- Kevin Tent für «The Descendants - Familie und andere Angelegenheiten»
- Kirk Baxter und Angus Wall für «Verblendung»
- Thelma Schoonmaker für «Hugo Cabret»
- Christopher Tellefsen für «Moneyball»

Treffer: 3/5
Kommentar: Ich gönne Verblendung ja seine Anerkennung, aber den Schnitt hätte ich nun wahrlich nicht nominiert. Dann eher Midnight in Paris, der viel abgerundeter wirkt ...

Bester ausländischer Spielfilm
- «Bullhead» (Belgien)
- «Footnote» (Israel)
- «In Darkness» (Polen)
- «Monsieur Lazhar» (Kanada)
- «Nader und Simin - eine Trennung» (Iran)

Treffer: 3/5
Kommentar: Pina wird in der für mich "falschen" Kategorie berücksichtigt ...

Bestes Make-Up
- Martial Corneville, Lynn Johnston und Matthew W. Mungle für «Albert Nobbs»
- Nick Dudman, Amanda Knight und Lisa Tomblin für «Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 2»
- Mark Coulier und J. Roy Helland für «Die eiserne Lady»

Treffer: 2/3
Kommentar: Da habe ich The Artist ausnahmsweise überschätzt ...

Beste Filmmusik:
- John Williams für «Die Abenteuer von Tim und Struppi»
- Ludovic Bource für «The Artist»
- Howard Shore für «Hugo Cabret»
- Alberto Iglesias für «Dame, König, As, Spion»
- John Williams für «Gefährten - War Horse»

Treffer: 3/5
Kommentar: Zweimal Williams? Ich lege mich jetzt lieber nicht mit seinen Fans an, aber ich fand die Musik in Tim & Struppi zwar schmissig, aber nicht preiswürdig.

Bester Song
- „Man or Muppet“ von Bret McKenzie aus «Die Muppets»
- „Real in Rio“ von Sergio Mendes und Carlinhos Brown aus «Rio»

Treffer: 1/4 (da ich zwei Leerstellen mehr hätte erahnen sollen)
Kommentar: Needs more Muppet!

Bester animierte Kurzfilm
- «Dimanche/Sunday»
- «The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore»
- «La Luna» (Pixar!)
- «A Morning Stroll»
- «Wild Life»

Treffer: 3/5
Kommentar: Ein bisschen Pixar muss halt sein! :-)

Bester Kurzfilm
- «Pentecost»
- «Raju»
- «The Shore»
- «Time Freak»
- «Tuba Atlantic»

Treffer: 1/5
Kommentar: Gehen Sie weiter, hier gibt es nichts zu sehen ...

Bester Tonschnitt
- Lon Bender und Victor Ray Ennis für «Drive»
- Ren Klyce für «Verblendung»
- Philip Stockton und Eugene Gearty für «Hugo Cabret»
- Ethan Van der Ryn und Erik Aadahl für «Transformers 3»
- Richard Hymns und Gary Rydstrom für «Gefährten - War Horse»

Treffer: 2/5
Kommentar: Ich wünsch's Verblendung.

Bester Ton
- David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce und Bo Persson für «Verblendung»
- Tom Fleischmann und John Midgley für «Hugo Cabret»
- Deb Adair, Ron Bocar, Dave Giammarco und Ed Novick für «Moneyball»
- Greg P. Russel, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush und Peter J. Devlin für «Transformers 3»
- Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson und Stuart Wilson für «Gefährten - War Horse»

Treffer: 3/5
Kommentar: Dito.

Beste visuelle Effekte
- Tim Burke, David Vickery, Greg Butler und John Richardson für «Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 2»
- Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman und Alex Henning für «Hugo Cabret»
- Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor und Swen Hillberg für «Real Steel»
- Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White und Daniel Barrett für «Planet der Affen - Prevolution»
- Scott Farrar, Scott BRenza, Matthew Butler und John Frazier für «Transformers 3»

Treffer: 3/5
Kommentar: Real Steel? Echt jetzt?

Bestes adaptiertes Drehbuch
- Alexander Payne, Nat Faxon und Jim Rash für «The Descendants - Familie und andere Angelegenheiten»
- John Logan für «Hugo Cabret»
- George Clooney, Grant Heslov und Beau Willimon für «The Ides of March – Tage des Verrats»
- Steven Zaillian und Aaron Sorkin für «Moneyball»
- Bridget O’Connor und Peter Straughan für «Dame, König, As, Spion»

Treffer: 4/5
Kommentar: Dass The Help fehlt, überrascht mich. Ides of March ist nun auch nicht so schlecht, wie ich ihn manchmal wirken lasse, dennoch bin ich mir unschlüssig, ob ich ihn in dieser Kategorie dulden mag.

Bestes Original-Drehbuch
- Michael Hazanavicius für «The Artist»
- Annie Mumolo und Kristen Wiig für «Brautalarm»
- J. C. Chandor für «Der große Crash»
- Woody Allen für «Midnight in Paris»
- Asghar Farhadi für «Nader und Simin - eine Trennung»

Treffer: 3/5
Kommentar: Ich hätte es echt niemals gedacht, dass Brautalarm nominiert wird, nachdem schon Hangover an dieser Hürde scheiterte. Wow ...

Insgesamt: 75/119

Naja, eher so im dunkelgrünen Bereich. Besonders bedauerlich ist die eiskalte Schulter, die Super 8 erhielt, und ich hätte mich natürlich für ein paar Nennungen der verfluchten Karibik-Piraten gefreut. Aber da war ja eigentlich eh nicht viel zu erwarten.

Disaster Movie

2012-01-24T10:22:00.000+01:00

Irgendwo da draußen sind Menschen, die dafür sorgen, dass die Filme des dilettantischen Regie- und Autorenduos Aaron Seltzer/Jason Friedberg Profit abwerfen. Ob Date Movie, Fantastic Movie oder Meine Frau, die Spartaner und ich sowie Beilight - Bis(s) zum Abendbrot; so viel das Genre der Filmparodie in Verruf bringender Schrott, und doch so viel finanzielle Einträglichkeit.

Zwischenzeitlich bestand jedoch ein kurzes Fenster, in dem Hoffnung für den Verstand der westlichen Zivilisation aufkeimte. Im Jahre 2008 bekamen diese humorbefreiten Spinner endlich eine Reaktion auf ihre qualitativ unterirdischen Machwerke zu spüren. Eine ihrer filmischen Katastrophen ging an den Kinokassen verdientermaßen baden: Disaster Movie. Seiner Free-TV-Premiere sei Dank konnte ich mich nun selbst davon überzeugen, ob diese "Parodie" solcher Filme wie Nachts im Museum, Indiana Jones und das Königreich der Kristallschädel sowie Beowulf (die allesamt den Titel "Katastrophenfilm" bestenfalls aus qualitativer Sicht verdient haben, und das ist auch nur davon abhängig, wen man fragt und selbst dann nur, so lange man solchen Müll wie die Seltzer/Friedberg-Fließbandproduktionen nicht zum Vergleich heranzieht) ihre Alleinstellung verdient hat.

Streng genommen sollte ja jeder Film von Seltzer/Friedberg floppen. Sofern die Strippenzieher des cineastischen Schicksals jedoch darauf bestehen, nur einen dieser verfilmten Schrotthaufen für seine Faulheit zu bestrafen, so hat es Disaster Movie tatsächlich am meisten verdient. Date Movie war eine Qual, Fantastic Movie hatte tatsächlich ein paar vereinzelte, halbwegs hinnehmbare Einfälle (was all den Witzmüll aber nicht wieder wett macht), Meine Frau, die Spartaner ist eine Beleidigung an den Intellekt der Kinogänger und Beilight hat wirklich aus den gröbsten Fehlern der vorhergegangenen Filme gelernt (war aber trotzdem weit unterdurchschnittlich). Doch Disaster Movie ... Selbst an den ultra niedrigen Standards von Seltzer/Friedberg gemessen ist Disaster Movie erschreckend grauenhaft.

Die "Story", wenn man überhaupt davon sprechen kann, handelt von Will, der am 29. August seinen Geburtstag feiert und davon geträumt hat, dass ihm eine säbelzähnige Amy Winehouse für dieses Datum den Weltuntergang vorhersagt. Ein gilber Kristallschädel soll mit diesen Ereignissen in Verbindung stehen ...

Will erzählt seiner Freundin davon, die ihm jedoch nicht glaubt und Schluss macht. Davon unbeirrt feiert Will zu seinem 25. Wiegenfest seinen 16. Geburtstag nach. Während der Geburtstagsfeier erschüttert ein Erdbeben die Stadt. Zusammen mit seinen engsten Freunden macht er sich also auf, die Stadt zu verlassen, um sich in Sicherheit zu bringen. Als er erfährt, dass seine (Ex-)Freundin in einem Museum eingeschlossen ist, ändert er seine Pläne, und macht sich auf den gefährlichen Weg, sie zu retten. Dabei rennen er und seine Freunde von einer miesen Filmparodie zur nächsten ...

Disaster Movie basiert zu gefühlt 89% seiner Laufzeit auf einem einzigen "Witz", der bis zum Hirntod wiederholt, in die Länge gezogen und wiederholt wird. Eine der Hauptfiguren blickt neben sich, sieht eine Flitzpiepe in einem billigen Filmfigurenfigur und sagt: "Oh, hey, Name der Filmfigur!" Manchmal bringt die Faulheit von Seltzer und Friedberg, oder vielleicht doch eher ihre Vermutung, wie blöd das Publikum ihres Films sei, etwas Variation hinein, und eine Filmfigur wird mit den Worten "Oh, hey, Typ/Mädel aus Name des Films, aus dem diese Figur stammt!" begrüßt.

Ja, so hirnrissig ist diese "Filmparodie". Die Hauptfigur rennt in einen Typen mit einem schäbigen Pandakostüm und grüßt ihn: "Oh, hey, Kung Fu Panda!" Wer also wissen möchte, wie es sich anfühlt, auf dem unterirdischen intellektuellen Niveau zu sein, in dem man rein deskriptive Gedanken fassen kann ... Disaster Movie hat für euch die Antwort bereit.

In den meisten Szenen wird ja nicht einmal etwas mit den billigen Parodien von Figuren anderer Filme etwas angefangen. McLovin aus Superbad steht hinter der Bar auf Wills Super Duper Sweet Sixteen-Party (ihr müsst jetzt lachen, Seltzer/Friedberg haben dem Super Sweet Sixteen ein Wort hinzugefügt! Hahahahaha!) und sagt seinem Freund (einem miesen Jonah-Hill-Double): "Ich bin McLovin!". Dann gehen sie wieder. Iron Man, Hulk und Hellboy tauchen auf, um sich den Naturkatastrophen zu stellen, sagen ihren Namen auf (damit auch jeder Depp weiß, wer gemeint ist ... was Schwachsinn ist, denn wenn ich Hellboy nicht kenne, dann lache ich auch nicht über seine Parodie, sobald ich ihr einen Namen zuordnen kann!), bekommen eine Pappkuh entgegengeschleudert ... und das war's.

Seltzer/Friedberg scheinen mir zwei Spaten zu sein, die liebend gerne Musikvideos drehen würden, aber zu unysmpatisch und dilettantisch sind, um jemals mit einem Musiker mit einem Funken Selbstrespekt einen Deal abzuschließen. Denn wenn in Disaster Movie nicht einfach nur eine zehntklassige Kopie einer Filmfigur aufkreuzt, um beim Namen genannt zu werden, dann wird gesungen. Schlecht arrangiert, orchestriert, choreographiert und getextet. Aber es wird gesungen. Viel zu lang und ohne jede Pointe. Wills Geburtstagsfeier wird unnötig in die Länge gezogen, indem Jungs und Mädels in High School Musical-Outfits aufkreuzen, und dann erstmal darüber singen, dass sie Freunde sind (soll das die überzogene Heile-Welt-Mentalität der Disney-Channel-Filme persiflieren? Wenn ja, wo bleibt die satirische Spitze?), dann liefern Seltzer/Friedberg in Musikform noch überflüssige Charakterexposition ab (!!!!), dann taucht der weltschlechteste Justin-Timberlake-Impersonator auf sowie eine untalentierte Kopie von Jessica Simpson. Der Schluss des Films ist wiederum eine minutenlange Vergewaltigung von Jimmy Kimmels und Sarah Silvermans urkomischen I'm fucking Matt Damon. Die alles vergisst, was am Original eigentlich komisch war.

Es gibt Besoffene, die sich mit zugeknalltem Kopf mehr Mühe machen, die ideale Pinkelstelle zu finden, als Seltzer/Friedberg bei Disaster Movie. Es gibt kaum Gags, das meiste ist nur das sinnbildliche Abhaken einer Liste sämtlicher Filme, die dieses Schreckensduo nach Drehschluss gerne sehen will. "Angesprochen? Jepp!" Und ja, die meisten "parodierten" Filme haben die zwei tatsächlich nicht gesehen, da sie erst nach Disaster Movie rauskamen - oder während der Postproduktion (die so lang nicht gewesen sein kann). Was erklärt, weshalb viele Parodien auch noch ihre Vorlage nichtmal so richtig verstanden haben.

Im ganzen Film gibt es einen halbwegs guten Gag. Einen einzigen! Im Radio ist davon die Rede, wie Meteore ganze Stadtteile zerstören. Den Partygängern ist dies schnuppe. Dann heißt es, dass ein Starbucks zerstört wurde. Panik bricht aus. Ein sehr flacher Witz, aber er persifliert wenigstens etwas, nämlich die Kaffeegeilheit unserer Gesellschaft. Ich als Kaffeehasser konnte darüber schmunzeln. Der Rest des Films glich dagegen dem Zugucken trocknender Farbe. Mit gelegentlicher Holzhammer-Lobotomie.

Siehe auch:

Die Muppets

2012-01-23T12:12:00.000+01:00

"Die Muppets finden durch eine Gruppe treuer Fans zu ihren Ursprüngen zurück." Damit lässt sich die Story des neuen Muppet-Kinofilms ebenso zusammenfassen, wie die Produktionsgeschichte. Aber gut, holen wir mal etwas ausführlicher aus:

Die ungleichen Brüder Gary und Walter wachsen in der beschaulichen Stadt Smalltown auf, irgendwo mitten in den USA. Der (puppenhafte) Walter wird aufgrund seiner kleinen Statur häufig gehänselt, findet aber stets Rückhalt bei seinem warmherzigen (menschlichen) Bruder, sowie im gutmütigen, durchgeknallten Humor der Muppets. Auch lange, nachdem die Muppets ihren Zenit überschritten haben, sind Gary und Walter riesige Muppet-Fans. Walters Lebenstraum ist es, einmal die Muppet-Studios zu besuchen und der verrückte Truppe in persona zu begegnen. Gary, die treue Seele, lädt Walter deshalb auch mit nach Los Angeles ein, wo er zur Feier des zehnjährigen Jubiläums seiner Beziehung mit der Grundschullehrerin Mary hinfährt. Diese wünscht sich zwar, Gary würde sich endlich von seinem kindlichen Bruder emanzipieren, schluckt ihren Ärger aber (bemüht verständnisvoll) herunter. In Los Angeles angekommen muss Walter dann der Wahrheit ins Gesicht sehen: Die Muppet-Studios sind zerfallen, die Truppe getrennt, und die schäbigen, einen Schatten der alten Glanzzeit darstellenden Studios stehen zum Verkauf. Noch dazu an einen raffgierigen Ölbaron, der diese muppethistorische Stätte dem Erdboden gleichmachen will. Um das Studio zu retten, müssten die Muppets wieder zusammenfinden und eine Show auf die Beine stellen ... Jetzt liegt es an Walter, die Muppets zusammenzutrommeln und für ein Comeback zu motivieren. In einer Zeit, in der nur noch zynischer, weltverdrossener Humor und das Publikum verblödende Haudrauf-Unterhaltung zieht ...

Merkt man, dass nicht ein Standard-Muppetautor das Drehbuch zu Die Muppets geschrieben hat, sondern zwei gewaltige Muppet-Fans, die ihre Idole wieder auf der großen Leinwand sehen wollen? Die Muppets ist im Grunde ein glorifiziertes, offiziell abgesegnetes Fanfic. In meiner Zusammenfassung scheint der "Bitte, bitte, nehmt die Muppets wieder wahr!"-Ansatz zugegebenermaßen zu stark durch, der Film bettelt weniger um Aufmerksamkeit (oder schimpft das Publikum für seine Muppetverdrossenheit aus), als dass er eigentlich recht ehrlich mit der Lage der Muppets umgeht. Neben dieser ungewohnt ehrlichen Reflektion dessen, dass die Muppets eigentlich längst aus der Mode sind, flossen auch ein paar Seitenhiebe auf Disney ein. In mehreren Presseinterviews erzählte Jason Segel, dass er während der Zusammenarbeit mit den Jim Henson Studios (die im Rahmen von Nie wieder Sex mit der Ex stattfand), dass er gerne die Muppets sehen würde. Und als ihm erklärt wurde, dass sowohl die Rechte an den Muppets, als auch die tatsächlichen Puppen bei Disney liegen, habe er diese traurige Vorstellung der verlassenen Muppet-Heimat vor Augen gehabt.

Man merkt dem Film immer wieder an, wie Segel zunächst von Disneys Übernahme der Muppets dachte. Die Heimat der Muppets ist verlassen und vergammelt. Ein raffgieriger Konzernbonzen will die Rechte an den Muppets an sich reißen und auf ihrem Vermächtnis herumtrampeln. Neeeein, das hat nichts mit Disney zu tun ...

Tja, und dann ist Die Muppets zu guter letzt auch Jason Segels selbst erfüllter Wunsch, einfach mal eine Episode der Muppet Show zu schreiben. Das bedeutet natürlich, dass der Plot des Films ungeheuerlich simpel ist. Mehr noch, als der anderer Muppet-Filme. Und gewisse Parallelen zu It's a Very Merry Muppet Christmas Movie sind auch nicht zu leugnen. Um ehrlich zu sein: Mir ist das völlig schnuppe. Soll der eigentliche Plot doch so dünn sein, wie ein Blatt Papier. Er wird sehr ansprechend umgesetzt und mit einigen gut ausgearbeiteten Zwischentönen versetzt. Zudem: Wir alle wollten die Muppets wohl endlich mal wieder als sie selbst erleben, statt als wandelnde Weihnachts-Grußkarte oder ungewöhnliche Darsteller in einer Literaturverfilmung. Die Muppets haben sich in ihrer eigentlichen Form schon kennengelernt, ein Broadwaymusical auf die Bühne gebracht und einen Diamantenraub aufgeklärt - dann lasst sie doch im Kino endlich mal eine Fernsehshow machen. Sofern es bei diesem einen Mal bleibt, gehe ich damit völlig d'accord!

Kommen wir nun aber zur eigentlichen Filmkritk. Ihr konntet ja bereits andernorts nachlesen, dass mir der Film sehr gefiel. Um euch hier im Blog etwas mehr bieten zu können, als einen bloßen Hinweis auf diese Kritik, wollte ich mit meiner "Bonuskritik" an dieser Stelle warten, bis ich den Film nochmal "privat" und mit einem Freund sehen konnte. Um vor diesem Hintergrund neu über den Film berichten zu können und vielleicht auch ein paar persönliche, höchst subjektive Lieblingsstellen aufzuzeigen. Und um den Artikel nicht noch weiter in die Länge zu ziehen und uns allen Zeit zu sparen, mache ich das stichwortartig! *Muppet-mäßiger Metagag, hey!*

Das Disney-Feeling
Okay, für manche andere ist es sicher auch ein nostalgisches, Herzen erwärmendes Muppet-Kinofilm-Feeling. Aber da mich die Musik aus den Non-Disney-Muppet-Filmen niemals so richtig packte, sondern bestenfalls amüsierte, nenne ich es an dieser Stelle halt Disney-Feeling. Was so falsch auch nicht ist, denn allen Seitenhieben zum Trotz ist Die Muppets auch ganz klar ein Disney-Streifen. Die Hauptstraße von Smalltown sieht aus wie die Main Street U.S.A. (nur mit maroderem Asphalt *g*), es gibt einen gigantischen "Hidden Mickey", und die ganze Botschaft von Freundschaft und Lebensoptimismus ist halt nicht nur etwas, das aus den klassischen Muppetfilmen entsprungen sein könnte, sondern sich auch ideal in die Disney-Filmgeschichte fügt.

Ein wohliger Schauer erfüllte mich ja im letzten Abschnitt der ersten Musicaleinlage Life's a Happy Song: Dutzende von Tänzern, ein sonniger Schauplatz, eine lebensfrohe Melodie, der kleine Muppet Walter wird keck lächelnd auf einem Koffer ins Bild gefahren und das Orchester schwillt nochmal richtig an. Das versprüht die Stimmung der tollen, früheren Disney-Realfilmmusicals wie Mary Poppins (oder auch früherer Judy-Garland- und Mickey-Rooney-Filme, aber das vermiest mir wieder die Unterüberschrift). Aber auch später im Film kommt immer wieder dieses glückselige, unbesorgte Gefühl auf, einen Film zu sehen, der sein Publikum einfach nur beglücken will. Klasse.

Amy Adams und Jason Segel
Wirklich gefordert werden die beiden wahrlich nicht in diesem Film, das stimmt. Da hatten Tim Curry (Muppets - Die Schatzinsel) und Michael Caine (Die Muppets-Weihnachtsgeschichte) neben den Muppets mehr Gelegenheit, sich zu beweisen. Auch hätte ich mir gewünscht, dass die Zerrissenheit von Jason Segels Gary, zwischen unbekümmerter, ewiger Jugend in einer Welt des Muppet- und Disney-Kitsch, und einer "echten" Beziehung mit Mary besser ausgelotet wird. Der Konflikt wird immer wieder angedeutet, ich habe ihn lieber halbgar im Film drin, als komplett draußen (da er der Geschichte etwas Erdung gibt sowie die Chance für eine tolle Gesangseinlage), dennoch wünsche ich mir mit Blick auf dessen, was Pixar vermagt, irgendwie mehr Tiefe. Wenn Jason Segel aber dazu kommt, seine Rolle richtig auszuspielen, macht er das sehr charmant und nachfühlbar. Zugleich ist er aber in einigen gemeinsamen Szenen mit den Muppets sowie in vielen Momenten des bereits genannten Life's a Happy Song wirklich denkbar kurz davor, in einen Freudentaumel auszubrechen, tatsächlich mit den Muppets drehen zu dürfen. "Gutes Schauspiel" ist das nun nicht, jedoch spielt er ja zum Glück einen Muppet-Fan (womit man sich sein kindliches Grinsen auch werkimmanent erklären kann) - und Segel ist mir auch enorm sympathisch, weshalb ich darüber hinwegsehen kann. Wer Segel (weshalb auch immer) nicht leiden kann, könnte sich aber ab und zu an ihm stoßen, befürchte ich.

Amy Adams hat darstellerisch noch weniger zu tun, ist allerdings genauso grundsympathisch und kann im Gegensatz zu Jason Segel ihre wahre Freude über ihre Rolle insofern verbergen, als dass sie nie davor ist, die Illusion zu brechen. Zugleich spürt man aber natürlich auch ihr an, wie sehr sie die Arbeit an diesem Film genießt. Und diese Spielfreude ist sehr viel wert - eigentlich ist Mary keine nennenswerte Figur. Sie hält Gary etwas auf dem Boden der Tatsachen, ist jedoch keine "Antagonistin" und somit öfter Mittel zum Zweck. Doch sie ist sooo sympathisch, und Adams kann hervorragend singen und tanzen. Segel und Adams sind somit die Multiplikatoren der Filmwirkung: Die Muppets machen einen in diesem Streifen wieder richtig glücklich, und die Dynamik dieser beiden verstärkt alles nochmal.

Der Humor
Die Muppets wurden nicht weichgespült. Es gibt versteckte Zweideutigkeiten, eine kurze Drogenanspielung und humoresque Gewalt. Wie in guten, alten Zeiten, als die Muppet-Macher Janice von ihrer Einstellung zu Nacktfotos erzählen ließ und Sketche, die keinen Schlusspunkt finden wollen, damit beendet haben, alle darin vorkommenden Muppets in die Luft zu jagen. Die Muppets werden in diesem Film allerdings auch nicht verdorben. Manche der jüngeren Muppet-Werke jagten Fans der ersten Stunde ja richtige Schrecken ein, hier hingegen zeigen sie wieder ihren grundauf positiven Humor. Sie sind albern, durchgeknallt, bescheuert ... und niemals böswillig. Es gibt saudämliche Wortwitze, cleveren Meta-Humor und sowohl Dinge, wo man denkt "Nee, das machen die jetzt doch nicht?!", als auch wirklich fantasievolle Einlagen. Mir ganz persönlich fehlte nur eine würdige Repräsentation der surrealen Seite der Muppet Show. Es fanden zwei skurrile Gesangsnummern den Weg in den Film, in denen die Muppets auf ihre eigene Art Chartmusik coverten, was eigentlich auch vollauf amüsant ist. Nur hätte es für mich noch eine dieser künstlerisch-abgehobenen Stücke geben dürfen. Naja, vielleicht an anderes Mal.

Dennoch: Franz Oz äußerte sich ja negativ über den Eindruck, den ihm das Marketing vermittelte. Die Muppets hätten ihr Niveau verloren. Nein. Sie fanden es wieder!

Die Muppets
Die Muppets sind eine so große Gruppe an Figuren, dass es nahezu unmöglich ist, jeden Muppet-Fan bezüglich der Aufmerksamkeit, die einzelnen Persönlichkeiten zu Teil kommt, vollauf zufriedenstellen kann. Dieser Film stellt zum Beispiel Gonzo wieder etwas weiter zurück. Da er in den letzten drei Kinofilmen eine sehr prominente Rolle hatte, ist das vollkommen verständlich, ja, fast sogar fair. Richtig glücklich bin ich auch, dass Miss Piggy nicht überreizt wird. Natürlich hat sie ihre große Szenen, ihr kommt mehr Aufmerksamkeit zu Teil als Gonzo oder auch Fozzie, ihre vielen Fans werden also sicherlich nicht zu kurz kommen. Jedoch kann Piggy schnell auch übermächtig werden, und ich selbst war nie ein großer Anhänger von ihr, so dass es mich stets doppelt nervte, wenn ihr Diva-Gehabe, das ständige Rumbaggern und das Verprügeln von Co-Stars völlig aus dem Ruder lief. Der große Muppet-Krimi etwa leidet in meinen Augen sehr unter dem Rumgenöle Piggys. In Die Muppets dagegen wird sie genau richtig eingesetzt.

Schade finde ich hingegen, dass Honigtau Bunsenbrenner und Beaker nicht in ihrem wissenschaftlich-chaotischen Element gezeigt wurden. Und auch Rolf, der mit in diesem Film wohl endgültig wieder in der ersten Reihe der Muppet-Riege zurückkehrt, hätte gerne noch mehr von sich zeigen dürfen. Der Muppet-Fernsehmarathon im Film scheint fast nur aus Gesang zu bestehen - ein Tierklinik-Sketch hätte da noch sehr gerne mit hineingedurft. Vielleicht hätte man so auch Walters Rolle noch etwas weiter aufbauen können, etwa, indem ihm eine Rolle im Sketch angeboten wird, und er ablehnt oder in letzter Sekunde etwas umorganisiert werden muss.
Ich finde auch, dass Dr. Goldzahn und die Band noch ihren Musikstil mehr hätten ausleben sollen. Dafür stört es mich nicht so sehr, dass Statler und Waldorf so wenig vorkamen. Sie hatten in den Muppet-Filmen nie viel zu tun, und (ohne nachgemessen zu haben) mir scheint, dass sie in diesem mehr kommentieren, als je zuvor in den Kinofilmen. Das reicht mir schon. Dafür fand jeder andere, mit dem ich Die Muppets sah, den Mangel an den Meckeropas bedauerlich ...

Sonstige Gedanken
Als ich Die Muppets das erste Mal sah, fand ich die Wiedereinführung Rolfs, trotz ihrer humorigen Note, richtig rührend. Ich glaub, ich war sogar ganz kur davor, ein kleines Tränchen zu verdrücken. Jim Hensons liebster Muppet, der mangels eines hinnehmbaren Ersatz für Henson nach seinem Tod an den Rand gedrängt wurde, findet nun wieder im Kern der Muppet-Gruppe Platz. Und er hat all die Zeit über nur geruht ... Fast schon poetisch. Gleichzeitig ist es aber auch enorm witzig, wie Rolf seine Zeit ohne die Muppets verbracht hat, und das kam beim zweiten Mal besser rüber. Die Stimmung im Saal war viel lockerer, es wurde viel lauter über kleinere Gags gelacht, und *zack* war diese Stelle einfach nur urkomisch.
Das nervigste am Film war übrigens das digital eingefügte Cars 2-Poster, das in gleich zwei Szenen dämlich grinsend über das Geschehen wacht. Und da stimmt übrigens mein Kumpel mit mir überein, der Cars 2 nicht gesehen hat, also muss es nicht allein an meinem Hass für Pixars Kreativflop liegen. Wenn in vierzig Jahren nur noch Pixar-Fans von diesem Film wissen, und Die Muppets ein Musical- und Familienklassiker ist, wird man sich wegen dieser Crosspromotion noch in den Allerwertesten beißen.

Weiterführende Artikel:

Oscar 2012: Meine vollständige Prognose der Nominierungen

2012-01-23T05:00:00.001+01:00

Morgen ist es wieder so weit: Die Nominierungen für den Academy Award werden bekannt gegeben. Viele, wie ich finde spannende, Fragen werden dann endlich beantwortet: Schafft es Pixar mit seinem mit Abstand schlechtesten Film nominiert zu werden? Werden die Muppets bei den Oscars berücksichtigt? Wieviele Oscar-Nominierungen erhält The Artist? Und wieviele Filme werden überhaupt als "Bester Film" nominiert?

Bevor es bald die endgültigen Antworten gibt, möchte ich meine Spekulationen loswerden. Damit ich sie morgen wieder vergessen kann. Oder mich feiern lasse. Je nachdem ...

Bester Animationsfilm:

Rango
Die Abenteuer von Tim und Struppi: Das Geheimnis der Einhorn
Arthur Weihnachtsmann
Kung Fu Panda 2
Der gestiefelte Kater

Seit meiner letzten Prognose in dieser Kategorie habe ich erneut meine Meinung geändert und Winnie Puuh rausgeschmissen. Schweren Herzens, fand ich ihn doch berückend charmant. Aber mit den ebenfalls sehr warm aufgenommenen und zudem etwas breitere Aufmerksamkeit erlangenden Filmen Rango, Tim & Struppi, Arthur Weihnachtsmann, Kung Fu Panda 2 und Der gestiefelte Kater ist die Konkurrenz zu groß. Eigentlich mutmaßte ich ja, dass es keine zwei DreamWorks-Produktionen zu einer Nominierung schaffen werden, doch ich sah mich einfach gezwungen Winnie Puuh rauszunehmen. Zumal ich bisher völlig vergaß die Annie-Nominierungen zu berücksichtigen. Und da glänzt der dumme, alte Bär mit Abwesenheit in der Hauptkategorie ...

Beste Spezialeffekte:

Captain America: The First Avenger
Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 2
Hugo Cabret
Pirates of the Caribbean: Fremde Gezeiten
Planet der Affen - Prevolution

Anfang des Monats veröffentlichte die Academy eine Liste von zehn Filmen, aus denen letztlich die fünf Nominierungen für die Effektekategorie gewählt werden. Wenige Tage später gab die Visual Effects Society die Nominierungen für ihre alljährliche Ehrung der besten Spezialeffekte bekannt, und von den zehn möglichen Oscar-nominierten Filmen wurden sechs in den beiden Hauptkategorien "Beste Effekte in einem effektgeladenen Kinofilm" und "Beste unterstützende Effekte in einem Kinofilm" mit einer Nennung bedacht: Captain America, Harry Potter 7.2., Hugo Cabret, Fremde Gezeiten, Planet der Affen - Prevolution und Transformers 3. Da liegt der Verdacht nahe, dass einer dieser sechs Filme rausfällt und der Rest dann die Oscar-Nominierungen darstellt. Transformers 2 wurde damals nicht für den Oscar nominiert, und Transformers 3 wurde bislang für unerwartet wenig andere Indikatorpreise nominiert. Also wage ich mich etwas aus meinem Fenster und tippe darauf, dass sich der mit Neuerungen (nach oben fließendes Wasser, Meerjungfrauen) aufwartende vierte Piraten-Film gegen Transformers 3 durchsetzt, der ja im Grunde nur mehr vom alten bietet. Zudem scheint man bei der Academy generell eher eine schwache Ader für PotC als für Transformers zu haben. Ein riskanter Tipp von mir, aber ich würde mich mehr ärgern, wenn ich Fremde Gezeiten nicht vorhergesagt habe (er aber nominiert wird), als wenn ich meine Statistik wegen einer falschen Nennung von Transformers 3 versaubeutle.

Bestes Make-up:

Albert Nobbs
The Artist
Die eiserne Lady

Hier bleibe ich stur bei meiner letzten Prognose.

Beste Kostüme:

Hugo Cabret
Jane Eyre
My Week With Marilyn
The Artist
The Help

Am liebsten würde ich hier noch auf Captain America setzen, die comichafte Version der 40er ist wirklich atemberaubend und Anna B. Shephard ist eine zweifach Oscar-nominierte Kostümschneiderin, die sicher noch weitere Nominierungen sammeln wird ... Aber ich habe "Angst" auch nur irgendeinen der oben genannten Filme rauszukicken.

Bestes Szenenbild:

Hugo Cabret
The Artist
Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 2
The Help
Captain America: The First Avenger

Es schmerzt mich sehr, Pirates of the Caribbean - Fremde Gezeiten nicht in meine Liste aufzunehmen. John Myhre wurde bereits zweimal mit einem Oscar ausgezeichnet, beide Male für seine Zusammenarbeit mit Rob Marshall, und auch für Nine wurde er nominiert. Fremde Gezeiten hat auch einige sehr imposante Sets zu bieten, etwa den Palast des Königs und Blackbeards Kajüte. Doch Disney hat sich dieses Jahr wenig Mühe in der Kampagnenphase gemacht, und es können nunmal nicht alle für die Gewerkschaftspreise nominierten Filme ins Oscar-Rennen drängeln ...

Beste Kamera:

Gefährten
The Artist
Tree of Life
Hugo Cabret
Verblendung

Das sieht sicher so aus, als würde ich von den Oscar-Experten abschreiben. Aber es hat schon seinen Grund, dass nahezu alle mit einem Hauch von Ahnung auf diesen Fünferpack setzen. Alle fünf Filme sind visuelle Glanzleistungen und auf ihre eigene Art herausragend. Dass hinter den meisten von ihnen zudem ein alteingesessener, hoch angesehener Kameramann sitzt, hilft natürlich auch ...

Bester Schnitt:

Moneyball
Hugo Cabret
Gefährten
The Artist
Midnight in Paris

Der Schnitt ist eine der von den meisten Kinogängern am sträflichsten übersehene Leistungen, und eigentlich kann man diese Kategorie von allen technischen am ehesten noch zusammen mit Regie, Drehbuch und Darstellung zu den Hauptkategorien zählen. Denn hier mischen sich Action und Thrill mit den "Bester Film"-Kandidaten. Midnight in Paris könnte also jederzeit gegen Verblendung oder The Descendants eingetauscht werden. Aber da ich mich zwischen diesen drei Filmen eh nicht entscheiden konnte, vertraue ich einfach blauäugig darauf, dass der poetische Rhythmus von Midnight in Paris entlohnt wird ...

Bester Ton:

Super 8
Pirates of the Caribbean - Fremde Gezeiten
Gefährten
Hugo Cabret
Moneyball

Bis auf Gefährten sind die oben genannten Filme für die Auszeichnung der Cinema Audio Society nominiert, und Gefährten scheint mir audiovisuell zu imposant, als dass er völlig übergangen werden könnte. Beim CAS Award wird dieses Jahr übrigens Fremde Gezeiten-Regisseur Rob Marshall mit einem Ehrenpreis gewürdigt. Das steigert mein Vertrauen in eine Oscar-Nominierung für Fremde Gezeiten, den ich aufgrund der Rezeption eigentlich nur noch bedingt auf meiner Rechnung hatte.

SoundWorks Collection: The Sound of The Muppets from Michael Coleman on Vimeo.

Bester Tonschnitt:

Verblendung
Planet der Affen - Prevolution
Super 8
Hugo Cabret
Die Muppets

Die Gewerkschaftspreise der Toncutter sind wesentlich unübersichtlicher und umfassender als die für die Tonmischer, was eine Vorhersage deutlich erschwert. Im Grunde kann man sagen: Action und Musicals, das zieht in dieser Kategorie. Gerne werden auch mal Trickfilme nominiert, da ja die komplette akustische Umgebung erschaffen werden muss. Dieses Jahr wette ich auf eine Nominierung von Die Muppets, denn dieser Film erfüllt nicht nur die Musical-Sparte, sondern ist eine wahre tontechnische Herausforderung: Jedes Geräuschfitzelchen der Muppet-Spieler muss weggefiltert werden (von der Stimme abgesehen), zugleich muss man die Schritte der Muppets künstlich einfügen. Und das alles dann noch mit Musik, Geräuschkulisse und Dialog abstimmen. Verblendung muss ebenfalls einfach in einer Ton-Kategorie nominiert werden!

Bestes Original-Drehbuch:

Midnight in Paris
Young Adult
The Artist
Der große Crash - Margin Call
50/50

Seit meiner letzten Prognose konnte ich Young Adult sehen (Kritik folgt zum Kinostart, weil ... muss so), was meine Zweifel an einer Nominierung in Luft auflöste. Dafür habe ich 50/50 an Stelle von Win Win genommen, weil ersterer, so wie es mir scheint, etwas mehr Hype um sich versammeln konnte.

Bestes adaptiertes Drehbuch:

Moneyball
The Descandents
The Help
Hugo Cabret
Dame, König, As Spion

Die ersten vier scheinen mir selbstredend, schwer ist es, sich für den letzten Eintrag zu entscheiden. Ides of March? Dame, König, As, Spion? Verblendung? Nach den BAFTA-Nominierungen bin ich in einer Spion-Laune ...

Bester fremdsprachiger Film:

Pina
Nader und Simin – Eine Trennung
In Darkness
Footnote
Omar Killed Me

Neun Filme sind im Rennen, fünf werden nominiert. Genug Raum, um sehr gut zu raten, oder sich völlig zu blamieren ...

Beste Dokumentation:

Project Nim
Bill Cunningham New York
Semper Fi: Always Faithful
Undefeated
The Loving Story

Ich gebe zu: Ich rate ...

Bester animierter Kurzfilm:

La Luna
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
Wild Life
Luminaris
Specky Four-Eyes

Von Pixars La Luna abgesehen kann ich nur raten, was bei der Academy Chancen hat ...

Bester Kurzfilm:

Je Pourrais Être Votre Grand-Mère (I Could Be Your Grandmother)
Love at First Sight
The Road Home
Sailcloth
Time Freak

Euer Tipp ist so gut wie meiner ...

Beste Kurz-Dokumentation:

Incident in New Baghdad
Pipe Dreams
The Barber of Birmingham
The Tsunami and the Cherry Blossom
God is the Bigger Elvis

Es gibt nur acht mögliche Nominierungen, also kann man ja schonmal nicht total daneben liegen. Nur peinlich daneben!

Beste Nebendarstellerin:

Jessica Chastain - The Help
Berenice Bejo - The Artist
Octavia Spencer - The Help
Shailene Woodley- The Descendants
Janet McTeer - Albert Nobbs

Immer wieder taucht, auch auf seriösen Oscar-Blogs, Melissa McCarthy für Brautalarm auf, was für mich jedoch zu den größten Überraschungen gehören würde, sollte dies tatsächlich passieren. Eine dicke, sexhungrige Dame, die mit Delfinen kommuniziert, in ein Waschbecken kackt und haarigen Kerlen ein Sandwich vom nicht ganz durchtrainierten Bauch mampft - das schreit nicht gerade "Oscar". So witzig und (was so niedergeschrieben kaum zu glauben ist) "würdevoll" McCarthy dies auch gelang. Sie hat in Brautalarm keine verschachtelte Rolle a la Downey junior in Tropic Thunder, und wenn man als Komikerin nichtmal beim Globe nominiert wird, wie soll das beim Oscar hinhauen? Ich würde mir ja noch wünschen, dass Emma Stone an Stelle von McTeer tritt, um The Help in die Riege der dreifach in dieser Kategorie nominierten Filme zu hieven. Doch Stone wurde die gesamte Saison über ignoriert, wieso also sollte sie plötzlich mit im Rennen sein?

Bester Nebendarsteller:

Christopher Plummer - Beginners
Albert Brooks - Drive
Kenneth Branagh - My Week with Marilyn
Jonah Hill - Moneyball
Andy Serkis - Planet der Affen: Prevolution

Okay, okay. Ich sehe Serkis nicht wirklich im Rennen. Doch ich kann mich für den fünften Rang nicht zwischen Nick Nolte (Warrior), Patton Oswalt (Young Adult), Viggo Mortensen (A Dangerous Method) und Corey Stoll (Midnight in Paris) entscheiden. Also tippe ich auf Serkis, um gegebenenfalls einen mächtigen Prognosen-Triumph zu feiern, statt mit gut Glück vielleicht richtig zu liegen. Oder halt daneben.

Beste Hauptdarstellerin:

Viola Davis - The Help
Meryl Streep - Die eiserne Lady
Michelle Williams - My Week With Marilyn
Tilda Swinton - We Need To Talk About Kevin
Rooney Mara - Verblendung

Ich habe ein bisschen Angst, dass Mara rausfliegt. Glenn Close (Albert Nobbs) pocht nämlich ebenfalls auf eine Nominierung,

Bester Hauptdarsteller:

George Clooney - The Descendants
Jean Dujardin - The Artist
Brad Pitt - Moneyball
Michael Fassbender - Shame
Leonardo DiCaptio - J. Edgar

Alternative: Michael Shanno für Take Shelter.

Beste Regie:

Woody Allen - Midnight in Paris
Martin Scorsese - Hugo Cabret
Michel Hazanavicius - The Artist
Alexander Payne - The Descendants
Steven Spielberg - Gefährten

Genauso gut könnte man David Fincher für Verblendung nennen (DGA-nominiert, aber zu düsteres Werk für eine typische Nominierung), Terence Malick (Tree of Life hat seine innigen Fans ... und ist für Gelegenheits-Nominierungen zu verkopft), Tate Taylor für The Help (bekommt schnell ein paar Stimmen seitens der Schauspieler) oder Nicolas Winding Refn für Drive (der Überraschungs-Kandidat) nennen. So viele "Bester Film"-Anwärter, so wenig Regie-Slots, die man füllen darf ...

Beste Musik:

Ludovic Bource - The Artist
Howard Shore - Hugo Cabret
John Williams - Gefährten
Trent Reznor & Atticus Ross - Verblendung
Michael Giacchino - Super 8

Mehr zu dieser Kategorie habe ich bereits hier geschrieben. Von meinen Favoriten kann es irgendwie jeden treffen, also heißt's "Augen zu und durch".

Bester Song:

Life's a Happy Song aus Die Muppets
Man or Muppet aus Die Muppets
The Living Proof aus The Help
The Keeper aus Machine Gun Preacher

Auch wenn Die Muppets bei den Globes ignoriert wurde, bin ich weiterhin davon überzeugt, dass sie bei den Oscars Anerkennung finden. Durch die dämliche, wegen Verwünscht eingeführten Regel, dass nur zwei Lieder pro Film nominiert werden dürfen (was zum Teufel hat Alan Menken der Academy getan?), stellt sich nur die Frage, welche der Muppet-Songs auf den Oscar hoffen dürfen. Drei Stück haben sich qualifiziert: Kermits nostalgische, zerbrochene Freundschaften besingende Ballade Pictures in My Head, die klassische, frohgemute Musical-Eröffnungsnummer Life's a Happy Song und der kraftvolle Selbstfindungssong Man or Muppet. Wie ihr seht, entschied ich mir für Life's a Happy Song, weil er auch eine imposante, im positiven Sinne altmodische Tanzsequenz spendiert bekam, sowie eine Reprise. Kommt immer gut und erinnert an frühere Glanzzeiten des Filmmusicals. Außerdem erhielt dieses Lied bereits ein par Auszeichnungen. Von den anderen beiden habe ich recht knapp Man or Muppet den Vorzug gegeben, weil es den Plot etwas mehr vorantreibt und zudem eine straffere Dramaturgie hat. Pictures in My Head ist als Lied genauso gut, aber irgendwie muss ich mich ja entscheiden, und wer weiß, vielleicht lenken die eingestreuten Muppet-Einzeiler die Jury vom emotionalen Kern des Liedes ab? *mutmaß*

Der Rest ist mir dieses Jahr eigentlich völlig schnuppe. Madonna wird nach ihrem Globe-Sieg, denke ich, nicht nominiert. Am kollektiven Raunen, dass sie gewonnen hat, konnte man ablesen, dass viele sie nichtmal nominiert hätten. Von den Globe-Songs schien mir The Help die meiste Anerkennung bekommen zu haben, und da ich dem Film eh bei den Oscars was zutraue ... The Keeper klingt für mich wie diese öden Western-Balladen, die neuerdings bei der Academy ziehen, und wisst ihr was: Da diese Kategorie in den letzten Jahren eh gemacht hat, was sie will, sage ich vorher, dass es bei vier Nominierungen bleibt. So! (Und hier findet ihr alle qualifizierten Titel)

Bester Film:
Ich halte den Filmen, die ich zuletzt vorhergesagt habe die Treue. Nur bei der Rangfolge bekomme ich kalte Füße. Es kann fünf bis zehn Nominierungen geben, und aufgrund cleverer Tricks eines Filmjournalisten kursiert der Gedanke, dass es schlussendlich acht Nominierungen werden. Dem schließe ich mich an, dennoch möchte ich hier das komplette mögliche Spektrum abdecken. Deswegen folgen nun zehn Filme, von "Sind bei fünf Filmen dabei" runter auf "Wenn's zehn werden, hat der letzte Glück":

The Artist
The Descendants
Gefährten
The Help
Midnight in Paris
Hugo Cabret
Moneyball
Verblendung
Drive
Ides of March

Schon bald sind wir klüger. Dann werden Haare gerauft, Korken geknallt und Langeweile ausgesprochen. Ich freu mich wahnsinnig. Andere nennen den Karneval ihre fünfte Jahreszeit, für mich ist's die Oscar-Saison. *Albernes Papphütchen aufsetz und besoffen schlechte (Oscar-)Lieder sing*

Ähm, ja ... ihr merkt vielleicht: Ich habe keine Ahnung, wie ich diesen Artikel beenden soll. Also wünsch ich euch viel Spaß bei eurem eigenen Oscar-Tipp und vertröste euch schonmal auf die morgige Auswertung der Nominierungen.

Pinto Colvig

2012-01-21T04:56:00.012+01:00

Another Nine widmet sich, in Anlehnung an Walt Disneys Nine Old Men, den über viele Jahrzehnte prägenden Trickfilmern des Studios, neun großartigen Künstlern, deren Einfluss bisher nur unzureichend erkannt und gewürdigt wurde. Vorgestellt werden Menschen, die ihre kreative Arbeit in völlig verschiedenen Bereichen verrichtet haben – Im Schatten der Maus.

An diesem Samstag folgt der siebte Teil der Serie und berichtet über einen comiczeichnenden Clown, eine klarinettespielenden Anti-Raucher-Kampagnen-Unterstützer und einen waisenhausbesuchenden Trickfilmer: Pinto Colvig

Pinto Colvig und Goofy (v. l., Quelle: Disney)
Pinto Colvig war eine solch ausgezeichnete Wahl für die Rolle des Goofys, dass er nach seinem Weggang nur durch einen Mann ersetzt werden konnte: Pinto Colvig. Dieser wurde, zur Überraschung weniger, einige Jahre später durch Pinto Colvig ersetzt. Bald darauf schlüpfte er in die Rolle eines wirklichen Clowns und wurde ersetzt durch … seinen Sohn. Die Biographie Colvigs scheint in solchem Maße auf die fiktive seiner Rollen zugeschneidert zu sein, dass sämtliche Abschnitte seines Lebens in die Filme der Figuren eingefügt werden könnten, ohne dass es jemandem auffallen würde. Und ganz in diesem Sinne fehlte es dem Leben Pinto Colvigs keinesfalls an Spannung.

Pinto Colvig und Jack Kinney (v. l., Quelle: Disney)
Vance DeBar Colvig wurde am 11. September 1892 in Oregon geboren. Seinen eigentlichen Vornamen legte er früh ab – er wurde später von seinem Sohn zweitverwendet. Stattdessen wurde er von seinen Freunden nur Pinto genannt, nach einem gefleckten Pferd, dessen Äußeres seinen eigenen Sommersprossen nah gekommen sein muss. Ihm wurden in seiner Kindheit alle Freiheiten zugestanden und, als das jüngste Kind einer Großfamilie, von seinen Eltern und sechs älteren Geschwistern umsorgt.

Seine Freizeit füllte er seit frühester Kindheit mit Unsinn jeder erdenklichen Art und Weise. Zusammen mit seinem Bruder Don entwickelte er eine kleine Musikshow, mit der sie auf lokalen Festen auftraten. Daneben übte er sich darin, seine Stimme zu verstellen und Geräusche zu lernen, in der restlichen Zeit brachte er sich Grimassen bei und erfreute seine Umgebung mit Streichen. Einen entscheidenden Schritt für seine Karriere brachte die Entscheidung, Klarinette zu lernen. Im Alter von zwölf Jahren reiste er mit seinem Vater nach Portland, um, wie zweieinhalb Millionen Andere, die Lewis and Clark Centennial Exposition zu besuchen. Dort sah er einen Clown, der mit einer Trommel eine Show ablieferte und fragte ihn, ob er ihm nicht sein squeaky Klarinettenspiel vorführen dürfte. Der Mann stimmte zu, Pinto Colvig eilte zurück ins Hotel und wagte eine Aufführung – mit Erfolg. Er wurde von der Stelle weg verpflichtet und durfte, zum ersten Mal in seinem Leben, geschminkt und in Übergroßen eine quietschende Vorstellung nach der anderen gab. Später sagte er, dass er nach diesem Ereignis das Circusblut nie mehr aus seinen Adern bekommen habe.

Frühe Zeichnung von Pinto Colvig (Quelle: Jahrbuch der Universität, 1913)
Nur wenige Jahre später arbeitete er festangestellt beim Circus und in Stummfilmkinos. Im Winter, wenn der Circus in der Regel im Quartier überwinterte, besuchte er weiterhin die Schule. Tatsächlich begann er sogar ein Studium an der Oregon Agricultural College, zeigte jedoch wenig Interesse an den vermittelten Lerninhalten. Dennoch stellte der Besuch des Colleges eine weitere Wende in Colvigs leben dar, war es doch hier, wo er eine neue Leidenschaft für sich entdeckte: das Zeichnen. Er bereicherte die Studentenzeitung mit Comics und begeisterte seine Mitstudentin mit kuriosen Showzeichnungen, während derer er malte und gleichzeitig Monologe zum Besten gab. Schließlich hatte er 1913 genug von seiner Bildungsstätte und verlegte seine Auftritte dorthin, wo sie eher ins Bild passten: er ging nach Seattle und arbeitete für einige Zeit in Alexander Pantages Vaudeville Circuit, trat in die Circusband ein und reiste so durch das ganze Land.

Bereits ein Jahr später konnte er Fuß fassen als Cartoonist und begann, für zwei Zeitungen in Reno und in Carson City zu arbeiten. Doch dass Leben eines Sesshaften war nicht im Sinne Colvigs, weshalb er die erstbeste Chance nutzte, sich wieder ins Circusleben zu stürzen und 1915 Al G. Barnes Circus anschloss, als dieser seine Zelte in Carson City aufgeschlagen hatte. Erneut als Clown und Klarinettenspieler aktiv, nutzte er die Winterpausen nun nicht mehr für halbherzige Versuche, einem geregelten Schulbesuch nachzukommen, sondern zeichnete stattdessen in dieser Zeit. So kam es, dass er ausgerechnet im Winter 1916 das Leben eines Vagabunden aufgeben und sprichwörtlich festfrieren musste, als er seiner großen Liebe Margaret Slavin begegnete, die binnen kurzer Zeit seine Ehefrau wurde – und auf einen festen Wohnsitz pochte.

Gemeinsam zog das junge Paar, das sich 1918 eines ersten gemeinsamen Sohnes erfreuen durfte (dem bis 1930 vier weitere folgen sollten), nach San Francisco, wo Colvig seine Arbeit als Cartoonist intensivierte. Unter anderem für den San Francisco Chronicle entwarf er die Serie Life on the Radio Wave, die seinen künstlerischen Durchbruch bedeutete, bald vom United Features Syndicate entdeckt und daraufhin überall im Land nachgedruckt wurde. Pinto Colvig war froh über den Weg, den sein Leben genommen hatte und vermisste den Circus insofern wenig, als dass er den Unterschied zwischen einem Clown, der sein Werk auf Papier, und einem, der es in der Manege zum Besten gibt, für vernachlässigbar hielt.

Zwar war Colvig nun ortsgebunden aktiv, das hinderte ihn aber nicht, seinen Gedanken freien Lauf zu lassen. Bald schon war dem Klarinettenspieler Colvig, der ja bereits in jungen Jahren in Kinos seine musikalischen Größe den Zuschauern zur Verfügung stellte, der Gedanken eine Verlockung, ins junge Trickfilmgeschäft einzusteigen. Zunächst experimentierte er allabendlich, um schließlich 1919 zu beschließen, mit Pinto Cartoon Comedies Co. ein eigenes Trickfilmstudio zu eröffnen – und zwar noch vor Walt Disney! Dort schuf er mit Pinto's Prizma Comedy Revue einen der ersten Zeichentrickfilme in Farbe (aber natürlich noch stumm).

Pinto Colvig musste jedoch schnell erkennen, dass er, wenn er als Trickfilmer größere Erfolge feiern wollte, seine Familie zu noch einem weiteren Umzug überreden musste – schließlich spielte die Musik in Los Angeles. Dort angekommen wurde niemand geringeres als Mack Sennett auf ihn aufmerksam. Mag der Name dieses Mannes in der heutigen Zeit nur noch Kennern bekannt sein, ist das von ihm gegründete Studio schon bekannter – und die Stars, die er schuf, sind bis heute Legenden. Sennetts Keystone Film Co. war die Heimat von Charlie Chaplin und wäre es nach dem Studiogründer gegangen, hätte sein Filmunternehmen auch eine Hauptrolle im rasant wachsenden Markt des Zeichentrickfilms gespielt. Dazu kam es nie, doch Pintos Karriere schadete das nicht. Es dauerte nicht lange, bis der als experimenteller Trickfilmer angestellte Colvig auch Einfluss auf die Drehbücher der Realfilme nehmen konnte und sogar selbst in einigen Werken auftrat. Zusammen mit Walter Lantz arbeitete er auch weiter an Trickfilmen, zusammen schufen sie im Jahr 1928, fast zeitgleich mit Walt Disneys Steamboat Willie, einen frühen Tonfilm, Bolivar, the Talking Ostrich, der jedoch floppte und das baldige Ende von Pintos Arbeit für Sennett bedeutete. Auch seine Wirken mit Walter Lantz nahm an dieser Stelle ein – vorläufiges – Ende.

Im Jahr 1930 nahm sich dann ein anderer Studiochef des Colvig'schen Talents an: Walt Disney unterzeichnete einen Vertrag mit ihm und stellte ihn als Autor an – und als Stimme für zahlreiche Trickfiguren. Zu seinen Arbeiten als Autor gehörte die erste Textfassung von Who's Afraid of the Big Bad Wolf?, die er in Zusammenarbeit mit Frank Churchill und Tea Sears schuf (wem es nach näheren Informationen zu diesem Teil der Disney-Geschichte dürstet, outet sich hiermit als unregelmäßiger Leser dieser Serie – zu empfehlen ist die Lektüre der Biographie von Frank Churchill, die an selber Stelle veröffentlicht wurde).

Eine weitaus tragerndere Rolle in der Trickfilmgeschichte spielte Pinto Colvig aber als Stimme (und Seele) zahlreichere Trickfilmcharaktere. Dazu gehören das kluge Schwein der Three Little Pigs, Grumpy und Sleepy aus Schneewittchen und die sieben Zwerge, der treue Pluto und natürlich allen voran: Goofy. Er war mehr, als ein Synchronsprecher, er war die Inspiration von Goofys Verhalten und Grimassen. Goofy selbst war eine einfach gestrickte Version von Colvig, nichts mehr und nicht weniger. Seine Stimme, die Laute, die er Goofy auf die Zunge legte, sind in solchem Maße mit der Figur verbunden, dass die Walt Disney Studios mit Sicherheit sehr ins Grübeln gerieten, als Walt den Fehler beging, Pinto Colvig im Streit davonziehen zu lassen. Das war eine kleine Katastrophe, der man entgegenzusteuern versuchte, indem man sich entschied, zukünftig auf recyceltes Tonmaterial zusetzen (eine sehr schöne Zusammenstellung des Ergebnisses dieser Entscheidung ist hier zu finden – die allerdings nicht vollständig ist).

Im Gegensatz zu Disney konnte Pinto Colvig der Trennung gelassen entgegensehen. Gegen Ende der 1930er Jahre mangelte es ihm nicht an Aufträgen. Er wirkte für MGM, Warner Bros. und Max Fleischer. Besonders erwähnenswert ist die Zusammenarbeit mit letzterem Studio. Er sprach eine Figur ins Fleischers Antwort auf Schneewittchen und die sieben Zwerge (1937), Gullivers Reisen (1939) und lieh Bruto, dem Widersacher von Popeye die Stimme. Im Jahr 1941 schloss er Frieden mit Walt Disney und setzte seine Arbeit dort als Freischaffender fort.

Clarence Nash und Pinto Colvig (v. l., Quelle: Disney)

Die folgende Zeit verlief für Pinto Colvig zwar beruflich äußerst erfolgreich, seine Familie aber litt. Vier der fünf Söhne von Margaret und Pinto drohte die Einberufung in die Armee. Besonders Margaret litt unter der Vorstellung, eines ihrer Kinder im Krieg gegen Japan oder die Nazis zu verlieren. Der psychischen Belastung folgte der körperliche Verfall, der dazu führte, dass Margaret der ständigen Fürsorge ihres Mannes bedurfte und im Jahr 1950 verstarb. Ihre fünf Söhne überlebten den Krieg.

Bereits bei seiner ersten Anstellung im Alter von Zwölf gab ihm sein Lehrmeister einen Spitznamen: Bozo, eine damals übliche Bezeichnung für umtriebige Clowns. Im Jahr 1946 wurde Alan Livingston beauftragt, ein Kinderbuch zu entwickeln, dass die ABC-Schützen nicht nur lesen, sondern gleichzeitig auch auf Schallplatte anhören und so ihre Aussprache perfektionieren konnten. Als Sprecher der Platte wurde Pinto Colvig angeheuert, der, wie Livingston und sein Verlag, unvorbereitet mit dem enormen Erfolg von Bozo at the Circus konfrontiert wurde. Bis zum Beginn der 1950er Jahre wurden das Erstlingswerk und die Folgealben rund acht Millionen Mal verkauft.

Livingston war begeistert gewesen von Pinto Colvig, weil er nicht zu, sondern mit Kindern sprach. Er war das Idealbild eines Clowns und gleichzeitig geldsparend, weil er in der Lage war, die vielen Charaktere, die in den Alben auftraten, fast alle alleine zu sprechen. In der Folge wurde sogar eine Fernsehserie mit Pinto Colvig als Bozo gedreht, die ab 1949 auf KTTV (später CBS) ausgestrahlt wurde. Er blieb der Figur treu, bis er sich 1956 – weitestgehend – in den Ruhestand zurückzog. Sein Nachfolger wurde Larry Harmon, dem 1959 wiederum Vance Colvig folgte, Pintos Sohn. Was könnte einen Clown stolzer machen, als einen Clown zum Sohn zu haben?

Pinto Colvig als Bozo
Colvigs Ruhestand sah wenig Ruhe vor, er beschäftigte sich lieber damit, Kinder weiterhin zum Lachen zu animieren, besuchte Waisenhäuser und Schulen und engagierte sich karitativ.

Ein besonderes Anliegen war ihm, vor den Folgen des Rauchens zu warnen. In einer Zeit, in der einem der eigene Lungenarzt noch mit der Zigarette im Mund versicherte, dass Lungenkrebs und Nikotin weniger gemein hätten als Kapitalismus und Kommunismus, setzte er sich, zusammen mit der Senatorin Maurine Neuberger, dafür ein, dass Warnhinweise auf den Schachteln eingeführt werden. Es ist an Tragik kaum zu übertreffen, dass er 1967, vier Jahre, nachdem er sein Engagement begonnen hatte, ausgerechnet an Lungenkrebs starb.

Würdigung erfuhr er 1993, als er postum die Auszeichnung Disney Legend zuerkannt bekam. Noch mehr gefreut hätte er sich wahrscheinlich über seine Aufnahme in die Clown Hall of Fame im Jahr 2004.

Es wird Menschen geben, die sagen, es sei übertrieben zu behaupten, die Disney-Filme tragen Colvigs Signatur. Diese Menschen haben Unrecht. Vor allem, wenn man der Legende glauben darf, nach der Walt Disneys Unterschrift von Colvig erfunden wurde.

Brennendes Interesse (Die Quelle der Unsterblichkeit)

2012-01-20T22:54:00.000+01:00

Es ist mal wieder so weit. Ich bin euch zwar noch immer meinen Rückblick auf die besten Kinofilme 2011 schuldig (dieses Wochenende habe ich endlich Gelegenheit, meine zwei Wackelkandidaten erneut zu sichten, danach muss ich "nur" noch überlegen, was mein mittelfristiges Urteil ist), und dennoch bin in der Laune, nach vorne zu blicken. Mittlerweile vier Mal ging es hier im Blog um Filme, auf die ich mich riesig freue, und die aktuellste dieser Listen hat nunmehr auch schwer Schlagseite. Einige der oberen Rangplätze sind längst erschienen, manche von ihnen auch hier im Blog besprochen.

Also sollte ich mich aufraffen, und euch wieder auf dem Laufenden halten. Welche Filme lassen mich vor lauter Vorfreude hibbelig mit den Beinen wackeln? Welche Filme bringen mit jedem Fitzel an Information mein Herz zum rasen? Die nachfolgende Hitliste gibt darüber Aufschluss. Erneut ohne die verfluchten Piraten aus der Karibik. Disney und Bruckheimer sind zwar entschlossen, Pirates of the Caribbean 5 auf die Beine zu stellen, doch so lange man sich nicht über das Drehbuch einig ist, klammere ich diesen Film der Spannung halber aus. Ihr wisst eh, dass er sonst auf Platz 1 stünde.

Hier sind sie also, meine am heißesten erwarteten Kinofilme:

Auf Platz 20 liegt Frozen. Disneys computeranimierte Adaption der Schneekönigin ist generell zu begrüßen, doch sie stünde höher, wäre sie gezeichnet (einfach, weil das Medium so unterstützt würde) oder wüsste ich schon, wer für die Story, die Musik oder das Design verantwortlich sein wird. Auf Platz 19 liegt Horizons, die von Tom Cruise finanzierte Verfilmung der distopischen Joe-Kosinski-Graphic-Novel Oblivion. Auf Platz 18 befindet sich Tim Burtons Frankenweenie, auf Platz 17 das von Robert Rodriguez geleitete Heavy Metal-Reboot und auf Platz 16 das ewige Mitglied dieser Hitliste: Sin City 2. Und den Rest gibt's etwas eigenständiger aufgeschlüsselt:

Platz 15: Chronicle

Eine Gruppe befreundeter Jugendlicher findet einen mysteriösen Meteoriten und erhält daraufhin Superkräfte. Diese Macht zu kontrollieren gelingt ihnen nur durch selbst auferlegte Regeln. Jedoch ist es zu verführerisch, Regeln zu brechen. Was letztlich auch ihre Freundschaft auf eine schwere Probe stellt ... Ich könnte den Plot sicher besser verkaufen, aber Chronicle verspricht mit bösem Humor, Pessimismus und Melancholie eine Small-Budget-Version dessen zu werden, was Hancock eigentlich werden sollte.

Platz 14: Wreck-it Ralph

Wreck-it Ralph, oder Ralph reicht's, wie er in Deutschland eventuell heißen wird, hat in meiner vorfreudigen Erwartungshaltung etwas an Dampf verloren. Trotzdem bleibe ich überaus neugierig, wie Disney sich der Videospielwelt nähern wird. Auf der D23-Expo versprach man uns ja noch zahlreiche Cameos von Videospiel-Ikonen und deutete einen etwas dunkleren Humor für Disney-Verhältnisse an. Dass die Geschichte eines 80er-Arcadeschurken, der in moderne Funracer und Egoshooter flüchtet, dennoch auch zu Herzen rühren soll, glaub ich Disney gerne ... Meine Hand möchte ich dafür aber noch nicht ins Feuer legen.

Platz 13: Les Misérables

Mit Regisseur Tom Hooper bin ich ja noch nicht so ganz warm geworden. The King's Speech ist ein toller Film, allerdings eher ein Schauspieler- und Drehbuchwerk, und nicht primär eine Mordsleistung eines Regisseurs. Exakt jenes verlangt eine stattliche Musicalverfilmung von Les Misérables aber ihrem Regisseur ab. Etwas Überzeugungsarbeit muss für dieses Projekt also noch geleistet werden. Bis dahin freue ich mich aber auf Hugh Jackman als Jean Valjean und Amanda Seyfried als Cosette. Russell Crowe als Javert, hm, da muss ich noch drüber nachdenken. Anne Hathaway hingegen finde ich in Musicals einfach ganz generell toll besetzt. Bis zum Kinostart möchte ich allerdings noch herausfinden, wie es Sacha Baron Cohen nun auch noch in diesen Film geschafft hat. (Des Weiteren stellt sich natürlich die Frage aller Fragen: Hat es Taylor Swift nun in den Film geschafft, und wenn ja, find ich's gut?)

Platz 12: Crank 3

Laut. Ungehobelt. Brutal. Vollkommen wahnsinnig. Das sind die Crank-Filme, und zu wissen, dass Neveldine/Taylor tatsächlich an einem dritten Teil arbeiten, ist eine verdammt gute Nachricht. Was wird Chev Chelios im nächsten Film antreiben? Keine Ahnung. Egal! Naja, fast. Es sollte schon abgefahren sein. Dann heißt's hoffentlich bald: Freunde einpacken, ins Triple-Feature fahren lassen, Hirn an der Kinokasse gegen Bier, Nachos und Popcorn eintauschen, reingesetzt, durchgelacht. Und am nächsten Tag frei genommen. Denn nach drei Portionen Crank wird mein Versantd gratiniert bollkonnem zruchklifuch

Platz 11: Into the Woods

Chicago war geil. Konzentriertes Miramax-Vergnügen. Nine war gut, doch zu bemüht. Eine sonderbare Weinstein-Erfahrung. Und nun plant Rob Marshall ein weiteres Musical, dieses Mal für Walt Disney Pictures: Into the Woods, das Märchenmusical von Stephen Sondheim. Wie gut Sondheims Interpretation von Rotkäppchen, Aschenputtel, Rapunzel und weiteren Märchen ins Disney-Universum passt, soll man gerne andernorts ausloten, ich habe jetzt erstmal einen Fan-Freudenanfall. Wenn die Choreographien auf Niveau von Chicago sind, das Produktionsdesign pompös sowie quirlig ist, ohne zu sehr ins burton'esque abzugleiten, und ab und an etwas der schaurigen Grazie des Anfangs der Meerjungfrauen-Sequenz aus Fremde Gezeiten in den Film hineinfließt, dann bin ich schon glücklich. Dieses Musical kann eine Katastrophe werden - oder das ultimative, etwas erwachsenere Disney-Märchenerlebnis. Können wir bitte Bruckheimer als Produzent bestätigt haben?

Platz 10: The Untitled Pixar Movie That Takes You Inside the Mind

Ich weiß ja nicht, was in eurem Kopf vorging, als ihr erstmals gelesen habt, dass Pixar einen Film plant, der innerhalb des Verstands spielt. Aber mir kamen direkt Hans Zimmers wummernden, verletzlichen Klänge aus Christopher Nolans Prachtwerk Inception in den Sinn. Der bislang unbetitelte Pixar-Film wird uns jedoch nicht in den träumenden Verstand eines Milliardärs entführen, der Opfer einer abgedrehten Form von Industriespionage wird. Stattdessen möchten die Pixar-Macher in den Geist eines jungen Mädchens blicken, und dort ihre Gedanken und Emotionen präsentieren. Inception trifft Es war einmal ... der Mensch trifft Osmosis Jones trifft Pixar? Keine Ahnung, da heißt es wohl abzuwarten. Mit Pete Docter als Regisseur, Ronnie del Carmen als Co-Regisseur und angeblich auch Drehbuch-Unterstützung von Michael Arndt kann ja eigentlich nichts schief gehen. Die Frage lautet also nicht "wird das gut gehen?" sondern: Wie gut wird es gehen?

Platz 9: Upside Down

Diese visuell beeindruckende, ungewöhnliche Sci-Fi-Romanze ist bis vor kurzem komplett an mir vorüber gelaufen, aber genau dafür gibt's ja Trailer. Juan Diego Solanas' Vision zweier direkt übereinander liegender, entgegengesetzter Welten hat sich als kanadisch-französische Produktion mal so eben Kirsten Dunst gekrallt (das verhalf ja auch schon Melancholia zu gesteigertem Interesse in der Filmwelt), jedoch ist es das Produktionsdesign, dass mich von diesem Film überzeugt. Dass das Konzept zweier entgegengesetzter Welten, das so manche Romantikkomödie bereits unerträglich machte, hier so wortwörtlich genommen und poetisch umgesetzt wird, klingt außerordentlich viel versprechend. Man kann dieses Projekt auch gehörig verbocken. Klar. Doch ich möchte mich selbst davon im Kino überzeugen. Das habe ich mir für dieses Kinojahr schonmal vorgenommen.

Platz 8: Oz - The Great and Powerful

James Franco als Bühnenmagier, den es ins zauberhafte Land von Oz verschlägt. Mila Kunis, Michelle Williams und Rachel Weisz als Hexen von Oz. Zach Braff als James Francos Assistent. Sam Raimi als Regisseur. Musik von Danny Elfman. Dieser Film wird eine Augen- und Ohrenweide!

Platz 7: Moonrise Kingdom

Wes Anderson macht endlich wieder einen abendfüllenden Realfilm! Neben alten Bekannten treten dieses Mal auch Leute wie Bruce Willis und Edward Norton vor die Kamera, die ich niemals in einem Wes-Anderson-Film erwartet hätte. Der Trailer ist nicht sonderlich sensationell, aber er versprüht das waschechte Wes-Anderson-Feeling. Da mir bislang nur Rushmore missfiel, ich den Rest von Anderson dagegen genial finde, ist die Wahrscheinlichkeit, dass auch diese Ferienlager-Geschichte für mich zum Hit wird, groß genug, um schon jetzt vorfreudig hibbelig zu werden.

Platz 6: The Avengers

Jahrelang haben die Marvel Studios darauf hingearbeitet, im April ist es endlich so weit: Die Mutter aller Kino-Crossover hebt ab! Ich freu mich gar nicht mal so sehr auf die Action, sondern viel mehr auf das neckische Spiel zwischen Iron Man, Thor, Hulk und Loki. In den bisherigen Ausschnitten lässt sich erkennen, dass vor allem Robert Downey Jr. und Chris Hemsworth besonders großen Spaß bei den Dreharbeiten hatten und ihr verbaler Schlagabtausch ist einfach zu köstlich. Doch auch der Rest der Superhelden-Gang lebt seine Rollen. War ich in Thor von Tom Hiddleston als Loki noch eher enttäuscht, gefällt er mir im Zusammenspiel mit Samuel L. Jackson richtig gut. Ach, es wird einfach ein geekiges Kinofest. Vielleicht wird's auch ein ganz trocken betrachtet richtig guter Film, garantiert ist aber, dass der Kinobesuch riesige Freude machen wird. Und das kann ich kaum abwarten.

Platz 5: Merida - Legende der Highlands

Der Langtrailer zu Merida hat in Disney-Fanforen gleichermaßen Freude und für Besorgnis ausgelöst. Gewiss, auch ich mag nicht jeden einzelnen Gag in dieser Vorschau, allerdings sind mir die Trailergags bei Pixar selten sonderlich lieb. Dass Merida nun die Quittung erhält, der die vorherigen Pixar-Filme entgehen konnten, kann man für unfair oder eine längst überfällige Reaktion halten. Ich möchte mich an dieser Diskussion nicht beteiligen, sondern lieber auf das konzentrieren, was mich am Trailer optimistisch stimmt: Merida dürfte zu den interessantesten weiblichen Disney-Figuren zählen, die Charakteranimation von ihr ist sehr ausdrucksstark, die Landschaftsaufnahmen der schottischen Highlands sind atemberaubend und die mysteriösen blauen Irrlichtlein lassen mich einige richtig magische Filmsequenzen erwarten. Ich bin mir sicher, auch nach Cars 2: Pixar wird zurückkehren!

Platz 4: The Lone Ranger

Leute, Leute, Leute ... Was ist nicht alles passiert, seit ich The Lone Ranger das letzte Mal im Rahmen von Brennendes Interesse besprochen habe: Disney zog aufgrund der astronomischen Budgetvorstellungen Gore Verbinskis die Notbremse, dann wurde in den Hollywood-Branchenblättern der Budget-Krimi ausgeschlachtet. Disney will dies, Jerry Bruckheimer macht das, Disney überlegt, einen kooperativeren Regisseur zu suchen, Johnny Depp will nur mit Gore Verbinski drehen, Bruckheimer kürzt seine eigene Gage ... Irgendwann war es geschafft, ein neuer Drehstart ins Auge gefasst und letztlich ging Bruckheimer an die Öffentlichkeit, um die Welt wissen zu lassen, wie man den schweineteuren Western halbwegs bezahlbar machen konnte. The Lone Ranger, das wird das fehlende Bindeglied in Depps Filmographie zwischen seinem Bruckheimer/Gore-Ich und seinem Tim-Burton-Ich, denn Helena Bonham Carter wird in diesem Western auftreten. The Lone Ranger, das soll der Kinofilm mit den Brancheninsidern nach zu urteilen aufregendsten Eisenbahnraub-Sequenzen aller Zeiten. The Lone Ranger, das ist die Wiedervereinigung von Gore Verbinski und seinem The Ring-Kameramann Bojan Bazelli. Das bedeutet, dass True Grit-Szenenbildner Jess Gonchor mit einem Jerry-Bruckheimer-Budget arbeiten wird! The Lone Ranger - bestätigt Hans Zimmer als Komponisten, und nichts hält diesen Film davon ab, meine neue Nummer Eins in dieser Hitliste zu werden!

Platz 3: Django Unchained

Seit meiner letzten Hitliste der von mir am meisten ersehnten Filme, haben wir eigentlich nichts neues von Django Unchained gesehen. Kein offizielles Plakat, keine Szenenbilder, und einen Trailer müssen wir auch noch abwarten. Aber das Ensemble steht endgültig fest. Leonardo DiCaprio als Schurke, Joseph Gordon-Levitt, Samuel L. Jackson, Sacha Baron Cohen, Christoph Waltz, Kurt Russell, Jamie Foxx, Don Johnson ... Ein Traum. Stellt sich nur weiterhin die Frage, wie sich ein Tarantino-Film ohne Schnitt von Sally Menke anfühlen wird.

Platz 2: The Dark Knight Rises

Der Teaser sagta ja nicht viel aus, aber der etwas längere Trailer, wenngleich spoilerfrei, lässt ahnen, dass Christopher Nolan mit dem Abschluss seiner Batman-Trilogie keine Gefangenen macht. Tom Hardy macht als Bane einen einschüchternden sowie coolen Eindruck. Anne Hathaway als Catwoman hat mich noch nicht ganz für sich gewinnen können, allerdings auch nicht sofort abgeschreckt, was ich zuweilen befürchtete. Dafür sind die ersten Schnipsel aus Hans Zimmers Tausend-Stimmen-Chor epochal. Christopher Nolans Versprechen, verstärkt auf IMAX-Szenen zu setzen, macht mich bei Wally Pfisters gewohnt hypnotischer Kameraarbeit bereits jetzt mächtig glücklich. Ich bin noch immer unentschlossen, ob ich mir eine Steigerung gegenüber The Dark Knight verspreche. Doch ich erwarte zumindest ein mehr als würdiges Finale dieser Kinoreihe

Platz 1: John Carter

Seit diesem Trailer fresse ich Andrew Stanton aus der Hand. Das Design der Kreaturen sagt mir zu, die Actionszenen scheinen außerordentlich imposant und die Computereffekte brauchen meiner Meinung nach bis zum Kinostart nur noch ein klein wenig an Politur. Ein fantasiereiches Sci-Fi-Abenteuer, inszeniert vom WALL•E-Regisseur, das sagt mir ja eh zu. Von Michael Giacchino erwarte ich einen Hammerscore, und so kann es eigentlich nur an einer mangelnden zwischenmenschlichen Note scheitern, dass ich John Carter letztlich in mein Herz schließe. Aber bei diesen genialen Bildern wäre es zu verkraften. Und, sind wir mal ehrlich: Als würde Andrew Stanton einen Film komplett ohne Herz machen! Um es jetzt schon zu repräsentieren, war einfach nicht genug Platz im Trailer.

Tag und Nacht

2012-01-18T18:20:00.000+01:00

Wollen wir mal wieder die Grundlage für kuriose Suchbegriffe schaffen, die ich in einer gewissen, beliebten Artikelreihe ausschlachten kann: Zwei Wiener Studentinnen gehen anschaffen, weil sie keinen Bock auf's Kellnern haben. Beim Escort-Service "Tag und Nacht" erhalten sie die Möglichkeit, ihren Körper für Geld zu verkaufen. Zu ihren Kunden zählen Kerle, die darauf stehen, ausgeschimpft zu werden, schlaffe Säcke, die nach einem äußerst kurzen Rein-und-wieder-Raus-Spiel auf der beorderten, jungen Hure einschlaffen, sowie Opas, die in Strapsen Lyrik rezitieren, während ihnen einer geblasen wird.

*Auf die Besucherstatistik guck* *mit dem massiven Anstieg glücklich sei*

Was will uns die Regisseurin Sabine Delfinger mit Tag und Nacht sagen? Möchte sie überhaupt etwas sagen? Ganz offensichtlich, denn bei all der inszenatorischen Schwerfälligkeit und dem spürbar hohen Selbstanspruch kann man Tag und Nacht kaum als gehaltloses Exploitationkino ansehen. Dafür wird der Sex ja auch viel zu wenig glorifiziert. Und trotzdem ... Ein schockierendes Drama über die Sexualisierung der Gesellschaft ist dies ganz gewiss nicht. Die Macken und Ticks der Freier sorgen hauptsächlich für Amüsement bei den sich verhurenden Studentinnen, und dass sie es so witzig finden, stellt Delfinger auch nicht als unschöne Sache dar. Ein Charakterdrama, das möchte Tag und Nacht womöglich sein. Nach rund einer Stunde aneinandergereihter, pointen- und konfliktloser Sexszenen taucht immer wieder die Frage auf, ob die Prostitution die Freundschaft der Figuren belastet. Anzeichen dafür gibt es keine, urplötzlich stellt uns der Film dann vor eine Antwort. Wenn Tag und Nacht also ein Charakterdrama sein möchte, so hätte man die (zwar recht kurzweilig gespielten) eindimensional geschriebenen Figuren vielleicht auch mit so etwas wie einer Persönlichkeit ausstatten sollen. Oder möchte Tag und Nacht einfach ein atmosphärisch-realistisches, jedoch fiktives "Slice of Life"-Movie sein, das auf zwei sich freiwillig sexuell ausbeuten lassende Studentinnen blickt? In dem Fall hätte man aber eine interessantere Konstellation konstruieren sollen, denn dauernd fragt man sich "Wieso?" In Not sind die Figuren nämlich nicht, was soll das alles also?

Nun, nicht jeder stille Film muss eine Aussage sein. Er sollte aber eine Auswirkung auf den Zuschauer haben. Ist es eine kunstvolle, ästhetisch außergewöhnliche Befassung mit der Sexualität (a la den 2011 gestarteten Sleeping Beauty)? Nö. Ist der Film deprimierend? Ähm, neee. Dafür geschieht zu lange zu wenig (und wenn was passiert, wird's aus dem Hut gezaubert und kurz darauf wieder abgewunken). Bestenfalls kann man den Film als Verharmlosung von Prostitution fehlinterpretieren. Das scheint aber nicht im Sinne der Verantwortlichen. Es wäre aber immerhin was - denn wenn man Tag und Nacht nimmt, wie dieses Drama ist, so ist's eigentlich nur rund zwei Stunden Schall und Rauch. Ist das etwa die hinterlistig versteckte Absicht des Films? Ein paar Bildinformationen, weder abstoßend noch anregend, an einem vorbeiplätschernde Geräusche, angetäuschte Höhepunkte und dann ist alles vergessen. Aber wenigstens ist was passiert. Erinnert an den schlechten Sex, den die Protagonistinnen beschreiben. Hm ... wer's will ...

Mehr zum Film in meiner Kritik bei Quotenmeter.de

David Finchers "Verblendung"

2012-01-18T11:10:00.000+01:00

"Die Scheiß-Amis müssen immer die europäischen Filme nachdrehen, weil die zu faul zum Lesen von Untertiteln sind!", ruft's regelmäßig, wenn Hollywood-Remakes hiesiger Filme ankündigt. Da sich David Fincher über die Jahre einiges an Respekt erarbeitete, waren diese Stimmen im Falle von Verblendung etwas rarer. Doch sie waren da. Und auch wenn ich beipflichten kann, dass viele Remakes (oder in diesem Fall korrekter gesagt "Neuverfilmungen bereits filmisch umgesetzter Romane") überflüssig sind, so ärgere ich mich bei Verblendung, bereits die ursprünglich für's Fernsehen gedachten schwedischen Kino-Adaptionen zu kennen.

Ich will ja keineswegs sagen, dass das Team hinter den schwedischen Verfilmungen der Stieg-Larsson-Romane schlechte Arbeit geleistet hätten. Den zweiten Teil fand ich schwach erzählt, was ich aufgrund der Vorlage jedoch auch bei der US-Verfilmung erwarte. Insgesamt waren die Filme allerdings gelungene Krimikost und Noomi Rapace gelang es, mit ihrer Version der Lisbeth Salander die ikonischste weibliche Leinwandfigur zu kreieren, die es in den letzten wasweißichwieviele Jahren im europäischen Kino zu sehen gab.

Trotzdem: David Finchers Adaption hat mir nochmal ein deutliches Stück besser gefallen, und ich wünschte mir, vollkommen ahnungslos in diesen Film zu spazieren. So wäre vielleicht ein Hauch des "Schlag in die Magengrube"-Effekts aufgekommen, den die schwedischen Verfilmungen überhaupt nicht anvisierten, auf den es David Finchers Adaption hingegen ganz offensichtlich abzielt, aufgrund ihrer Erzählweise allerdings nicht so recht erreichen mag.

Fincher legt in seinem Verblendung den Fokus noch stärker auf Atmosphäre und die Etablierung sowie Darstellung der Figuren. Dies birgt, dank der gelungenen cineastischen Umsetzung, sehr viele Vorteile, allerdings auch einen nicht zu verleugnenden Nachteil: Verblendung ist eh vornehmlich der Teil von Larssons Roman-Trilogie, der sich intensiv der Charakterexposition widmet, weshalb es einen etwas zerfahrenen Einstieg gibt und die Geschichte nach Auflösung des zentralen Kriminalfalls einfach keinen Ausstieg findet. Bei Fincher fallen diese Probleme deutlicher auf, als in der schwedischen Verfilmung. Diese ließ einige Elemente, die den Kriminalfall nicht tangierten, aus der Kinofassung raus, lenkte so das Augenmerk auf die Ermittlungen rund um ein schreckliches Familiengeheimnis und konnte die Dramaturgie etwas straffen.

Zu sagen, dass Fincher einen "style over substance"-Film abgeliefert hätte, würde ihm nicht gerecht. Sein Verblendung ist dafür viel zu gehaltsam und thematisch zu schwer. Aber wie Fincher die düsteren Geheimnisse der Familie Vanger für sich stehen lässt, die Ermittlungen (im direkten Vergleich mit der ersten Verfilmung) fast schon "herunterspult", statt den Spannungsbogen rund um Rückschläge und Erfolge bei der Detektivarbeit des Investigativjournalisten Blomkvist und der Hackerin Salander zu spinnen ... Das zeigt, dass ihm dieser Fall eher drittrangig ist, und ihm die Figur Salanders und das in Verblendung skizzierte, finstere Gesellschaftsbild wichtiger sind. Die Kernhandlung eines zweieinhalbstündigen Thrillers an dritte Stelle zu setzen, ist jedoch ... sagen wir ... mutig.

Nachdem ich über die schlechten Seiten gekrittelt habe: Wieso, weshalb, warum finde ich Finchers Verblendung viel besser, als das schwedische "Original"? Zum einen, weil Fincher atmosphärisch das Potential der Vorlage völlig ausschröpft. Die beunruhigenden Kamerafahrtenmit ihren trist gefärbten Bildern, die menschenleere Umgebung und der hypnotisch-beklemmende Score von Trent Reznor & Atticus Ross machen Finchers Verblendung zu einem wesentlich intensiveren Kinoerlebnis. Jeder Anflug von Wärme wird erstickt, meistens schon im Keim, zuweilen erst mit etwas Wartezeit. Es ist ein kunstvoll pessimistischer Thriller. Finchers Vergewaltigungsszenen sind vielleicht nich grafischer, letztlich aber sehr wohl verstörender, als die in der europäischen Filmadaption. Das unablässige Wabern der im Nebenflur dröhnenden Bohnermaschine, die finster ausgeleuchtete Szenerie ... Diese Momente sind die unangenehmen Höhepunkte des Films.

Man kommt natürlich nicht umher, Rooney Maras Lisbeth mit der von Noomi Rapace zu vergleichen. Stellt man sie direkt nebeneinander, ist Rapaces Lisbeth deutlicher eine Kunstfigur. Eine verbitterte Außenseiterin, ein auf seine Gelegenheit wartender Racheengel mit einem verletzlichen Inneren. Rooney Mara hingegen wirkt wie ein gebrechliches Vögelchen, dass man irgendwo aufgelesen hat und, statt es aufzupeppeln, in Leim tunkte und dann im Metallschutt aus Papas Garage wälzte. Das blasse Makeup, der rebellische Haarschnitt, die ihr zartes Gesicht entstellenden Piercings, das wirkt nicht wie das überzeugte Ausüben eines subkulturellen Lebensstils. Sie sieht verkleidet aus. In den Trailern hatte ich, gerade mit Rapaces prägender Darbietung im Hinterkopf, echte Probleme damit. Im endgültigen Film gewöhnt man sich nicht nur daran, Mara und Fincher spielen diese Karte sogar vollauf bewusst aus. Salander wird facettenreicher beleuchtet, und dadurch fällt auch ihre verletzliche Seite bewusster auf. Fincher nutzt mehrere Szenen, um intensiver aufzuzeigen, dass Salander ein Opfer eines pervertierten Patriarchats ist und sich in eine abstoßende, toughe Rolle flüchten musste, um zu überleben.

Manche Kritiker nennen es eine "Vermenschlichung" Salanders, ich sehe es als eine Dramatisierung. Maras Salander ist zwar längst nicht so cool, aber sie lässt den Zuschauer wesentlich mehr mitleiden, wodurch sie ihn aber auch auf noch kälteren Füßen erwischt, wenn ihre psychotische Seite überhand gewinnt. Man gönnt ihr die Rache, und trotzdem kann man es kaum "richtig" nennen. Mara ist einvernehmender - und dadurch wird Daniel Craig (der für sich allein betrachtet genauso gut spielt wie Nyqvist im "Original") völlig an den Rand gedrängt. Da er sehr viele Filmszenen alleine zu tragen hat, wäre es wünschenswert, hätten man seinen trockenen Humor noch etwas mehr herausgestellt. Aber auch so ist Blomkvist noch interessant genug, um den Film nicht runterzuziehen. Bloß hätte er ihn ja auch verbessern können ...

Dessen ungeachtet ist Finchers Verblendung fesselnd, technisch nahezu perfekt und großartig gespielt. Mit einer stringenteren Narrative wäre er halt nur auch nachhaltig wirkungsreicher. Vielleicht klappt's bei der Fortsetzung, sollte Fincher zurückkehren?

Siehe auch:

52 Songs #29: Agathe Bauer / Songverhörer

2012-01-16T05:54:00.000+01:00

Diese Woche ist Comedygold gefragt, bei 52 Songs. Was andeutet, dass uns die brauchbaren Themen ausgeht. Und dabei hat es die RTL-Chartshow bereits auf mehr als 100 Ausgaben gebracht, da werden wir ja wohl 52 Wochen lang unsere Würde behalten können.

Wie dem auch sei, Spaß macht dieses Thema auf jeden Fall. Gesucht sind Lieder mit Textstellen, die man einfach falsch versteht. So wie aus I got the power! plötzlich Agathe Bauer wird oder Wo Liebe lebt und Friede wohnt dank Phil Collins' nicht ganz akzentfreiem Deutsch Wo Liebe lebt. Und Frida wohnt!. Mir schwebte ein Disneylied im Kopf herum, bei dem ich dauernd was mit "Ficken!" verstand, nur komm ich nicht so wirklich drauf. Ich werde es vielleicht nachreichen, denn mir kam in den Sinn, dass es ja auch einen genialen Songverhörer gibt, der mehr als nur ein paar Sekunden andauert:

LIVEBLOGGING: 69. Golden Globe Awards

2012-01-16T01:50:00.104+01:00

5.10: Nachtrag: Meine Globe-Prognose war ganz hinnehmbar, finde ich. 16 richtige von 25 Kategorien.

5.00: Das waren die 69. Golden Globes. Ich bin Sir Donnerbold, und wenn euch das alles nicht gefallen hat, so verdrängt ihr diesen Abend am besten sofort. Bei den Oscars wird alles besser!

4.55: Ohne größere Umschweife gewinnt ... The Descendants. Hm, ich bin ein wenig überrascht.

4.54: Und Harrison Ford wird den Abend mit dem Preis für das beste Drama beenden.

4.47: Natalie Portman weiß nicht, wo sie sich hinstellen soll, um den Drama-Hauptdarsteller-Globe zu verleihen. Ist zu kurz zu sehen, um sie anhimmeln zu können. Alles doof. Aber mir gefällt, wie sie den roten Teppich als Galakleid trägt. George Clooney gewinnt für The Descandants. Nächstes Jahr gewinnt er für die beste TV-Komödie in seiner Rolle als Streeps überforderter Brillen-Butler.

4.40: Jetzt geht es Schlag auf Schlag. The Artist gewinnt Beste Filmkomödie. Der knuffige Hund Uggie raubt jegliche Aufmerksamkeit.

4.37: Streep hat ihre Brille am Tisch vergessen und muss sich an ihre Rede erinnern. Kurz geärgert, sofort wieder in ihre Würde zurückgekehrt. Währenddessen zeigt die Kamera, wie ein ratloser George Clooney versucht, sich gebückt zur Bühne zu schleichen, um Streep die Brille zu reichen. Er gibt auf, weil er ahnt, nicht unbemerkt durchzukommen. Und versucht, David Fincher zu bequatschen, nach vorne zu gehen. Göttlich, diese Szene verdient einen Emmy!

4.35: Meryl Streep - Die eiserne Lady. Beste Kino-Drama-Hauptdarstellerin. Ich behalte meine mutigen Vorhersagen in Zukunft für mich. Glückwunsch, Harvey Weinstein, dein Kategorienpoker hat sich ausgezahlt. Dank dir wurden zwei Weinstein-Dramen für die beste Hauptdarstellerin prämiert. Und keine einzige Komödie.

4.33: Ricky Gervais freut sich darüber, dafür bezahlt zu werden, betrunken vor dem Publikum zu stehen. Leider merkt man auch, dass Gervais es nicht als Arbeit ansieht, die Globes zu moderieren. Auf jeden frechen Spruch kommt auch sehr, sehr viel Füllgeschwätz.

4.26: Ohne sein 20er-Jahre-Bärtchen und mit Ton ist der Mann irgendwie nur noch halb so faszinierend. Aber seine Dankesrede sagt viel über Hollywood aus: "Man sagte mir immer: 'Du wirst nie Filme machen können, dein Gesicht ist zu ausdrucksstark und zu groß!'"

4.25: Bester Hauptdarsteller Comedy (Kino): Jean Dujardin - The Artist Vollauf verdient!

4.25: Jessica Biel ist glücklich, auf der Bühne zu stehen, Mark Wahlberg könnte nicht weniger daran interessiert sein, den besten Hauptdarsteller Comedy vorzustellen.

4.23: Die beste Catwoman aller Zeiten (sorry, Mrs. Kitt) kündigt den Gefährten-Trailer an. (Finde den deutschen Titel noch immer schwachsinnig. Was wäre an War Horse oder meinethalben Kriegsross so schlimm?)

4.20: Und Twitter explodiert, weil Ricky Gervais Banderas/Hayek mit "I can't understand a fucking word they say" ankündigte. Die US-Klatschblätter haben ihre Schlagzeile für heute Morgen gefunden. Und mir ist das scheißegal. Werdet erwachsen ...

4.18: Zum höchsten Vergnügen des Off-Sprechers gewinnt Modern Family. Sofia Vergara ist nicht mehr zu bremsen. Mit dem richtigen Projekt bekommen auch weniger talentierte Leute einen anerkannten Preis.

4.16: Antonio Banderas und Salma Hayek kommen auf die Bühne, um Robert Rodriguez' nächsten GUTEN Film anzukündigen. Oh, schade, sie verleihen nur den Comedyserien-Globe.

4.15: Oscarblogger in aller Welt radieren ihren Academy-Award-Prognosezettel aus.

4.13: Beste Regie: Martin Scorsese für "Martin Scorseses Film-Präservierungsprogramm - Der Film". Äh, Hugo Cabret. Den er nur gedreht hat, damit seine Tochter mal für einen von Papis Filmen ins Kino kann. ;-)

4.12: Angelina Jolie verleiht den Regie-Globe. Seht euch diese aufgequollenen Augen an, die Gruben unter ihnen, das Joker-Killerlächeln, diese Schlauchbootlippen ... Meine lieben Geschlechtsgenossen, was soll an der geil sein?

4.11: Sherlock "Iron Man" Holmes nennt Stummfilmlegenden wie Chaplin, Keaton, Hitchcock und Downey sr., um den Trailer zum in wenigen Minuten als beste Filmkomödie prämierten The Artist zu präsentieren. Kleine Spoiler im Trailer. Kennt man von den Globes ...

4.09: Irgendjemand aus Johannesburg scheint mein Liveblogging zu verfolgen. Oder irgendeiner von euch nutzt einen Proxy, um auf YouTube ungestört surfen zu können.

4.08: Wenn ich mir so die ProSieben-Serientrailer anschaue, fällt mir auf, dass im Grunde drei Synchronsprecherinnen rund drei Viertel aller wichtigen, weiblichen Serienrollen auf dem Sender sprechen.

4.05: Ich habe gerade nur halb hingeguckt. Wer ist die Dame im roten Dress, die nur einen Schluck Sekt davon entfernt ist, während Morgan Freemans Dankesrede Sir Ben Kingsley zu besteigen?

4.04: Keiner kann "Helen, dich mit einer Knarre in der Hand zu sehen, zeigte mir, dass ich dich niemals anpissen möchte" ehrvoller sagen als Freeman.

4.01: Und, in welcher Machtposition ist euch Freeman am liebsten?

3.59: Morgan Freeman. Erzähler. Unschuldsengel. Gott. Batmans Technikdude. Chauffeur.

3.57: Helen Mirren ist sauer, dass sie nur einmal mit Morgan Freeman zusammengespielt hat, und das war (ausgerechnet) R.E.D. Zur Erinnerung: R.E.D. wurde letztes Jahr als beste Komödie für den Golden Globe nominiert.

3.57: Man könnte also keinen besseren Laudator für Morgan Freemans Würdigung finden.

3.55: Sidney Poitier verleiht den Ehrenpreis des Abends an Morgan Freeman. Nochmal an alle da draußen, die gerne Namenswitze machen: SIDNEY Poitier. Mit einem "i" an zweiter Stelle. Legendärer Schauspieler, mehrfach Globe- und Oscar-prämiert. Ein toller Mann, mit Würde und Ausstrahlung.

3.53: Reese Witherspoons Fön ist explodiert. *obligatorischer "Über das Aussehen einer Schauspilerin lästern"-Blogeintrag, den jeder Liveblogger bei solchen Sachen machen muss*. Decendants-Trailer. Wer auf'm Klo ist, verpasst nichts.

3.51: Nur zur Erinnerung: Dank einem in den USA äußerst erfolgreichen Touchstone-Film wurde gerade der Markenname "Disney" bei den Golden Globes genannt. Lobend. Und Disney will dieses Studio verkaufen / schließen, weil es angeblich nichts einbringt, weder Geld noch Ruhm.

3.49: Kurze, obligatorische Erwähnung der Rassenthematik. Dank der Co-Stars und Crew, Dank an alle bei DreamWorks, "Dank an alle bei Disney" Ja, so eben wurde dem Prodzenten von High School Musical gedankt. Oder dem Kerl, der für die Kinowerbung zu Cars 2 zuständig war. :-p

3.48: Ein paar Leute im Saal sind wohl RIESIGE Fans von Spencer, so laut, wie die brüllen.

3.47: Octavia Spencer gewinnt für ihre Rolle der "big, sassy black woman" im Rassendrama The Help.

3.46: Bradley Cooper präsentiert die beste Kino-Nebendarstellerinnen. Die Temperatur im Saal ist angestiegen.

3.45: Das ist die besonnenste (gelangweilste?) Dankesrede, die ich seit Jahren gehört habe.

3.43: Bester TV-Comedy-Darsteller: Matt LeBlanc für Episodes. Sekunden, nachdem Tina Fey und Coach Sue Sylvester darüber scherzten, dass er ja eigentlich nur sich selbst spielt, was keine Leistung sei.

3.42: Emily Blunt kündigt den Brautalarm-Trailer an. Rein zufällig erwähnt der Off-Sprecher, dass Blunt bald im das gleiche Publikum ansprechenden Five-Year-Engagement zu sehen sein wird.

3.38: Schon wieder Werbung? Okay, da mach ich mit: Popcorn & Rollenwechsel - Diese Woche geht's um die Muppets! Applaus, Applaus, Applaus!

3.37: Find ich's süß, dass sie es bereut, beim letzten Mal nicht ihren Eltern gedankt zu haben? Jaaa, okay, komm, ist süß.

3.36: - Claire Danes für Homeland - Beste Drama-Darstellerin (TV)

3.34: Dustin Hoffman ist ein ganz fixer. Nach der verwirrenden Dankesrede des irakischen Regisseurs ("Ich bedanke mich bei meiner Frau, bei meiner Freundin ...") erklärt auch er: "Ohne den Ansporn meiner Frau und meiner Freundin würde ich jetzt nicht hier stehen und die Nominierungen vorlesen!"

3.32: Wieso bekommt Madonna eigentlich als einzige Laudatorin niemanden neben sich gestellt? Ist sie dazu zu zickig? A Separation aus dem Irak gewinnt.

3.30: "Unsere nächste Laudatorin ist die Queen des Pops, nein, nicht du Elton, setz dich wieder hin", kündigt Ricky Gervais Madonna an, deren "lika a virgin"-Status er anzweifelt. Diese fordert ihn auf, was daran zu ändern, sie hätte ja lange kein Mädel mehr geküsst. Im Fernsehen. Hm ... nacherzählt ist's nur noch halb so witzig.

3.29: Ich tippe, jetzt wird der Globe für den besten fremdsprachigen Film verliehen.

3.24: Jessica Lange gewinnt für American Horror Story ihren 5. Globe. I don't care, aber irgendwen da draußen freut's bestimmt.

3.23: Endlich mal eine gute Laudatio, und zwar von unserem Traumpaar Felicity Huffman und William H. Macy. Ein kleine Ständchen für die TV-Nebendarstellerinnen.

3.22: Das beste Drehbuch: Midnight in Paris - Woody Allen Ja! Ja! Ja!

3.20: 50/50-Trailer. Der Globe-Nominee und Oscar-Nominee-Anwärter startet in Deutschland ... am 3. Mai.

3.18: Höhö, TV-Werbung für Disaster Movie. So nah an den Globes werden Seltzer/Friedberg nicht mehr kommen. *Alte Gags, die immer wieder toll sind!*

3.17: Was soll's, Hauptsache nicht Cars 2. Finde Tim & Struppi dennoch unsagbar ... mittelmäßig.

3.15: Nun, dann wird halt der Oscar an Rango gehen. Die Hollywood FOREIGN Press hat hier wohl die Vorlage des Films gleich mal mitgeehrt. *wütende Spielberg-Fankommentare in 3 ... 2... 1...?*

3.14: Die Abenteuer von Tim & Struppi? Are you effin kidding ... Bester Trickfilm?

3.13: Jessica Alba und ein hölzerner Channing Tatum präsentieren "Best Anime Film" (O-Ton Tatum)

3.12: Moneyball-Trailer. Mir ist der Film noch immer ziemlich gleichgültig, sorry.

3.10: George Clooney kommt. Und da er alleine aufkreuzt, wird eh nur ein Trailer angekündigt. Was für'n Quark, den Moderator auf die Bühne zu holen, um einen Laudator auf die Bühne zu holen, um einen Trailer anzukündigen.

3.08: Randy Newman ist damit nicht einverstanden. *versteht jemand diesen Gag eigentlich?*

3.07: Bester TV-Nebendarsteller: Peter Dinklage für Game of Thrones

3.06: Werbung kam, Werbung geht endlich wieder ...

3.01: "Nominiert für die *SARKASUMUS*urkomische Komödie*SARKASMUS* My Week with Marilyn: Michelle Williams" - Rogen traut sich heute mehr Wahrheiten auszusprechen, als Ricky Gervais. Williams gewinnt als beste Komödien-Hauptdarstellerin und ist kurz vor'm Tränenausbruch.

3.00: Seth Rogen, Arm in Arm mit MILF Kate Beckinsale: "Hallo, ich bin Seth Rogen und ich versuche gerade meine heftige Erektion zu verstecken". Beckinsale ist aus dem Konzept. Bester Moment des Abends.

2.59: Brad Pitt bewirbt sich mit seinem Look als Nachfolger für Ashton Kutcher in Two and a Half Men. Und kündigt den Ides of March-Trailer an. Zeigt doch einfach die Trailer, ohne Ansprache!

2.57: Idris Elba gewinnt für Luther seinen ersten Globe (als Miniserien/Fernsehfilm-Hauptdarsteller). Somit kann Django Unchained einen weiteren seiner Darsteller als Globe-Preisträger bewerben.

2.56: Das war der längste Werbeblock des Abends. Wenn zwischendrin was verliehen wurde, renn ich persönlich nach München und verprügle den Werbeeinblendepraktikanten!

2.51: Naja, so geht der Globe immerhin um zehn Ecken nach Deutschland. Komponistin Julie Frost schrieb vor einiger Zeit nämlich einen kleinen Song namens Satellite. Uuuund jetzt würgt ProSieben das Programm ab. Welchen Nominierungstrailer wir jetzt wohl verpassen?

2.50: Der Applaus für den tatsächlichen Gewinner, Madonnas Masterpiece aus dem Film W.E., ist bei der Siegesverkündung deutlich leiser als der Applaus von The Living Proof aus The Help, als die Nominierungen vorgelesen wurden.

2.49: Appropos, hab ich schon gebloggt, dass ich jetzt endlich sagen darf, dass ich Die Muppets klasse fand? Oh, das Applaus-o-Meter ist für The Help!

2.48: Nach einem rundum verdienten Globe wird nun auf jeden Fall jemand gewinnen, der nicht gewinnen sollte. Denn die besten Songs des Jahres sind nicht einmal nominiert.

2.47: Welch schnuckeliger, französischer Akzent. Kann ich den Mann knuddeln und als Maskottchen überallhin mitschleppen?

2.46: Beste Musik: The Artist! Komponist: Ludovic Bource! Fuck Yeah!

2.44: Adam Levine wird darauf angesprochen, wie schwachsinnig eigentlich der Text von Moves Like Jagger ist. Nun ist's Zeit für die Musik-Globes! Endlich was spannendes!

2.40: Und schon wieder Werbung. Werbung für das kabeleins classics Kinomagazin Kinozeit. Ich mag diesen Spot nicht. Kino ist Leidenschaft, auch für Cineasten. Da guckt man nicht wie ein Bond-Bösewicht aus seinem geschniegelten Anzug über seine Brille, zieht eine bittere Miene und lässt seine Glatze diabolisch glänzen! Zeig mal was Passion!

2.38: Andrew Stanton beschwert sich bei Twitter. Damian Lewis oder Bryan Cranston hätten gewinnen sollen. Homeland ist die beste Drama-Serie

2.35: Kelsey Grammer gewinnt für Boss den Globe für den besten TV-Drama-Hauptdarsteller. Sideshow Bob gewinnt den Globe!

2.34: Ricky Gervais möchte kürzere Danksagungen. "Bedankt euch bei Gott und eurem Agenten", bei ihm hatten sie beide ja gleichviel Input. Ich finde, um einen ernsthaften Kritikpunkt anzubringen, dass man nicht auch noch die TRAILER für die nominierten Dramen und Comedys/Musicals annominieren muss.

2.33: Wenn ich mir auch einen dicken Akzent zulege, darf ich dann in ein paar Jahren schlechte Komödien mit meinen Lieblingsschauspielern für den zweitgrößten Filmpreis der Welt nominieren? (Und nun kündigt Jake Gyllenhaal den My Week with Marilyn-Trailer an)

2.32: Thomas Fritsch zerrt die Präsidentin der Hollywood Foreign Press auf die Bühne. Ach, halt, das ist Jeremy Irons. Egal, haben beide eh die gleiche Stimme.

2.27: Nominierungstrailer für Midnight in Paris, Werbung. Und der Off-Sprecher erinnert uns daran, dass der Moderator des Abends nochmal auf die Bühne kommen wird. Echt jetzt?! Wow ...

2.26: Und wenn jetzt jemand kommentiert "Man kann heavy-weight auch als 'talentiert' übersetzen", dann gehört derjenige geohrfeigt.

2.25: "Thank you for putting me in the same category with such heavy-weight actresses ..." Hat sie ihre Kolleginnen gerade fett genannt? Was für eine schlechte Gewinnerin!

2.24: Kate Winslet gewinnt ihren dritten Globe. Dieses Mal für Mildred Pierce

2.23: Und es bleibt hochspannend, mit der weltbewegenden Kategorie "Beste Darstellerin einer Miniserie / eines TV-Films"!

2.19: Downton Abbey gewinnt als beste/r Miniserie/TV-Film. Super, dann kann ich ja jetzt ruhig schlafen. Alles, was ich wissen wollte, weiß ich jetzt.

2.18: @den kommentierenden Plopper: Na und, war doch trotzdem witzig.

2.17: Der Abend muss übrigens doch weiter gehen, meine Erfolgsquote ist so eben um ruuuuund die Hälfte eingekracht. Scheiß Fernsehkategrien!

2.15: Das nenne ich mal einen Jump Cut. Globe-Auditorium, laute Lenny-Kravitz-Musik und eine gezeichnete Trulla verwandelt sich in eine doof grinsende ProSieben-Moderatorin im hautengen Goldsuit. Ich werde heute Mittag davon Albträume haben.

2.14: Laura Dern gewinnt für Enlightened den Globe als beste Comedy-TV-Darstellerin.

2.12: Wozu eigentlich immer zwei Laudatoren, wenn sie länger zum Pult hinlaufen, als eine Laudatio zu halten?

2.10: Und schon wird der Preis für den besten Kino-Nebendarsteller verliehen: Christopher Plummer, Beginners. Der Abend kann aufhören, ich hab eine 100%-Erfolgsquote bei meiner Prognose!

2.08: Ist übrigens kein Scheiß! Depp soll Gervais angefaucht haben "Niemand beleidigt Tim Allen, so lange ich dabei bin!". Ich fordere eine Kooperation zwischen ihnen.

2.06: Johnny Depp, der Ricky Gervais ausgeschimpft hat, weil er Tim Allen bei den letzten Globes beleidigt hat, hat The Tourist noch immer nicht gesehen. Und präsentiert Scorseses Hugo Cabret. Produziert von ... Johnny Depp.

2.04: "Ich darf keinesfalls Mel Gibson erwähnen, sein Privatleben, seine Filme und ganz besonders nicht Jodie Fosters Bieber" - sonst bislang kein wirklich komischer Eröffnungsmonolog bisher. Außerdem ist Fosters Bieber ganz ansehnlich. So, für einmal. Nichts, was ich öfter erleben müsste.

2.00: "Die Golden Globes sind wie die Oscars ... ohne die Wertschätzung." Recht hat er, der Ricky.

1.59: Okay, welchen unverdient nominierten Film wird Ricky Gervais gleich wohl so richtig durch den Modder ziehen? Einen The Tourist-Eklat gab's dieses Jahr ja nicht. Hm, vielleicht lobt er Pixar als "die kreativ integre Erfolgsschmiede Dutzender traumhafter Filme, die niemals auf die Idee käme, ihren den Kritikern nach zu urteilen schlechtesten Film fortzusetzen, weil sich das Merchandising saugut verkauft!"?

1.55: Um euch die Wartezeit noch ein wenig zu versüßen: ENDLICH haben wir Montag! Genauer gesagt: Endlich haben wir den Montag vor dem Kinostart von Die Muppets, was heißt, dass ich auf Disneys saudämliche Sperrfrist pfeifen darf. So ... haltet euch fest, denn folgende Nachricht wird euch garantiert vollkommen aus den Socken hauen, so unerwartet ist sie: ... ... ... Ich fand den Film klasse!

1.51: Bevor die eigentliche Show anfängt, möchte ich euch wissen lassen, dass wir den heutigen Abend auch "Freeze a Donnerbold" heißen könnte, denn meine Heizung möchte heute Nacht einfach nicht anspringen. *auf Mitleid wart*

1.50: Hallo und herzlich willkommen zum 69. Liveblogging der Golden Globe Awards, hier bei "Sir Donnerbolds Bagatellen" (Anmerkung: Dies ist nicht wirklich das 69. Mal, dass ich live die Globes kommentiere!)

69. Golden Globes: Prognose und Blogging-Ankündigung

2012-01-15T13:35:00.001+01:00

Diejenigen unter euch, die einfach nur wissen wollen, ob ich auch dieses Jahr live in Blogform die Verleihung der Golden Globes kommentieren werde, können nun eigentlich zu lesen aufhören. Der Titel verrät ja alles. Jepp, auch dieses Jahr werde ich mir die Nacht um die Ohren schlagen, um mich darüber aufzuregen, wie langweilig doch die TV-Kategorien bei den Globes sind. *g*

Anderweitig versuche ich mich nun auch als Globe-Orakel. Die komplette Liste aller Nominierungen findet ihr hier, und nachfolgend die garantiert todsichere Liste der anstehenden Gewinner:

Bester Film – Drama
Es wird gewinnen: The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten
Es sollte gewinnen: Derzeit wäre ich für The Help oder Gefährten (nein, nicht bloß weil Touchstone sie in die Kinos bringt)

Bester Film – Komödie oder Musical
Es wird gewinnen: The Artist
Es sollte gewinnen: The Artist oder Midnight in Paris

Bester Animationsfilm
Es sollte und wird gewinnen: Rango

Beste Hauptdarstellerin – Drama
Es sollte und wird gewinnen: Ronney Mara – Verblendung
Der generelle Favorit ist ja Meryl Streep für Die eiserne Lady, weshalb ich sie auch in meiner Prognose für Quotenmeter.de eingebunden habe. Und wenn man einer Schauspielerin einen Überraschungssieg zutraut (paradox, nich'?), dann The Help-Frontfrau Viola Davis. Aber ich wage mich hier auf einen wackeligen Ast und sage, dass Rooney Mara geehrt wird. Die Globes sind öfter mal "kommerzieller" als die Oscars. Nicht, dass Verblendung ein Popcorn-Unterhaltungsstreifen sei, aber er findet aufgrund seines Genres und seinem berühmten Regisseur sowie der populären Vorlage ein größeres Publikum als die ganzen Programmkino-Dramen. Zudem wird ja gerne gemutmaßt, dass sich die HFPA eher mal abspricht. Ist ja auch nicht schwer, die Jury ist wesentlich kleiner, als der Pool an Oscar-Wählern. Verblendung hat bei den Globes nur zwei Nominierungen aufzuweisen, also könnte man die grandiose Hauptdarstellerin stellvertretend für den gesamten Film ehren. Ich halt's für offensichtlich, mal sehen, ob meine jeglichen Experten den Stinkefinger zeigende Logik obsiegt ...

Bester Hauptdarsteller – Drama
Es wird gewinnen: George Clooney – The Descendants – Familie und andere Angelegenheiten
Es sollte gewinnen: Ryan Gosling – The Ides of March – Tage des Verrats

Beste Hauptdarstellerin – Komödie oder Musical
Es wird gewinnen: Michelle Williams – My Week with Marilyn
Es sollte gewinnen: (Noch) ungesehen wünsche ich es Charlize Theron für Young Adult

Bester Hauptdarsteller – Komödie oder Musical
Es wird gewinnen: Jean Dujardin – The Artist
Es sollte gewinnen: Jean Dujardin vollbrachte die anspruchsvollste Leistung, Ryan Gosling (Crazy, Stupid, Love) die coolste wie charismatischste und Owen Wilson (Midnight in Paris) war sehr, sehr ansprechend. Ich würde mich für jeden von ihnen freuen.

Beste Nebendarstellerin
Es wird gewinnen: Jessica Chastain – The Help
Es sollte gewinnen: Jessica Chastain oder Bérénice Bejo – The Artist
Aus irgendeinem mir unerklärlichen Grund gilt Octavia Spencer aus The Help als Favoritin. Wer also mit seinem Tippzettel auf Nummer Sicher gehen will, ist mit ihr wohl besser aufgehoben. Nur verstehe ich nicht, weshalb. Sie hat zwar die witzigste Rolle in The Help, aber das allein macht übelicherweise nicht einen Globe-Sieg aus. Zumal das meiste des Humors eher aus dem Skript kommt. Sie ist nicht schlecht, keinesfalls, aber als Gewinnerin sehe ich sie wirklich nicht. Chastain ist ähnlich witzig, macht aber auch einen ergreifenden Wandel ins tragische. Zudem spielte sie in Tree of Life mit, was man ja bei der Wahl heimlich mitberücksichtigen kann.

Bester Nebendarsteller
Es wird gewinnen: Christopher Plummer – Beginners
Es sollte gewinnen: Albert Brooks – Drive oder Viggo Mortensen – Eine dunkle Begierde

Bester nicht-englischsprachiger Film
Es sollte und wird gewinnen: Die Haut, in der ich wohne (Spanien)

Beste Regie – Kinofilm
Es wird und sollte gewinnen: Michel Hazanavicius – The Artist

Bestes Drehbuch – Kinofilm
Es wird und sollte gewinnen: Woody Allen – Midnight in Paris

Beste Musik – Kinofilm
Es wird und sollte gewinnen: Ludovic Bource – The Artist

Bester Orginalsong – Kinofilm
Es wird gewinnen: The Living Proof – The Help - Mary J. Blige
Es sollte gewinnen: Keiner der nominierten Songs. Muppets 4 Win!

Beste TV-Serie – Drama
Es wird gewinnen: Homeland
Es sollte gewinnen: Boardwalk Empire

Beste Hauptdarstellerin / TV-Serie – Drama
Es wird gewinnen: Claire Danes – Homeland
Es sollte gewinnen: *kein Anschluss unter dieser Nummer*

Bester Hauptdarsteller / TV-Serie – Drama
Es sollte und wird gewinnen: Bryan Cranston – Breaking Bad

Beste TV-Serie – Komödie oder Musical
Es wird gewinnen: Modern Family
Es sollte gewinnen: Glee

Beste Hauptdarstellerin / TV-Serie – Komödie oder Musical
Es sollte und wird gewinnen: Zooey Deschanel – New Girl

Bester Hauptdarsteller / TV-Serie – Komödie oder Musical
Es wird gewinnen: Matt LeBlanc – Episodes
Es sollte gewinnen: Johnny Galecki – The Big Bang Theory

Beste Miniserie
Es wird gewinnen: Downton Abbey
Es soll gewinnen: Mir sowas von egal ...

Beste Hauptdarstellerin in einer Miniserie
Es wird gewinnen: Kate Winslet – Mildred Pierce
Es soll gewinnen: Mir immer noch egal ...

Bester Hauptdarsteller in einer Miniserie
Es wird gewinnen: Idris Elba – Luther
Es soll gewinnen: Mir immer noch total egal ...

Beste Nebendarstellerin – TV
Es wird gewinnen: Evan Rachel Wood – Mildred Pierce
Es soll gewinnen: Mir immer noch absolut total egal ...

Bester Nebendarsteller – TV
Es wird gewinnen: Peter Dinklage – Game of Thrones
Es soll gewinnen: Wer auch immer es verdient hat.

Siehe auch:

Quentin Tarantinos Lieblingsfilme und Filmflops des Jahres 2011

2012-01-15T05:34:00.001+01:00

Quentin Tarantino hat einen sehr facettenreichen, manche würden sagen chaotischen, Filmgeschmack. Und er ist sich nicht zu fein, ihn auch stolz zu präsentieren. Dafür hat er meinen vollsten Respekt, nicht viele von Filmliebhabern so hoch angesehene Persönlichkeiten würden ohne jede Entschuldigung oder Verteidigung solch andersartige Hitlisten veröffentlichen. Sein Rückblick auf das Jahr 2010 krönte Toy Story 3 zum Film des Jahres und beinhaltete auch Rapunzel, aber dieses Mal bekommt Disney keine Rückenstärkung von Tarantino. Dennoch ist es eine bunte, interessante Mischung aus Kunst und Kommerz, Schund und Schönheit:

1. Midnight in Paris
2. Planet der Affen - Prevolution
3. Moneyball
4. The Skin I Live In
5. X-Men: Erste Entscheidung
6. Young Adult
7. Attack The Block
8. Red State
9. Warrior
10. The Artist / Our Idiot Brother [unentschieden]
11. Die drei Musketiere

Ich gerate ja schon ins schwärmen, dass Tarantino Midnight in Paris auf Rang 1 setzte, aber ich freu mich auch wie bescheuert, dass Tarantino auch Spaß an der Big-Budget-Trashperle Die drei Musketiere hatte. Dass Kevin Smiths Red State dabei ist, ist nach seinen immens lobenden Worten keine Überraschung, auch The Artist "gehört" in diese Liste. Also, meckern kann man meiner Ansicht nach nicht. Klar, meine Liste wäre anders (wird anders, ich arbeite ja weiterhin an ihr), ebenso wie die von wohl jedem, der das hier liest. Aber das ist die Natur solcher Hitlisten.

In unbestimmter Reihenfolge gefielen Tarantino auch folgende Filme sehr:

50/50
Beginners
Hugo Cabret
Die eiserne Lady
Der Gott des Gemetzels
Green Hornet
Green Lantern
Captain America
The Descendants
My Week With Marilyn
Fast and Furious Five
Tree of Life
Hangover II
Mission Impossible 4
Der Bieber
Contagion
The Sitter
Gefährten

Green Lantern dürfte für viele Comicfans äußerst überraschend kommen, Mission: Impossible 4 hingegen habe ich fast schon erwartet. Toll koordinierte Action, noch dazu aus der Hand eines Pixar-Machers, welche er ja offensichtlich respektiert ... Passt. Bei solchen schieren Arthousetiteln wie Tree of Life bin ich wiederum stets auf's neue überrascht, dass Tarantino mit ihnen was anfangen kann. Und ein dickes "Yay!", dass Der Gott des Gemetzels und Green Hornet mit dabei sind.

Ich denke, etwas mehr Stirnrunzeln und Gemecker wird aber Tarantinos diesjährige "Worst of" Liste auslösen. Seine unsortierten Filmflops lauten wie folgt:

Sucker Punch
Das Schmuckstück
Miral
Insidious
Rampart
Straw Dogs
Paranormal Activity 3
Meek's Cutoff

Manche der Filme sind zwar von 2010, aber kamen erst verspätet in die USA. Für Miral wird wohl kaum jemand einstehen, aber Sucker Punch hat seine eifrigen Verteidiger und Paranormal Activity 3 seine innigen Fans. Mich würde ja nun eine Diskussion zwischen Tarantino und Zack Snyder interessieren ...

Irgendwo dazwischen sind Tarantinos Preisträger des "Netter Versuch"-Awards:

Drive
Hannah
Drive Angry
Real Steel

Dass Drive für Tarantino nur ein netter Versuch ist, erstaunt mich dann doch sehr. Begründungen bringt Tarantino, wie gesagt, keine, aber er händigt noch Preise für die besten Drehbücher und die beste Regie aus. Die findet ihr bei QT Archives, die diese faszinierenden Listen der Öffentlichkeit preis gaben.

Empfehlenswerte Artikel:

Oscar 2012: Meine zweite "Bester Film"-Prognose

2012-01-14T19:50:00.000+01:00

Die meisten Gewerkschaftspreise gaben bereits ihre Nominierungen bekannt, die Globes stehen vor der Tür. Filme gerieten in Vergessenheit (zumindest aus Sicht der Award-Saison), andere wurden immer bedeutsamer. Ich wäre töricht, nicht langsam meine Oscar-Prognose in der Kategorie "Bester Film" revidieren zu wollen. Vieles hat sich nicht geändert, aber die Filme, die aus dem Fokus des Preissegens rutschten, müssen dennoch ersetzt werden. Hier also meine neue Oscar-Vorhersage:

Die zwei potentiellen Gewinner:

The Artist
Wer Film als Kunstform an sich liebt, wird es schwer haben, nicht auch sein Herz an diesen Film zu verlieren. Und damit ist die Oscar-Nominierung so gut wie in der Tasche, denn die Mitglieder der Academy lieben üblicherweise das, was sie so machen. The Artist feiert eine ausgestorbene Kunst, ohne altbacken (verhindere Anerkennung bei modern orientierten Mitgliedern) oder angestrengt postmodern (verhindere Anerkennung bei cineastisch konservativ veranlagten) zu sein. Fühlt sich frisch und zugleich zeitlos an. Ein Film, der sehr gut ins Oscar-Pantheon passt, ja, richtiggehend dorthin gehört!

Gefährten
Steven Spielbergs Epos mag zwar an den Kinokassen nicht ganz die Erwartungen erfüllen und unter dem vielen Kritikerlob blitzen auch ein paar harschere Verrisse hervor, dessen ungeachtet ist War Horse (der deutsche Titel ist ja mal saudämlich und unpassend) ganz großes Kino mit einer breiten Spannweite voller großer Emotionen. Man kann ihn mit Titanic vergleichen (was aus meiner Feder nicht immer gleich eine Beleidigung sein muss!), als dass es ein sehr stark auf die Tränendrüsen drückender, handwerklich perfekter Film ist, der durch die Hand seines Regisseurs anspruchsvoller scheint, als man ihn bei einer anderen Regieführung einschätzen würde. Es ist kein kluger Film, auch kein enorm unterhaltsamer (auch wenn er schon Spaß machen kann), aber einer, der ans Herz geht.
Gefährten ist traurig, und bei aller Traurigkeit noch immer sehr lebensbejahend. Es ist, Umsetzung und Handlung gleichermaßen berücksichtigt, die Form von Kitsch, die bei der Academy ankommt, die bei nicht sonderlich zynischen Cineasten plötzlich Gefallen findet, obwohl sie sonst bei solch dick aufgetragenen Filmen die Nase rümpfen. Es ist ein Film, den seine Feinde hassen, und seine Fans besonders stark lieben. So mancher wird über Gefährten die Haare raufen, aber die meisten werden ihn lieben. Es ist die Art Film, die auf dem Stimmzettel der Academy sehr, sehr häufig auf Rang 1 auftauchen wird (ein paar Mal auf Rang 2 und sonst gar nicht). Für eine Nominierung sollte das wohl reichen.

Fünf weitere sehr gute Nominierungstips:

Midnight in Paris
Eigentlich lässt sich hier meine Begründung aus der ersten Prognose wiederholen: Es ist ein magischer, anspruchsvoller und dennoch sehr kurzweiliger, ein nachdenklicher und dabei keinesfalls verkopfter, toller Film. Vielleicht ein winziges bisschen zu schräg und zu verkopft für die Academy, weshalb ich mittlerweile bei einem gesetzten Fünf-Filme-Feld etwas Angst um ihn hätte, aber bei den neuen Regeln ... Nun, ich wäre sehr geschockt, wenn Woody Allens jüngstes Werk keine Nominierung erhielte ...

The Descendants
Eine von George Clooney getragene Tragikomödie, die bei den Globes, den Screen Actors Guild Awards, und dem Preis der Produzentengewerkschafts nominiert wurde, hervorragende Kritiken erhielt und bereits einige Kritikerpreise abräumte. Regisseur Alexader Payne ist zudem noch immer wegen Sideways in guter Erinnerung.

The Help
Für The Help spricht einerseits die Thematik: Ein historisches Rassendrama, spielend in den mittleren USA, welches nebenher auch eine Position zur Emanzipation der Frau bezieht. Es basiert auf einem beliebten Bestseller und ist obendrein, und das ist der zweite große Pluspunkt, weder zu moralisierend, noch zu kitschig oder zu deprimierend. The Help ist ein ehrlicher, rührender sowie ans Gute in unserer Gesellschaft glaubender Film, der dennoch unverblümt über ein dunkles Kapitel der US-Geschichte referiert.

Moneyball
Der anfangs enorme Oscar-Buzz um dieses biographische Sportdrama hat etwas nachgelassen, und dass der Film trotz starker Darstellerriege bei den Preisen der Schauspielergilde nichtmal nominiert wurde, lässt einen auch etwas an einer Nominierung zweifeln. Dennoch: Brad Pitt, Philip Seymour Hoffman und ein endlich erwachsen werdender Jonah Hill. Ein scharfsinniges Drehbuch, enormes Kritikerlob, ein Oscar-taugliches Material und eine doch recht starke Oscar-Kampagne ... Eine Nominierung ist sehr gut möglich!

Hugo Cabret
Wenn der Kinostart ansteht, kann ich mehr dazu sagen, aber ich möchte euch trotzdem jetzt schon wissen lassen, dass ich Martin Scorseses magischen Familienfilm für ein wenig überschätzt halte. Dessen ungeachtet ist Hugo Cabret aus technischer Sicht atemberaubend. Obendrein gelingt es Scorsese, eine zeitlose Atmosphäre zu erschaffen und inbrünstig über die Magie des Kinos zu referieren. Das gefällt, das verzaubert. Es hat seine erzählerischen Macken, dennoch konnte Scorsese die meisten Kritiker und Kinogänger um den Finger wickeln.

Der achte Rang

Im Dezember veröffentlichte The Wrap einen wahnsinnig spannenden Artikel darüber, weshalb es höchst wahrscheinlich dazu kommen wird, dass die Academy dieses Jahr acht Nominierungen in der Oscarkategorie "Bester Film" geben wird (siehe hier). Da die guten Jungs dieser Branchenseite mehr Ahnung von ihrer Sache haben als ich, und ihre Argumente bestechend sind, schließe ich mich diesem Tipp an. Mein Problem: Ich halte sieben Filme für sehr sichere Kandidaten. Und der Rest meiner potentiellen Oscar-Kandidaten darf sich nun um den achten Rang prügeln.

Da wäre Drive, ein außerordentlich hoch gelobter, genial gespielter und intelligenter Actionthriller. Kein klassisches Oscar-Material, aber manchmal durchbricht die Inszenierung die Genregrenzen. Deutlich klassischeres Oscarmaterial wäre das Politdrama/der Politthriller Ides of March, wenn der Film nicht so zähflüssig und pessimistisch wäre. So kommt es, , dass ich ihn nicht ohne inneren Tumult als Oscar-Kandidaten sehen kann. Der einst so sichere Kandidat Extrem nah und unglaublich laut fiel bei den Kritikern und dem Publikum durch, weshalb diese durchkalkulierte Tränenziehernummer sehr zu meiner Schadenfreude nur noch ein unwahrscheinlicher Oscar-Kandidat ist. Ähnliches gilt für Clint Eastwoods J. Edgar, der eher misslungen sein soll. Harry Potter 7.2 hat den gesamten Preisverleihungszirkus bislang verschlafen, so dass es mir scheint, dass die Academy diese Kinosaga höchstens mit ein paar handwerklichen Preisen abspeisen wird. Wenn überhaupt. Wenn man in der Branche das Verlangen hätte, Harry Potter zu prämieren, wäre er schon längst für ein paar zusätzliche Preise nominiert worden.

Verblendung tauchte bei den Produzenten-Awards auf und brachte David Fincher eine Nominierung bei den Preisen der Regiegilde ein, was ihn weiterhin auf der sinnbildlichen Oscar-Landkarte hält. Eigentlich hätte ich ihn mittlerweile aus meiner Oscar-Prognose (für die Hauptkategorie) rausgenommen, da es doch im US-Branchenkosmos recht leise um ihn wurde und David Finchers Thriller auch nicht ganz den "Wumms!" hat, den er mit seiner Trostlosigkeit bräuchte, um trotz seiner Andersartigkeit bei den Oscars gute Aussichten zu haben.

Dame, König, Ass, Spion hat leider jeglichen Hype um ihn verloren. Dieser sehr kühle Thriller bräuchte aber so etwas wie Buzz, da er kein Film ist, der einen emotional so sehr packt, dass man sofort an ihn denkt, wenn es um die Nominierungen geht. Er gehört eher in die Sparte "gelungener Film ... an den man erinnert werden muss, um für ihn zu schwärmen". Dennoch, jene, die ihn gut finden, finden ihn sehr gut. Und dann wären da natürlich die Arthouse-Titel des Jahres 2011: Shame, Melancholia und Tree of Life. Während ersterer (von der NC-17-Jugendfreigabe in den USA abgesehen) eh keinen großen Wirbel auslöste, legte sich der um die letzten beiden gegen Ende des Kinojahres. Und, so sehr ihre Fans für diese Filme kämpfen: Sie sind keinesfalls Oscar-Material. Solche Kunstware läuft in Cannes gut, aber die Academy mag ihre Geschichten generell weniger verkopft und assoziativ. Antichrist wurde lauter umjubelt als Melancholia, und erhielt keine Oscar-Nominierung, und Tree of Life ist ein Film, der entweder geliebt oder gehasst wird. Man kann zwar nicht gegen ihn stimmen, aber er dürfte im Gegensatz zu Werken wie The Help keine zusätzlichen Stimmen erhalten, indem er auf Platz 4 oder 5 einer Nominierungsliste auftaucht. Entweder man setzt ihn nach ganz vorne, oder man hält ihn für schalen Hokuspokus. Stellt sich nur die Frage: Gibt es genug Academy-Mitglieder, die Tree of Life auf ihrem Zettel vor The Artist oder Gefährten setzen?

Ich lehne mich, zumindest im Moment, sehr weit aus dem Fenster, und tippe deshalb auf Drive. Auch wenn kaum ein Indikatorpreis darauf hindeutet. Es ist reines Bauchgefühl, und bis Ende dieses Monats, wenn meine endgültige Prognose ansteht, ändert es sich vielleicht. Aber im Moment sitzt Ryan Goslings cooles Thrillerdrama auf dem achten Rang meiner Prognose.

Wenn es zehn Filme werden:

Auf Rang 9 meiner Prognose setze ich den mehrfach Globe-nominierten Ides of March, auf Nummero 10 Verblendung, der bei den Producers Guild Awards mit im Rennen ist.

Meine komplette Liste lautet also: The Artist, Gefährten, Midnight in Paris, The Descendants, The Help, Moneyball, Hugo Cabret und Drive (sowie Ides of March und Verblendung). Ich hab kein gutes Gefühl dabei, aber umso größer ist dann die Freude, sollte es trotzdem stimmen!

Weiterführende Artikel:

Die Pastorale

2012-01-14T11:06:00.057+01:00

„Fantasia is timeless. It may run 10, 20 or 30 years. It may run after I'm gone. Fantasia is an idea in itself. I can never build another Fantasia. I can improve. I can elaborate. That's all.“ - „We all make mistakes. Fantasia was one, but it was an honest mistake. I shall now rededicate myself to my old ideals.“
- Walt Disney

Ganz im Sinne dieser geradlinigen Beurteilung seines Schöpfers möchte ich in dieser Artikelreihe Im Schatten der Maus Walt Disneys zeitlosen Fehler näher beleuchten:

Fantasia – Die Elemente eines Meisterwerks

Diesmal kommt es zu einer wahren Sensationsausgabe. Sie beschäftigt sich mit ausgetauschten Komponisten, herausgeschnittenen Darstellern und dem am höchsten kritisierten Stück des Films: Die Pastorale

Auf der Suche nach geeigneten Stücken für Fantasia gelangte das Ballett Cydalise et le chèvre-pied von Gabriel Fierné schnell in den Fokus des Disney-Studios. Es schien sich gut für eine Verarbeitung zu eignen und bald fingen die Zeichner an, Figuren und Konzepte zu entwickeln, um das in der griechischen Mythologie angelegte Werk originalgetreu darzustellen.
Die Bilder und Ideen fanden allgemein großen Anklang, doch während der Besprechungen wurde mehr und mehr klar, dass Fiernés Stück zu kurz und zu undramatisch war, um das Potential der entwickelten Figuren voll auszuschöpfen.

So wurde schließlich eine Entscheidung getroffen: Ein anderer Komponist musste her. Eine Zeit lang stand die Frage im Raum, ob man ein zeitgenössisches Werk suchen oder sogar einen Komponisten anstellen solle, ein entsprechendes Stück zu schreiben. Doch nach einigen Wochen des Hin- und Herüberlegens wurde schließlich der Entschluss gefällt, Ludwig van Beethovens Sechste Sinfonie für das Segment zu verwenden, die Pastorale.

Diese Idee galt allgemein als kühnes Vorhaben und Disney erntete selbst aus den eigenen Reihen viel Protest. Selbst Strawinski war dagegen und meinte, Beethovens Musik sei zu berühmt und die Art der Verwendung zu trivial. Dazu sagte Disney nur souverän: „This will make Beethoven.“
Diese Einschätzung mag hochgegriffen sein, aber für viele Menschen - die Autorin dieser Zeilen inbegriffen - war Fantasia die erste Einführung in Beethovens Werk.

Als die Entscheidung einmal gefallen war, war es ein Leichtes, die vorgefertigten Olympischen Ideen in Beethovens Landschaftsidylle zu versetzen. Die Pastorale ist eines der wenigen Programmstücke Beethovens und erzählt in fünf Abschnitten die Geschichte eines idyllischen Tages auf dem Lande mit der Ankunft, Szenen am Fluss, einem Fest, einem Gewitter und dem beschaulichen Ausgang. Bedenkt man die Umstände, so kann man sagen, dass sich Disneys Version erstaunlich nahe an die originale Intention des Stückes gehalten hat.
Walt Disney sagte selbst, er wolle die eigentliche Pastorale darstellen - nur eben auf eine Weise, wie sie nur im Zeichentrick und nicht auf der Bühne möglich wäre.

Das Segment beginnt mit einem idyllischen Morgen auf dem Olymp, und durch die ersten Einhörner, die nicht einfach erscheinen, sondern langsam eingeblendet werden, wird sofort das Traumartige der gesamten Idee unterstrichen. Schnell wird klar, dass hier nicht die Hallen der Götter und die üblichen Olympischen Schauplätze gezeigt werden, sondern die Umgebung, in der die mythischen Wesen leben und ihre Zeit verbringen.
Für den Art-déco-Stil, in dem die Götterwelt entworfen wurde, waren dieselben Leute verantwortlich, die später die Pläne für Disneyland entwerfen sollten.

Das Erscheinen von Pegasus und seiner Familie war das erste Mal, dass ein fliegendes Pferd im Film dargestellt wurde - nicht nur auf der großen Leinwand ein atemberaubender Anblick.
Die Animation der fliegenden Pferde stellte die Zeichner vor ganz unerwartete Fragen, wie die nach der genauen Flügelbewegung, oder wie solch ein Tier im Wasser aufkommen würde. Walt Disney selbst entschied, dass sich die Pferde im Wasser wie Schwäne bewegen sollten, mit Flügeln, die über dem Rücken majestätisch aufgestellt bleiben.

Unter den vielen Konzeptbildern von ungenutzten Ideen und Figuren sind auch einige Zeichnungen von Nixen und Wassernymphen. Es ist wohl anzunehmen, dass ein paar dieser Bilder zur Inspiration für das erste Erscheinen der Zentaurinnen wurden.
Der Moment der ersten Begegnung mit den Zentaurinnen spielt sanft mit den Erwartungen der Zuschauer, während er eine langsame Metamorphose darstellt: Von der Blüte auf dem Haupt des einsamen Mädchens über den Reigen der badenden Grazien, die sich als nicht menschlich herausstellen, bis schließlich zur vollen Enthüllung der ersten Zentaurin.
Diese unvergleichliche Szene ist einer der Gründe, warum ich die erweiterte Erklärung, die Taylor in der neuesten (und ursprünglichen) Fassung des Films zu dem Segment abgibt, nicht mag. Der Eindruck, den diese Szene hinterlässt, ist so stark, dass ich mich heute noch an meine Gedanken während des ersten Males erinnern kann und ich kann nur vermuten, dass Taylors im Vorhinein gegebener Hinweis auf das Kommende den Zauber der Szene für einen erstmaligen Zuschauer trüben würde.

Auf einem anderen Blatt steht, dass Taylor die Zentaurinnen (engl. centaurettes) implizit als völlig neue Schöpfung Disneys darstellt. Dabei sind solche Wesen naturgemäß praktisch so alt wie die Darstellung der Zentauren selbst.

Als Zentauriden oder Kentauriden wurden sie schon von Ovid erwähnt und auch in Shakespeares „König Lear“ werden weibliche Zentauren beschrieben, obwohl sie dort keine eigene Bezeichnung tragen.

Nach einem Blick auf Disneys Version der Fabelwesen dürfte klar sein, dass wir es hier mit dem Werk von Fred Moore zu tun haben, dem Künstler, der in den Studios bekannt für seine lasziven Mädchen- und Frauengestalten war. Was die Gewagtheit der Zeichnungen angeht, so konnte sich Moore wohl in keinem Film mehr verwirklichen, als bei diesen jugenlich-sinnlichen, nackten Körpern - auch wenn die fertigen Bilder gegenüber den Zeichnungen sogar noch ein wenig entschärft wurden.
Die gleiche „Entschärfung“ dürfte es allerdings sein, die den männlichen Zentauren einiges von ihrem Potential genommen hat. Sie sehen zart und beinahe weibisch aus und die nackten, konturlosen Oberkörper geben ihnen stellenweise ein gummiartiges Äußeres.
Vielleicht wäre für die männlichen Gegenstücke der Zentaurinnen ein anderer Zeichner als Moore geeigneter gewesen. Speziell Bill Tytla drückte großes Interesse an dieser Aufgabe aus; ihm schwebten „große Hengste mit dunklen, mediterranen Gesichtern“ statt der „kastrierten Pferdchen mit angelsächsischen Köpfen“ vor. Stattdessen wurde er von Walt Disney zur Animation von Chernabog im letzten Segment des Films eingeteilt. Dessen dunkles Äußeres und seine animalische Kraft können einen Eindruck vermitteln, was Tytla aus den Zentauren hätte machen können.

Den gleichen Kontrast von Konzeptbildern und fertiger Animation trifft man auch bei den Göttergestalten, insbesondere Bacchus und Vulkan an. Spielten die ursprünglichen Bilder noch mit einer Mischung aus Ernsthaftigkeit und Karikatur, so sind die beiden im fertigen Film zu reinen Cartoons geworden.

Nebenbei sollte man den Namen von Bacchus‘ Esel-Einhorn erwähnen, Jacchus. Zum besseren Verständnis bitte englisch aussprechen ;-)

Zeus selbst - da die Götter von Taylor in beliebiger griechisch-römischer Mischung angekündigt wurden, passe ich mich hier seinen Bezeichnungen an - tritt mit eher ungewohnter Charakterisierung auf, die eher an den überschwänglichen germanischen Donnergott erinnert. Vielleicht ist dies sogar eine der Inspirationen für die ebenso untraditionelle Darstellung in Disneys „Hercules“.

Es folgt eine beeindruckende Sturmszene, die natürlich perfekt mit Beethovens Unwetter zusammenpasst, eine Hommage an das Bild „Der Sturm“ von Pierre-Auguste Cot und der wohl größte Weinfluss, den man bei Disney je erleben wird - abgemildert nur durch die Tatsache, dass seit dem Zerstampfen der Trauben wohl noch keine allzu große alkoholische Gärung eingesetzt haben dürfte.
Wir sehen, was wirklich am Ende des Regenbogens liegt, und betrachten die Spiele der Cherubim im Wasser, die verdächtig an die Silly Symphony „Waterbabies“ erinnern. Nun hat eine Auswahl der populäreren Götter noch ihren großen Auftritt, und spätestens bei Apollos Himmelsfahrt sollte klar sein, dass Beethovens Genie und die griechische Götterwelt wirklich eine beeindruckende Kombination abgeben.

In einem der letzten Bilder des Segments sieht man Melinda und Brutus, das blaue Zentaurenpaar, eng aneinandergeschmiegt unter einem Baum schlafen. Auffällig an diesem Bild ist, dass nun Melindas Haare erstmals offen hängen und sie damit das einzige Kleidungsstück, dass sie trug, verloren hat. Dadurch gewinnt das Idyll meiner Meinung nach eine reizende Implikation.
Gegen diese Deutung könnte man natürlich auf die kleinen Faune hinweisen, die unschuldig zwischen ihnen liegen. Nach einer kurzen Erinnerung an die mythische Bedeutung von Faunen sollte allerdings klar sein, dass diese Wesen als Anstandshüter denkbar ungeeignet sind ...

Was übrigbleibt ist das, was die Amerikaner als einen „Elefant im Raum“ bezeichnen - wie könnte man einen Beitrag über die Pastorale schreiben, ohne auf Sunflower und ihre weniger populäre Schwester Otika zu sprechen zu kommen?
Auch wenn auf diesem Plakat praktisch keine Farbe korrekt dargestellt ist: Ja, das dort ist ein kleines schwarzes Zentaurenmädchen, das ihrer Herrin die Schleppe hinterherträgt.

Es handelt sich um Sunflower, eine schwarze Zentaurin, die als Dienerin oder Gehilfen der älteren Zentaurinnen eine kleine Rolle hat. Sie und Otika kommen in insgesamt vier kurzen Szenen vor, die seit Ende der sechziger Jahre konsequent aus allen Veröffentlichungen des Film herauszensiert sind - so drastisch, dass eine Zeit lang nicht einmal ihre Existenz als bewiesen galt.

In Zeiten des Internets ließ sich dieses vollständige Verschweigen nicht mehr aufrechterhalten, und so wird Sunflower zumindest in einem der Audiokommentare auf der neuen Blu-ray erwähnt - mit dem Hinweis, dass es für Geschichtsinteressierte sicher genug Möglichkeiten gibt, an die gewünschten Informationen zu kommen.
Deutlicher kann Disney kaum auf YouTube und Bootlegs verweisen ...

Da die Bilder und die Musik in Fantasia eine perfekte Einheit bilden, war es mit größeren Schwierigkeiten verbunden, die beiden Mädchen unbemerkt aus der Szene zu schneiden.
In der Version auf der alten SC-DVD wurden sie soweit möglich aus dem Bild herausgezoomt, und wo Schnitte unvermeidbar waren, wurde das Bildmaterial durch Spiegelung und Wiederholung auf die benötigte Länge gestreckt.
Die neuere Fassung, die auf der neuen DVD und der Blu-ray zu finden ist, macht sich die Mühe, die zwei Zentaurinnen Bild für Bild herauszuretuschieren und lässt so das Original so unangetastet wie möglich. Leider ist für zwei Sekunden auch hier die Wiederholung einer Szene nötig, die zwar kürzer ist, aber dafür stärker auffällt als in der alten Version.
Im Übrigen gibt es nach Videos auf YouTube noch mindestens eine weitere Schnittversion, in der auch hauptsächlich gezoomt wird.

Bei den folgenden Vergleichsbildern ist jeweils links das Original, in der Mitte die ältere SC-Fassung und rechts die neuere Blu-ray-Fassung zu sehen.

Diese Szene stellt für die Retuschierung die größte Herausforderung dar:
Da Sunflower alleine im Bild ist, lässt sich das Material weder zoomen noch retuschieren, daher die unglücklichen Wiederholungen der zensierten Versionen. in der SC-Version wird später eine Einstellung der männlichen Zentauren wiederholt, in der Blu-ray-Fassung fährt sich die gelbe Zentaurin später mit der gleichen Geste zweimal durch das Haar.
Beide Maßnahmen führen dazu, das Bild und Ton einige Szenen lang leicht verschoben sind - da sich währenddessen die Zentaurinnen aber nur leicht zur Musik bewegen, fällt diese Verschiebung praktisch nicht auf.

Während Sunflower wirklich vollkommen aus dem Film geschnitten wurde, hat es Otika zumindest zwei Bilder lang in die SC-Version geschafft:

Mit zeitgerecht gedrückter Pausetaste kann man hier zumindest ein Stückchen ihres Hinterteils entdecken. Die neue Fassung hat allerdings auch diese Winzigkeit behoben.

Es sollte auf einen Blick klar sein, warum Sunflower und Otika aus dem Film herausgeschnitten wurden. Ihr Darstellung ist nach heutigen (soll heißen, objektiven) Standards definitiv rassistisch; sie sind eindeutige Karikaturen von schwarzen Dienst- oder Sklavenmädchen, die ihren schöneren kaukasischen Herrinnen untergeben sind.
Allerdings ist die Sache im Kontext der Zeit zu sehen. Diese Art der Darstellung war damals nicht ungewöhnlich und man könnte sagen „nicht böse gemeint“. Die Mädchen werden nicht ausgenutzt; sie scheinen ihre Aufgabe gerne und pflichtbewusst zu übernehmen. Ein wohl noch wichtigerer Rehabilitationsgrund ist der, dass die beiden dunklen Zebra-Zentaurinnen, die Bacchus begleiten, ebenso schön und grazil aussehen, wie der Rest der Damen.

Die aktuell interessantere Frage ist wohl, wie diese Art der Zensur auf den aktuellen Medien zu bewerten ist. Es handelt sich um die übliche Frage: Sollte man Fehltritte der Vergangenheit lieber verstecken, oder mit einer Entschuldigung versehen eingestehen? Offensichtlich hat sich Disney wie auch bei dem berühmt-berüchtigten Film „Onkel Remus‘ Wunderland“ für ersteres entschieden.
Ein idealer Ansatz sähe wohl anders aus. Auch wenn die unzensierte Version als „nicht kindgerecht“ angesehen werden könnte, sollte das Original für interessierte Zuschauer doch verfügbar bleiben - und das wenn möglich in besserer Qualität, als sie Bootlegs mit alten Fernsehaufnahmen bieten können.

Zum Start von Fantasia war die Pastorale das am heftigsten kritisierte Segment des Films. Es wurde als eine Trivialisierung von Beethoven bezeichnet und als respektloser Umgang mit klassischer Kunst.
Zweifelsfrei war die Kombination von Beethoven, griechischer Mythologie und Disneys Zeichentrick ein kühnes Vorhaben. Es ist wohl nicht unwahrscheinlich, dass Beethoven selbst, hätte er die Gelegenheit, das Ergebnis als Kitsch verdammen würde.

Natürlich wird in Fantasia nicht Beethovens Heimatlandschaft oder eine griechische Sagenwelt dargestellt, sondern ein rein amerikanischer Märchen-Olymp. Aber das ist eben die Weise, auf die Disney-Filme funktionieren, eine wirkungsvolle Mischung aus Stilisierung und Verherrlichung.
Statt weiter nach der originalen Intention der Künstler und Komponisten zu fragen, bietet die Pastorale vielleicht Gelegenheit für die Überlegung, inwieweit es jeder Kunstgattung erlaubt sein muss, sich über festgelegte Konventionen der „alten Meister“ hinwegzusetzen, um neue, unerwartete Kunst zu schaffen.

Bank Job

2012-01-13T13:26:00.179+01:00

Bevor ich Bank Job sah, wusste ich kaum etwas über diesen Film. Es geht um einen Bankraub, Jason Statham spielt mit und die Kritiker fanden ihn wohl ziemlich gut. Basierend darauf, aus welcher Art von Filmen ich Statham sonst kenne, erwartete ich einen sehr rasanten, actionreichen Bankraub-Thriller. Was ich stattdessen bekam ist ein spannender, ruhig erzählter Thriller, der sich britischer Skandale und einem mysteriösen, wahren Banküberfall annimmt. Und Jason Statham hat verflucht viel Text! So, für seine Verhältnisse. Und er hat nicht nur coole Oneliner!

Bank Job spielt im Jahr 1971. Die Handlung wird in Gang gesetzt, als der Werkstattbesitzer und geläuterte Kleinkriminelle Terry seine alte Freundin Martine Love trifft. Diese erzählt von ihrem letzten Urlaub, und wie sie aus sicheren Quellen erfahren hat, dass eine Londoner Bank derzeit große Sicherheitsmängel aufweist. Obwohl Terry und seine alte Bande nur kleine Dinge drehte, schlägt Martine vor, dass sie alle zusammen über sich hinauswachsen und in diese Bank einsteigen. Zunächst zweifelnd, willigt Terry letztlich ein und trommelt die für einen Einbruch nötige Mannschaft an "Spezialisten" an. In Wahrheit verfügen sie alle aber nur über gefährliches Halbwissen ...
Parallel dazu zeigt der Film Ausschnitte aus der Londoner Unterwelt und den korruptesten Winkeln von Vater Staat. So gerät der Drogenschmuggler Michael X, der sich selbst ein Image als schwarzer Bürgerrechtler aufbaute um seine Machenschaften vertuschen zu können, ins Visier der Geheimdienste, nachdem er sich äußerst unzüchtig mit Prinzessin Margaret gebierte. Diese Handlungsfäden finden im Laufe des Films auf schlüssige sowie für viel Spannung sorgende Weise zusammen ...

Bank Job zeigt, wie man den Terminus "inspiriert von einer wahren Geschichte" korrekt verwendet. Es gibt bessere Filme über echte Begebenheiten, und auch historisch akkuratere. So lange wir uns aber von semidokumentarischen Spielfilmen wegbewegen, und unseren Blick auf Filme lenken, die auf Basis einer wahren Geschichte eine spannende, eigenständige Handlung entwickeln wollen, geht dieser britische Heistmovie einen löblichen Weg. Ehe mich die vier Sanctum-Fans steinigen, die den von James Cameron produzierten B-Thriller mit einer Passion verteidigen, die sich sonst den Verehrern eines langlebigen und komplexen Franchises wie Star Wars geziemt:
Bank Job basiert auf einem legendären Kriminalfall, der die Medien und Behörden Großbritanniens auch Trab hielt, bis die Regierung ein Dekret erließ, welches die Berichterstattung klein halten sollte. Die Akten sind noch immer unter Verschluss, die Hintergründe des Banküberfalls wurden öffentlich nie näher beleuchtet. Roger Donaldsons Thriller lässt sich als ein Stück spekulativer Fiktion verstehen, dass einen verbrieften, wahren Fall nimmt und lautstark über die im Dunkeln liegenden Geschehnisse reflektiert, indem er wagemutig Verbindungen zu Skandalen zieht, die sich im selben Zeitraum ereigneten.

Sanctum hingegen bezeichnet ein einen kreativen Geistesblitz begleitenden Moment als wahre Begebenheit, auf der die Filmgeschichte basiert. Das ist ein rekordverdächtiger Sprung von dramaturgischer Bearbeitung echter Ereignisse hin zu glattem Marketingbetrug. Am Autor von Sanctum zog mal ein Sturm vorbei, es geschah nichts tragisches, und so kam er auf die Idee, einen Thriller über Höhlentaucher und einen tropischen Sturm zu schreiben. Wenn mir während meiner gemütlichen Autofahrt zum nächstgelegenen Bahnhof die Idee zu Crank 3: Nun mit mehr Explosionen als die letzten drei Michael-Bay-Filme zusammengerechnet kommt, renne ich auch nicht durch die Weltgeschichte und schreie "basiert auf wahren Begebenheiten!" Wenn ich aber aufzeige, wie eine schlagzeilenträchtige Verschwörung hätte ablaufen können ...

Und tatsächlich sind die Mutmaßungen, die die Drehbuchautoren Dick Clement und Ian La Frenais anstellen plausibel sowie sehr filmtauglich. Es gibt einige völlig unerwartete Wendungen, genauso wie sich ganz offensichtlich anbahnende Twists, die wie ein Damoklesschwert über den trotz gewisser Sympathie durchgehend gebrochenen Hauptfiguren schweben. Es könnte tatsächlich so ähnlich abgelaufen sein, ist vor allem aber auch Stoff für einen Diebstahl-Thriller, der auf den glatten Style und den glänzenden Humor von Ocean's Eleven oder The Italian Job verzichtet, um etwas dreckig-realistischer an das Heist-Konzept heranzugehen. Es fühlt sich sehr kurios an, so etwas zu schreiben, aber ja, Jason Statham spielt in einem "erwachseneren", "bodenständigeren" britischen Gegenpart zu George Clooneys Starvehikel Ocean's Eleven die Hauptrolle.

Die Figuren sind allesamt den Genreansprüchen gemäß mehrschichtig geschrieben, allerdings haben die Autoren über diesem Streben nach Authentizität versäumt, ihre Figuren auch mit genügend herausstechenden Merkmalen zu versehen. Letztlich sind die Bankräuber rund um Terry zwar sympathisch und realistisch makelbehaftet, allerdings verschwimmen nach Filmsichtung bereits alle Nicht-Jason-Statham-Kerle miteinander. Was den einzelnen Figuren an Denkwürdigkeit fehlt, hat aber die gesamte Gruppe zu bieten: Statt der üblichen Gentlemen-Verbrecher oder den raubeinigen Mistkerlen bietet Bank Job eine Truppe von Kleinverbrechern, die durch Zufall die Chance für einen großen Knall erhält, aber eigentlich weit, weit unter dem dafür nötigen Niveau liegt. Was für eine sehr reizvolle Dynamik sorgt.

Jason Statham muss in Bank Job seine wohl schwerste Rolle meistern, was ihm auch gelingt. Man kauft ihm den überforderten, bauernschlauen Kleingangster auch in den unsicheren Momenten ab. Dennoch finde ich Statham in Crank und Transporter cooler und somit besser. Anspruch muss nicht immer alles sein.

Auch der audiovisuelle Stil weiß zu gefallen: Roger Donaldson pflegt on Bank Job eine bodenständige, unaufgeregte Inszenierung, die dennoch einen unübersehbaren 70er-Touch hat. Statt allerdings den Zuschauer mit dem 70er-Flair zu erschlagen, wird generell eher beiläufig durch gut ausgewählte Kostüme, einem genialen Soundtrack (unter anderem mit Get It On und Lola) sowie authentischen Drehorten ein Gefühl für diese Ära vermittelt. Bloß in der korrupten Unterwelt zeigen absurd freizügige, weibliche Bedienstete mit 70er-Matten (und damit meine ich nicht das Haupthaar) etwas offensiver, dass wir uns um die vierzig Jahre in die Vergangenheit bewegen.

Was Bank Job davon abhält, von einem guten Genrevertreter zu einem absoluten Pflichtfilm seiner Art aufzusteigen, ist neben den genannten, einzeln betrachtet eher undenkwürdigen Figuren auch die Erzählweise des Films. Phasenweise werden die interessanteren Elemente, wie etwa der die Räuber abhörende Amateurfunker, zurückgestellt, um weniger packende, generellere Gespräche zwischen den Figuren auszuwalzen. Es sind immer wieder nur Kleinigkeiten, die den zuvor fesselnden Film kurz etwas weniger packend dastehen lassen, aber es summiert sich nunmal.

Trotzdem ist Bank Job eine hervorragende britische Produktion mit einem Jason Statham, der weiterhin in seinem Element ist, nur halt längst nicht so wild und aufgedreht, wie in seinen unterhaltsamsten Filmen.

Siehe auch:

Morning Glory

2012-01-12T12:41:00.000+01:00

Eine von Alias-Schöpfer J.J. Abrams produzierte Komödie? Was kann das nur geben? Erfährt die weibliche Hauptfigur nach halber Laufzeit, dass ihr Vater ein Geheimagent ist und sich ihre Mutter in schwarzen Rauch verwandeln kann? Und entdeckt unsere Protagonistin in den letzten zehn Filmminuten eine Zeitmaschine, mit der sie nicht nur den halben Film ungeschehen macht, sondern auch die Mondlandung, den Fall der Mauer und die Produktion von Cinderella III?

Nein, nein, nein. Morning Glory riecht nicht nach dem Stoff, aus dem der übliche Abrams-Stoff ist. Einzige Ausnahme bilden die Vorspann-Credits, welche die Namen der zentralen Darsteller und Crew-Mitglieder in Form von Lensflares auftauchen lassen. Und das ist bei diesem Titel und dem Thema durchaus gerechtfertigt. Denn Morning Glory ist eine sonnige Komödie über eine Frühstücksfernsehen-Produzentin.

Becky Fuller (Rachel McAdams) ist eine junge, aufgeweckte Lokalfernsehproduzentin, die trotz unbändiger Arbeitswut von ihren Kollegen bei einem Morgenmagazin in New Jersey geliebt wird. Umso schwerer fällt es ihrem Chef, sie aufgrund finanzieller Probleme des Senders vor die Tür zu setzen. Händeringend sucht Becky nach einer neuen Stelle und bekommt nach zahlreichen Absagen eine Chance bei Daybreak, dem quotentechnisch letztplatzierten US-weit übertragenen Frühstücksfernsehmagazin. Wie es senderintern beschrieben wird: "Es hat nur 2 Sorten von Zuschauern: Die, die ihre Fernbedienung nicht mehr finden, und die, die darauf warten, dass der Pfleger kommt und sie umdreht."

Mangels Alternativen nimmt Becky das Stellenangebot an, woraufhin sie mit dem unengagierten, exzentrischen und unkooperativen Team der Sendung konfrontiert wird. Zu allem Überfluss muss Becky als eine ihrer ersten Arbeitshandlungen nach einem neuen Co-Moderator für die eitle Ex-Schönheitskönigin Colleen Peck (Diane Keaton) Ausschau halten. Da sämtliche andere Alternativen unzumutbar sind, greift sie auf den grimmigen Starjournalisten Mike Pomeroy (Harrison Ford) zurück. Dieser hält sich für zu schade, um im Frühstücksfernsehen zu versauern, und macht der um ihren Job und akzeptable Quoten ringende Becky das Leben schwer ...

Irgendwo zwischen lebensbejahendem "Slice of Life"-Film und liebenswertem Seitenhieb auf die Medienwelt ist Morning Glory eine dieser immer rarer werdenden, erfrischen leichtfüßigen Komödien, die einem einfach ein Strahlen aufs Gesicht zaubern. Ohne auf Niveaulosigkeiten zurückzugreifen oder den Intellekt des Publikums zu unterschätzen schafft Regisseur Roger Michell (Notting Hill) einen amüsanten, gutherzigen Film, der gewiss ein weibliches Publikum ins Visier nahm, aber dank seines geschlechterübergreifenden Charmes ganz universell vergnügt. Dank der Natürlichkeit des Ensembles und einer vor jeglicher Überdramatisierung zurückschreckender Erzählweise empfinde ich Morning Glory bei all seinem "Feel Good"-Faktor auch niemals als zu zuckrig oder kitschig, selbst wenn er bei weitem kein Film für Tage ist, an denen man seinen inneren Zyniker ausleben möchte.

Am meisten wird Morning Glory von Rachel McAdams (Midnight in Paris) geschultert, die als richtiges Energiebündel auftritt. Ungeheuerlich engagiert spielt sie die liebenswerte Quasselstrippe Becky, die fest an ihren Traum, als landesweit agierende Fernsehproduzentin arbeiten zu können glaubt, und sich mit einem Lächeln in der Arbeit festbeißt. McAdams legt genügend leise Zwischentöne in ihr Spiel, so dass Becky sehr gut als Identifikationsfigur fungieren kann, statt bloß eine x-beliebige Protagonistin aus einer Hollywoodkomödchen zu bleiben.

Wem das nicht genügt, findet in Harrison Ford einen weiteren guten Grund, Morning Glory eine Chance zu geben: Ford macht als grumpeliger, alter Mann eine richtig gute Figur, da er sich klar als Antagonist Beckys sonnigem Naturell positioniert, ohne ins widerliche abzugleiten. Er hat was von Statler & Waldorf, wären sie renommierte Nachrichtensprecher, die im für sie falsche Sendeformat festgehalten werden.

Sehr viel Charme des Films wird auch dadurch gewonnen, wie leichtgängig und zugleich clever er sich dem medialen Wettstreit zwischen unterhaltsamem Fluff und ernstzunehmenden Nachrichten nähert. Beckys Frischzellenkur für Daybreak führt nach einiger Zeit äußerst engagiert in eine Richtung, die auf inszenierte, telegene Momente setzt, darauf, den Fernsehzuschauern einen schwungvollen Start in den Tag zu bieten. "Nachrichten" lassen sich Beckys spätere Ideen kaum noch nennen, jedoch zeigt sie eine so ehrliche Motivation, eine so ansteckende, kindliche Freude an ihrem Programm, dass man sich nicht gegen sie stellen mag. Nimmt oberflächliches und inszeniertes Fernsehen mit Reality-Formaten wie Mitten im Leben in der Realität doch eine giftig-kalkulierte Natur an, die nichts von Beckys lebensfrohem Morgenmagazin hat.
Jedoch ist es Pomeroys journalistische Integrität, die unseren Respekt erhält, der wir einen Erfolg wünschen, weil es seine enthüllenden und informativen Berichte sind, die wirkliche Bedeutung haben. Dadurch, dass der zuvor nur als grimmiger Altherr gezeichnete Figur solch lobenswerte Absichten hat, lernen wir sie neu und besser kennen, nämlich als einen ideellen Gegenpart zu Becky.

Ob Morning Glory schlussendlich einfach nur eine glücklich machende Komödie ist, die nebenher gar nicht mal so dumm das Fernsehgeschehen kommentiert und andeutet, wie man Quote und Anspruch, Menschlichkeit und Informativität unter einen Hut bringen könnte, oder ob der Film sogar als amüsante Hommage an Journalismusformen zu verstehen ist, die ihren Rezipienten ein Wohlgefühl schenken können, ohne jeglichen Gehalt missen zu lassen ... Darüber vermag ich nicht mit Klarheit zu urteilen.

Sicher bin ich mir aber darin: Morning Glory setzt nicht auf Kalauer oder Schenkelklopfer, sondern den ein wenig ruhigeren, herzlichen Witz. Mit einer herrlich unkomplizierten, zuckersüßen Lovestory, einer großartigen, aufgeweckten Rachel McAdams und einem effektiven, unaufdringlichen sowie sehr schönen Finale lässt sich diese Produktion von J. J. Abrams jedem empfehlen, der nach einer aufmunternden, kleinen Hollywoodkomödie sucht.

Empfehlenswerte Artikel:

52 Songs #28: Kälte

2012-01-12T12:31:00.000+01:00

Zum Thema Kälte, das bei 52 Songs derzeit gefragt ist, kam mir als erste Textstelle "Mir ist kalt ... sooo kalt" aus Rammsteins Keine Lust in den Sinn. Jedoch hatte ich keine Lust, diesen Song zu posten. Jedoch kam mir als direkte Assoziation Ohne dich, und damit bin ich voll und ganz zufrieden: Ein eisiges Video, kalte emotionale Lage, kühler Klang ... Ja, so klingt Kälte:

Rammstein - Ohne Dich von lelie

Transporter III

2012-01-11T19:58:00.076+01:00

Frank Martin hat sich aus dem Geschäft für gefährliche Transporte zurückgezogen und will einfach nur noch abschalten. Doch eines Nachts kracht ein gepanzerter, schwarzer Audi volles Tempo in sein Haus. Am Steuer sitzt ein befreundeter Kollege, der bald darauf das zeitliche segnet. Im Auto befindet sich eine schweigsame, lasziv bekleidete Osteuropäerin namens Valentina, die sich weigert, Frank über das Geschehene aufzuklären. Die Auftraggeber von Franks Kollegen erpressen nun Frank, den Fahrer zu spielen. Frank und Valentina bekommen Armbänder verpasst, die in die Luft gehen, sobald sie sich zu weit vom Wagen entfernen. Das Ziel seiner Mission bekommt Frank per Handy mitgeteilt, ändert sich jedoch mehrfach. Was Frank vorhat, ist klar: Die Armbänder loswerden, rausfinden, was mit dieser mysteriösen Valentina los ist und seine halbseidenen Auftraggeber ausschalten ...

So großartig ich Transporter II fand, so schlecht finde ich den bislang letzten Teil der Kinoreihe rund um Frank Martin. Die Autoren Luc Besson und Robert Mark Kamen haben beim Drehbuch alles verbockt, was versaut werden konnte und Regisseur Olivier Megaton geht deutlich kraftärmer an seine Aufgabe heran als Louis Leterrier.

Die Transporter-Filme waren vor allem so unterhaltsam, weil man Frank Martins originellen, einfallsreichen Kampfstil sozusagen hautnah miterleben konnte. Jason Statham kämpfte in den ersten beiden Teilen mit den fixen Ideen eines Jackie Chan, aber mit der beinharten Coolness eines ... öhm ... steifen Briten. Transporter III, der insgesamt ein deutlich niedrigeres Tempo als Transporter II an den Tag legt, mimt in seinen Faustkämpfen jedoch einen frenetischen Musikvideo-Stil nach. Das beißt sich nicht nur mit dem generell etwas weniger hektischen Stil dieses Films, sondern zerstört auch die Wirkung der Kämpfe: Weil die Cutter Camille Delamarre und Carla Rizzo auch zwischen einzelnen Schlägen und Tritten auf- und abblenden oder einfach nur kurz zum Schwarzbild schneiden, sieht man nur noch einen rumkloppenden Jason Statham. Der Witz, der clevere Funke seiner Figur geht flöten ebenso wie die ausgetüftelte Ästhetik der Kämpfe. Oder zielgruppengerechter ausgedrückt: Is' nich' mehr so cool, das Zeuch!

Die Autoverfolgungsjagden sind hingegen noch auf dem alten Niveau der Reihe. Daran kann ich mich allerdings nicht so wirklich erfreuen, weil es zwischendrin zum Beispiel auch eine absolut albern-übertriebene Fahrrad-Raserei gibt, die vom Tonfall her erstens besser in die ironische Crank-Reihe passt und zweitens die Kameraarbeit so auffällig auf die Fahrradreifen konzentriert ist, dass man selbst nach zig Bier merkt, dass irgendwer für Statham das Double geben musste. Was zu verzeihen wäre, hätte man die Story hier nicht so unsagbar zäh erzählt. "Jason Statham muss krass Auto fahren und Leute vermöbeln, ohne sich von der Karre zu entfernen", ein simples Konzept, perfekt für eine weitere Actionachterbahn. Es wird aber mehrfach durch ein schlecht gesponnenes Komplott, dauernd wechselnde Fahrziele sowie der absolut nervigen Liebesgeschichte zwischen Frank und Valentina zum Stillstand gebracht.

Ja, es gibt eine Liebesgeschichte, die sogar mit richtig schwülstigen Bildern erzählt wird. Wenn Jason Statham die sommerbesprosste Natalya Rudakova vor einem Sonnenuntergang in einem urigen deutschen Wald in die Arme nimmt und beide stillschweigend Löcher in die Luft starren, könnte man sich fast im neusten Rosamunde Pilcher wähnen. Die Beziehung zwischen beiden ist auch flacher, als so manches Daily-Soap-Geseier: Sie unterhalten sich übers Essen. Das war's, das ist das, was die Funken sprühen lässt!

Obendrein ist Valentina eine ungeheuerlich nervige, nichtsnutzige Zippe, die nichts auf die Reihe kriegt, außer Jason Statham daran zu hindern, weiterhin so mordsmäßig cool zu sein, wie in den Vorgängerteilen. Sie hat keine witzigen Sprüche drauf, kann nicht austeilen, sie kann nur schales Geblabber über die Lippen bringen. In einem arroganten Tonfall.

Fazit: Die Kämpfe sind ideenärmer und zudem völlig zerschnitten, die Geschichte kommt nie auf das Tempo, das sie eigentlich fordert, und Stathams Damenanhang ist ihm ein Klotz am Bein: Transporter III ist nicht nur kraft- und saftlos, sondern beleidigt mit seinem kalkulierten Kitsch eine gelungene Actionserie, die zuvor ohne Tamtam auskam.

Oscar 2012: Das beste Make-Up - "Shortlist" und Prognose

2012-01-11T19:25:00.000+01:00

Und eine weitere "Shortlist" ermöglicht es den Oscar-Fans unter uns, ihre Prognose der Nominierungen einzugrenzen. Die Academy veröffentlichte die Liste der Produktionen, die noch mit einer Berücksichtigung in der Kategorie "Bestes Make-Up" rechnen können:

Albert Nobbs
Anonymous
The Artist
Gainsbourg: Der Mann, der die Frauen liebte
Harry Potter und die Heiligtümer des Todes - Teil 2
Hugo Cabret
The Iron Lady

Somit sind zwei Favoriten für diese Kategorie bereits vor der Bekanntgabe der Nominierungen ausgeschieden: Clint Eastwoods J. Edgar, dem von einigen Oscarexperten hohe Chancen eingeräumt wurden, weil sehr viel Alters-Makeup verwendet wird. Die Kritiker bemängelten die Qualität mancher Schminkeffekte, allerdings hieß es immer wieder, "die Masse wird's machen". Tja, offenbar doch nicht.
Auch Pirates of the Caribbean - Fremde Gezeiten wurde als potentieller Nominierter gehandelt. Wie unter anderem The Hollywood Reporter anmerkte, war die Arbeit an den Meerjungfrauen (tot wie lebendig) und den Zombies sehr aufwändig und überaus gelungen, hinzu kam wie auch in den Vorgängerfilmen die künstliche Alterung und Rötung der Piratenhaut bei sämtlichen beuterischen Figuren. Zwei der Pirates-Filme wurden bereits nominiert, da schien eine dritte gut möglich.

Stattdessen werden also drei der oben genannten, sieben Filme nominiert.

Ich schätze, dass das Oscar-Feld wie folgt aussehen wird:

Albert Nobbs
Zwei Frauen, darunter Glenn Close, verkleiden sich im Dublin des 19. Jahrhunderts als Männer aus der betuchten Gesellschaft. Intensive, realistische Verwandlung der Hauptdarstellerinnen durch Effektschminke, obendrein "Authentisierung" der Statisten. Sowas kommt bei der Academy häufig an.
The Artist
Um einen gut aussehenden Schwarz-Weiß-Film zu machen, der viel visuelle Tiefe aufweist und das ganze Spektrum an Hauttönen in Grauabstufungen widerspiegelt (statt bloß schwarz-weiß zu sein), muss man dem Make-Up sehr viel Aufmerksamkeit schenken. Dass diese Kunstform eigentlich ausgestorben ist und dieser Film ein Topanwärter für den Hauptpreis ist, lässt mich noch dringender auf The Artist tippen.
The Iron Lady
Ein Adels-Biopic, dass Meryl Streep in Maggie Thatcher verwandelt. In zahlreichen Altersstufen. Make-Up-Oscargold!

Und was tippt ihr so? Vermisst ihr vielleicht einen Film in der Shortlist?

Rob Marshall zurück im Musicalsektor; bleibt bei Disney

2012-01-11T07:24:00.001+01:00

Bildquelle: THR/Peter Mountain

Wer erstmal der Walt Disney Company eine Milliarde Dollar beschert, kommt so schnell nicht von ihr los: Jerry Bruckheimer, Johnny Depp und Gore Verbinski gehören mittlerweile zum Inventar der Disney-Filmstudios und vereinen ihre Kräfte für einen äußerst kostspieligen Western. Tim Burton hat weiterhin rund ein Dutzend Filme in Entwicklung, darunter auch hie und da was für Disney, wobei der Stop-Motion-Film Frankenweenie als einziges in greifbarer Nähe ist. Ein junges Mitglied im Club der Kinomilliardäre ist Rob Marshall, Regisseur von Pirates of the Caribbean - Fremde Gezeiten. Und auch er wird vorrübergehend ein festes Mitglied der Disney-Familie:

Wie The Hollywood Reporter berichtet, unterschrieben Marshall und sein Produktionspartner John DeLuca einen Vertrag mit Disney, der dem Unterhaltungskonzern für eine Dauer von zwei Jahren ein Erstzuschlagsrecht für sämtliche von Marshall/DeLuca entwickelte Projekte einräumt. Ausgenommen von der engeren Kooperation zwischen Disney und Rob Marshall wird Marshalls Neuverfilmung von Der dünne Mann mit Johnny Depp, welche bereits eine Heimat bei Warner Bros. fand.

Eine andere geplante Regiearbeit Rob Marshalls wird hingegen definitiv bei Walt Disney Pictures unterkommen: Eine Kinoadaption von Stephen Sondheims und James Lapines Broadwaymusical Into the Woods. Das mit mehreren Tony Awards prämierte Musical verbindet die Geschichten und Charaktere der klassischen Märchen Cinderella, Rapunzel, Rotkäppchen und Hans und die Bohnenranke und vermengt diese mit Referenzen auf weiterer Märchen und einer eigenständigen Geschichte über einen Bäcker und seiner Frau, die Probleme mit der Familienplanung haben.

Rob Marshall hat bereits viel Erfahrung mit Sondheims Arbeit gesammelt: Marshall choreographierte für ihn bereits die Stücke A Funny Thing Happened on the Way to the Forum und Company und stand vorübergehend als Regisseur der Kinofassung von Sweeney Todd zur Debatte.

Die Verfilmung von Into the Woods wurde vergangenes Jahr gemeinsam mit Lapine während einer Geschäftsunterhaltung im Büro von Jerry Bruckheimer abgeklärt. Lapine arbeitet derzeit an einem Drehbuch, laut Marshall ist auch mit neuen Liedern von Stephen Sondheim zu rechnen. Was mich aber am meisten an dieser kleinen Anekdote fasziniert: Sie impliziert, dass Jerry Bruckheimer als Produzent an der Into the Wild-Adaption beteiligt sein könnte. Ich sag's euch: So nah an einem Oscar war der Blockbuster-Maestro noch nie!

Marshalls Deal mit Disney beinhaltet auch eine Option, dass Marshall und DeLuca Filmideen entwickeln, die das Duo interessieren, bei denen es jedoch befürchtet, sie nie verwirklichen zu können: "Man muss sehr vorsichtig sein, dass man nicht zu viel auf einmal, doch nichts so richtig macht. [...] Als Regisseur ist man sehr lange mit einem Film beschäftigt — zweieinhalb bis drei Jahre. Es wäre schon, etwas zu entwickeln und jemand anderes damit davonziehen und es verwirklichen zu lassen", erklärt Marshall dem Branchenmagazin. Diese Konzepte würden Marshall und DeLuca als Produzenten betreuen, gegebenenfalls mit Hilfe Disneys, sollte das Studio beschließen, von seinem Zuschlagsrecht Gebrauch zu machen.

Auch die Pirates of the Caribbean-Saga hat Marshall nicht aufgegeben. Terry Rossio sei derzeit damit beschäftigt, seinen Drehbuchentwurf zu überarbeiten, um dem Publikum einen starken Grund für einen erneuten Kinobesuch zu geben. Wenn Marshall das Skript gefällt, wäre er wieder dabei.

Transporter II

2012-01-10T21:43:00.000+01:00

Frank Martin arbeitet aushilfsmäßig als Fahrer für die gut verdienende Politikerfamilie Billing. Täglich holt er den kleinen Jack Billing von der Schule ab und soll ihn auch zum Kinderarzt bringen, wo ihn eine Impfung erwartet. Ein ausgebuffter und skrupelloser Gangsterboss fädelt jedoch gemeinsam mit seiner psychotischen Angetrauten Lola eine Entführung Jacks ein. Die örtliche, absolut inkompetente Polizei verdächtigt Frank aufgrund seiner mysteriösen Vergangenheit, an dem Verbrechen beteiligt zu sein. Also liegt es allein an Frank, sein Versprechen einzuhalten: Jack würde nichts geschehen ...

Transporter II, oder auch Transporter - The Mission wie er in Deutschland unerklärlicherweise genannt wird, ist in Sachen Action die konsequente Weiterführung seines unerwartet erfolgreichen Vorgängers aus dem Jahr 2002. Und, meine Fresse, was für ein Thrillride! Ein grundsympathischer Jason Statham rennt, fährt, prügelt und trickst sich saucool durch eine äußerst simple, flott erzählte Story, die wie geschmiert läuft und für das nötige Spannungsmoment sorgt. Natürlich fehlen Tiefe und schwerwiegende Dialoge, doch diese Art von ultrarasantem, knackigen Actionfilm braucht das nicht. Wichtig ist, dass man sich mitfiebernd an die Fersen des Helden heftet und stets fragt "Wie soll er das denn nun schaffen", um daraufhin staunend "Wow, so macht er das also!" auszurufen.

Regisseur Louis Leterrier gelingt es mit Transporter II genau den Punkt zwischen simpler, actionorientierter Spannung und bewusst anspruchslosem Gewaltspaß zu treffen. Der Film legt in wenigen, aber gezielten Minuten seine Grundsituation sowie seine Figuren fest, darauf folgt eine halbstündige Achterbahnfhart einer Verfolgungsjagd mit perfekt choreographierten Faustkämpfen, coolen Schießereien und ausgeklügelten Fahrzeug-Stunts. Der Einfallsreichtum, mit dem sich Frank durchschlägt sowie der gelegentliche Gag sorgen auch für eine peppige Dosis Humor. Nach einer sehr kurzen Verschnaufpause folgt dann der immer weiter eskalierende Showdown, und in nichtmal neunzig Minuten ist die Sache schon geritzt. Schnell, unumständlich, voller Power. So sollte "Hirn aus, Adrenalin aufgekocht, Spaß gehabt!"-Action sein.

Für mich ist das einzige Problemchen an Transporter II das Kuddelmuddel an Schnittfassungen. Die US-Version wurde um etwas Blut und Nacktheit erleichtert, die deutsche Kinofassung werkelte die blanke Haut wieder rein. Eine französische Fassung vermied die US-Kürzungen und eine auf RTL ausgestrahlte Version ging in Sachen Härte noch weiter, als die unserer geschätzten Nachbarn. Ich selbst habe den Director's Cut in meine Filmsammlung einverleibt, was die für mich bestmögliche Variante ist. Er mag etwas weniger Blut als die RTL-Fassung haben, jedoch geht es in den Transporter-Filmen eh nicht um die schiere Härte, sondern um Dynamik, einfallsreiche, handgemachte Action sowie einen spaßigen Adrenalinschub. Also habe ich lieber ein paar Sekunden weniger Film, genieße dafür aber Leterriers eigentliche Vision des Streifens.

Aus irgendeinem Grund hatte ich bis vor kurzem keinerlei Ahnung von der Publikumsrezeption der Transporter-Fortsetzungen. Was ich mitbekam, scheint die Mehrheit der Fans den zweiten Teil als eine Verschlechterung gegenüber dem Original aufzufassen. Ich kann das tatsächlich nicht im geringsten nachvollziehen. Ja, mit der überzogenen Figur Lolas, in ihrer Reizwäsche, den überdimensionalen Knarren und ihren Stöckelschuhen, sowie seiner Rastlosigkeit ist Transporter II comichafter als Teil 1. Aber diese Elemente machen auch sehr viel Spaß und verleihen dem Film ein Profil. Meiner Meinung nach spielen auch beide Produktionen in einer Actionfilm-Realität, bloß dass Transporter II auf jeglichen für einen rasanten Andrenalinschuss überflüssigen Fluff verzichtet. Die Vorwürfe, der Film rutsche in eine Crank-Mentalität hab, kann ich nicht verstehen. Crank lebt von seiner Derbheit, kruden Witzen und zu gewissen Teilen einem Schockelement. Crank konzentriert und pervertiert in postmoderner Weise den klassischen Action-Schund. Transporter II ist inhaltlich und atmosphärisch ganz klassisch, von wenigen miesen CGI-Effekten abgesehen ist es ein Film im Stil der Haudrauf-Stallone- oder -Schwarzenegger-Streifen. Bloß sehr, sehr viel einfallsreicher, spaßiger und impressiver choreographiert.

Meiner Meinung nach ist Transporter II ein perfekter Vertreter seines Subgenres. Rasant und dennoch übersichtlich montiert, saucool, beeindruckende Kämpfe, ideenreiche Verfolgungen und ein "Kick-Ass Soundtrack".

Transporter

2012-01-09T13:36:00.112+01:00

Jason Statham fand zwar durch Guy Ritchie vom Sport und Modeln zum Film, aber den Sprung von Gangsterfilm-Nebenrollen zum Actionstar machte der Brite 2002 mit The Transporter. Dieser Film sollte es auch sein, der Statham in die Schublade seiner zukünftigen Paraderollen steckte: Der prügelnde, schießende und rasant Auto fahrende Brummbär. Die Idee zum Film stammt wiederum von Luc Besson, dem französischen Überregisseur der im Actionfilm bereits mit Nikita und Léon - Der Profi sehr erfolgreich seine Spuren hinterließ und sich an The Transporter als Autor und Produzent beteiligte.

Der ehemalige Elitesoldat Frank Martin führt ein exklusives Dasein an der französischen Küste. Über Wasser hält er sich, indem er zwielichtigen Gestalten einen besonderen Transportdienst anbietet. Ob heiße Ware oder die Beute aus dem frisch getätigten Banküberfall: Frank stellt keine Fragen und liefert todsicher. Bei ihm gibt's nur drei Regeln zu beachten: Deal ist Deal. Was abgemacht wurde, darf also nicht geändert werden. Namen sind bei ihm rauszuhalten. Und niemals, niemals wird das Paket geöffnet.
Es kommt natürlich, wie es kommen muss: Bei einem Einsatz öffnet Frank das Paket und bemerkt so, dass er eine gefesselte und geknebelte Frau transportieren sollte. Dennoch liefert Frank wie vereinbart. Direkt darauf erhält er von der selben unberechenbaren Person, die ihm die Geisel in den Kofferraum packte, einen neuen Auftrag. Dieser ist eine Falle mit explosiven Folgen, denen Frank nur knapp entkommen kann. Das schreit nach Rache, und wenn er schon dabei ist, kann Frank sich ja nun auch um die Geisel kümmern ...

Es klingt für manche Leser wohl etwas widersprüchlich, dass ich mit Sylvester Stallones und Arnold Schwarzeneggers reiner Ballerware (wie Phantom Kommando) nichts anfangen kann, Jason Statham hingegen richtig klasse finde. Nun, sie alle stehen für anspruchsarme Action und Storys, deren Logiklöcher ganze Kleinstaaten verschlingen können. Das ist wohl wahr. Aber für mich weisen die guten Statham-Filme, wie nunmal Transporter, eine leicht andere Mentalität auf. Eine, durch die mich bloße, dumme Action ohne Charaktertiefe fesselt, statt ermüdet. Obwohl Statham sehr durchtrainiert ist (was er auch in nahezu jedem Film durch eine Oben-ohne-Szene vorführt), spielt er keinen unschlagbaren Supermann, sondern einen anfangs unterschätzbaren Irgendjemand, der im Kampf auch mal improvisieren muss. In der Transporter-Reihe haben wir diese durch ihre beeindruckende Variabilität bestechenden Kampfchoreographien dem Hongkong-Regisseur Corey Yuen zu verdanken, der beim ersten Teil der Filmreihe auch gemeinsam mit Louis Leterrier als Regisseur genannt wird. Yuen und Leterrier verleihen Transporter eine Stimmung irgendwo zwischen frankophilem Martial-Arts-Streifen und handlungstechnisch simplifiziertem Stirb langsam. Eine wie ich finde bestechende Mischung, hat man so doch die bodenständige Coolness des unschlagbaren, und dennoch leidendem John McClane, als auch die Körperlichkeit der östlichen Kampffilme. Bloß mit französischem Gusto, einem Sinn für Stil. Man merkt Transporter einfach an, dass Luc Besson am Skript beteiligt war. Der Film trägt seine kultiviert-coole Handschrift, ist bloß viel stärker auf das Popcorn-Element ausgelegt, als Bessons eigene Regiearbeiten.

Transporter könnte auch als einer der Filme gelten, die den "kleinen" Actionfilm aufrecht erhielten. Während Hollywood zu Beginn des letzten Jahrzehnts nur noch gigantische Materialschlachten abfeuerte, geht es in diesen Filmen nicht um die schiere Menge an Zerstörung, sondern darum, wie ausgeklügelt die Autostunts sind. Auf manche der Szenen waren die Macher allerdings wohl etwas zu stolz. Etwa der Kampf, in dem sich Jason Statham letztlich mit Motoröl einreibt: Die Idee ist clever und hat auch eine leichte Ironie an sich, was das Vergnügen steigert, aber die Szene läuft und läuft und läuft, so dass die äußerst dürre Handlung völlig zu einem Stopp kommt. Auch die Turtelei zwischen Stathams Figur und ihrem menschlichen Paket ist zu klischeehaft, als dass sie mein Interesse aufrecht halten könnte.

Trotzdem ist Transporter ein wirklich sehr cooler, schneller, knackiger Actionfilm, der weder durch seine Gewalt, noch seinen Bombast definiert wird, sondern seine distinktive, nicht zu dick aufgetragene Inszenierung, einer Prise französischem Humor sowie den toll choreographierten Kämpfen.

Lasst "Touchstone Pictures" weiterleben!

2012-01-09T05:16:00.000+01:00

Zum Disney-Fan-Dasein gehört es leider auch, sich regelmäßig gewaltig über die Idiotie in Burbank aufzuregen. Dieses Jahr lief bislang alles so schön friedlich, aber wirklich lange hat das ja nicht gehalten ... Ich bin momentan so geladen, ich könnte glatt durch die Decke gehen. Oder höchstpersönlich einigen der Geschäftsführern die Nase einbeulen. Der Grund ist folgender:

In einem Bericht der NY Post wird über die Zukunft des Studiolabels Touchstone Pictures gemutmaßt, und "düstere Aussichten" sind gar kein Ausdruck dafür. Wie Insiderquellen der Post gemeldet haben sollen, zieht Bob Iger eine Schließung oder sogar einen Verkauf in Erwägung, um die Gewinne der disney'schen Filmdivision aufzupolstern. Grund dafür sind der generelle Profitverlust in Hollywood, der Mangel an Erfolgen unter dem Touchstone-Namen sowie die Meinung der Geschäftsführung, dass die Existenz dieses Labels überflüssig geworden wäre. Außerdem wolle man den Markennamen Disney stärken (der anscheinend noch nicht bekannt genug ist), weshalb man sich auf ihn und andere populäre Marken konzentrieren will. Alles andere bekommt nach und nach den Schaft.

Für jene, die nun ahnungslos vor ihrem Bildschirm sitzen: Touchstone Pictures wurde 1984 gegründet, um disneyuntypische Filme wie Der Club der toten Dichter, Pretty Woman oder Armageddon veröffentlichen zu können.

Und damit erreichen wir schon die Oberfläche des Wahnsinns, den Disney wohl befallen haben muss, wenn Bob Iger, Rick Ross und Konsorten allen ernstes darüber nachdenken, Touchstone zu killen. Um es mit den Worten eines Ultimate-Disney-Users zu sagen, der es mit den Worten Emma Stones sagte: Liebe Leute bei Disney ...

Das ist die dämlichste Idee, die in den vergangenen Jahren bei Disney ausgeheckt wurde. Sie ist auf so vielen Ebenen falsch, dass ich fast schon die Orientierung verliere. Zunächst einmal, wie angekündigt, der oberflächlichste Grund: Touchstone Pictures ist ein Mittel, um Geld in einem Filmmarkt zu verdienen, den Disney sonst nicht erreicht. Mit aktuellen Filmen, wie die via Touchstone Pictures vertriebene DreamWorks-Produktion The Help, sowie mit Katalogtiteln, die auf Blu-ray oder DVD noch sehr gut laufen. Wie Armageddon. Freiwillig auf diese Einnahmequellen zu verzichten, oder dieses Filmarchiv womöglich sogar an jemanden anderes zu verkaufen, ist hirnverbrannt.

Dann wäre da noch das historisch-sentimentale Argument. Klar, das wird im profitgierigen Hollywood wohl leider kaum ziehen, trotzdem ist es ein Mitgrund, weshalb mich diese Überlegung zur Weißglut bringt. Touchstone ist ein elementarer Teil der Konzerngeschichte. Als Disney mit seiner traditionellen Ware in den 70ern und frühen 80ern auf keinen grünen Zweig kam und atypische Filme wie Das schwarze Loch, Tron oder Wenn die Wölfe heulen zahllose interne Konflikte auslösten (und zudem mit dem Disney-Namen potentielle Kinogänger abschreckten), gründete man Touchstone, um einem dahinsiechenden Filmstudio dringend benötigtes Leben einzuspritzen. Ja, wenn Disney-Fans über die Disney-Renaissance sprechen, denken sie an Arielle, die Meerjungfrau, Die Schöne und das Biest oder Aladdin. Allerdings spielte Touchstone eine ebenso vitale Rolle darin, den sich dem Bankrott nähernden Konzern zum Unterhaltungsgiganten zu machen, den wir heute kennen. Filme wie Splash!, Zoff in Beverly Hills, Die unglaubliche Entführung der verrückten Mrs. Stone, Good Morning, Vietnam oder Der Club der toten Dichter führten zu hohen Kinoeinnahmen, die der Disney-Konzern dringend nötig hatte. Sie verschafften ihm auch (branchenintern) wieder ein hohes Ansehen, dass er lange verloren hatte. Und auch, als Disney wieder auf seinen Beinen stand, war Touchstone mit Filmen wie Con Air oder Sister Act eine sehr gute Partie.

Man sollte nicht einen wichtigen Teil seiner Vergangenheit leugnen oder verkaufen. Auch nicht als Studio, es sei denn, man steht kurz davor, vollkommen einzugehen. Vor allem kann man aus diesem historischen Argument auch ein wirtschaftlich interessantes rauslesen: Touchstone ist eine wichtige Möglichkeit für Disney. Denn mit Touchstone zog man damals Talente an, die sonst nie zu Disney gekommen wären. Und nach einigen zufriedenstellenden Kooperationen im Erwachsenen- und Jugendsektor holte man einige von ihnen ins Disney-Boot. Tom Hanks entwickelte mit seinen Touchstone-Komödien eine gute, freundschaftliche Geschäftsbeziehung zu Disney. Robin Williams hätte Aladdin wohl niemals zum Megahit machen können, hätte er sich zuvor nicht durch Good Morning, Vietnam geschrieen. Bette Midler stabilisierte erst mit Touchstone-Produktionen ihre Filmkarriere, bevor sie für den Disney-Namen arbeitete. Und Tim Burton, der in den 80ern von Disney gefeuert wurde, kehrte mit Nightmare before Christmas zu Disney zurück. Den Film veröffentlichte man unter Touchstone, weil er für Disney zu düster war. Dann entwickelte er sich zum Kult und somit zum Riesenerfolg. Erst dann packte man den Disney-Namen in den Vorspann und holte Tim Burton für einen gewissen Film namens Alice im Wunderland zurück, der ja eine kleine, schnuckelige Summe in die Kassen spülte. So, über einer Milliarde Dollar ... Ganz davon zu schweigen, dass Touchstones Falsches Spiel mit Roger Rabbit erst den Grundstein für die Zeichentrick-Renaissance legte!

Eines der Argumente, weshalb Disney mittlerweile auf Touchstone verzichten könne, ist, dass man mit Filmen wie der Pirates of the Caribbean-Reihe oder Vermächtnis der Tempelritter ja nunmehr problemlos Action-orientierte Filme für ein jugendliches Publikum unter dem Disney-Namen veröffentlichen kann.

Dieses Argument ist vor allem nur ein Beweis dafür, wie kurzzeitig das Gedächtnis in Hollywood angelegt ist. Wer hat denn nach dem Flop von Die Country Bears das Skript genommen, dem nun jegliches Vertrauen des Studios fehlte, und versprochen, durch das Engagement neuer Autoren aus einem blutleeren Seefahrtsabeneteuer einen Blockbuster zu machen? Wer schlug vor Johnny Depp zu engagieren, stärkte Depp und Regisseur Gore Verbinski den Rücken, als die Disney-Geschäftsführung Panik bekam, weil Depp ja viel zu tuckig rumliefe? Wer holte Hans Zimmer (und dessen Schützling Klaus Badelt) an Bord, der wiederum einen Soundtrack schuf, der das kollektive Bewusstsein enterte und Disney zunächst mit massig CD-Verkäufen und nun auch mit Konzerten unentwegt Geld in die Kassen spült? Ach, verdammich: Wer hat überhaupt dafür gesorgt, dass Fluch der Karibik nicht wenige Tage vor Produktionsbeginn eingestellt wurde, weil der Film als "nicht rentabel" eingestuft wurde? Und wessen Markenname hat dafür gesorgt, dass der mit einer höheren Jugendfreigabe eingestufte Film ungekürzt in die Kinos kam, er trotz Disney-Assoziation (in den USA, da kennt man ja die Inspiration zum Film) bei Jugendlichen ankam und somit Disney-Realfilme cool und hip machte?

Genau, jetzt alle im Chor: Jerry Bruckheimer. Der zuvor einen einzigen Disney-Film machte (Gegen jede Regel aus dem Jahr 2000), obwohl er seit 1994 Teil des Konzerns ist. In der Zwischenzeit produzierte er nämlich stur weiter die Art von Filmen, die ihn in den 80ern zu einem der wichtigsten Produzenten Hollywoods machte. Dass Con Air, Armageddon, Der Staatsfeind Nummer Eins oder Coyote Ugly nicht als Disney-Filme in die Kinos kamen, versteht sich von selbst. Anders gesagt: Der Film, der Touchstone angeblich überflüssig macht, wäre ohne Touchstone nie zum Hit geworden. Denn wer ernsthaft glaubt, Bruckheimer hätte in den 90ern einen Vertrag mit einem "Wir machen nur Familienfilme"-Disney geschlossen, hat nicht mehr alle Muttern an seinen Schrauben.

Ironie des Schicksals? Nein, Dummheit der Geschäftsführung. Ja, Bruckheimer hat man mittlerweile an der Angel. Aber wer sorgt für krachende Blockbuster, sobald er seine Sachen packt? "Disney's Next Jerry Bruckheimer" kann vielleicht auch ohne Touchstone gefunden werden, mit Touchstone ist die Sache aber wesentlich einfacher.

Ja, Touchstone siecht so vor sich hin. Nach M. Night Shyamalans The Village aus dem Jahr 2004 hatte man kaum noch Erfolg. Step Up war erfolgreich genug für ein paar Fortsetzungen, Déjà Vu wurde nicht als Flop abgestempelt (wieder Bruckheimer!), Prestige war ein Genrehit und Born to be Wild ein kleiner Komödienerfolg. Aber alles jetzt nicht sooo der Kassenbringer. Das kann nur Selbst ist die Braut von sich behaupten. Dagegen stehen leider einige Flops. Aber das liegt an der Qualität der aktuellen Touchstone-Ware sowie dem Umstand, dass man am Publikum mehr oder weniger vorbeiproduziert. Mittlerweile dient das Label ja als Verleih der DreamWorks-Filme, mit Real Steel und The Help nahm man nun wieder gut Geld ein. Aber was ist, sobald der Vertrag mit Spielbergs Studio endet?

Das Label zu killen oder gar (mitsamt Archiv) zu verkaufen, wäre eine kurzfristige Lösung. Viel intelligenter wäre aber, Touchstone wieder aufzupeppeln. Die Kritik, Touchstone habe keinen Markenwert, ist eine selbstverschuldete. In den 80ern und frühen 90ern hatte dieser Name noch einen eigenen Klang, weckte eigenständige Assoziationen. Das kann man wieder erreichen. Gute Filme mit eigenständigem Charakter wären ein weiser Schritt und wenn man die besseren der Hollywood-Pictures-Filme auf Blu-ray nun mit dem Touchstone-Logo zuklatscht, baut man den Wiedererkennungswert weiter aus.

Man muss nur ein wenig Initiative zeigen. Wenn man Touchstone nun killt, heult man in zehn oder zwanzig Jahren wieder den Möglichkeiten nach, die dieses Label bot. Wenn man einen neuen Jerry Bruckheimer braucht, und die Enkel der Twitter-Generation wieder Angst vor dem Disney-Namen bekommen haben, weil sie ihn mit Manna Hontana und Die Zauberenkel vom Waverly Place verbinden, wenn Micky Maus als Firmenmaskottchen ausgedient hat und nur noch als Gütesiegel für Babynahrung tätig ist, dann wird man auf die 80er blicken und sich fragen: Wie haben wir es da nur aus dem Dreck geschafft?!

Man kann dann alles wieder neu aufbauen. Oder man lässt es gar nicht erst so weit kommen.

Chip an' Dale

2012-01-07T05:53:00.002+01:00

War Micky das "Über-Ich" des ewigen Träumers Walt Disney, lässt sich der vom Pech verfolgte und cholerische Donald Duck als sein "Es" betrachten. Mit seiner unverwechselbaren Art trat er schnell aus dem Schatten der Maus. Diese Artikelserie präsentiert die Cartoons, die Donald auch aus Sicht der Academy of Motion Picture Arts & Sciences in den Film-Olymp aufsteigen ließen. Dies sind die Kurzfilme, die ihm eine Oscar-Nominierung einbrachten. Dies ist Entengold.

Im sechsten Teil dieser Reihe geht es darum, wie sich die Zeiten ändern. Mit zunehmendem Einfluss eines neuen Regisseurs und gewandeltem Publikumsgeschmack trat Donald Ende der 40er Jahre in eine neue Ära seiner Kinokarriere. Wie sich stellvertretend am Beispiel eines Cartoons aus dem Jahre 1947 zeigt, der ihn auch mit seinen neuen Erzrivalen bekannt machte: Chip an' Dale.

Falsch gewählte Prämisse, ein Streifenhörnchen zu viel und gräusige Proportionen: Nicht jedes Poster preist seinen Film korrekt an

Kurzfilme wie der zuletzt behandelte Donald's Crime, der skurrile Duck Pimples oder der mit einem Doppelgänger Donalds für Liebeschaos sorgende Donald's Double Trouble zeigen, in welchem Umbruch sich die Donald-Cartoons in den mittleren bis späten 40er-Jahren befanden. Geänderter Publikumsgeschmack, neue Haupt-Gagschreiber, die studiointerne Phase der Neuorientierung nach dem großen Streik und dem Zweiten Weltkrieg – es fielen zahlreiche Faktoren zusammen, wegen derer sich die Leinwand-Missgeschicke Donalds vorübergehend von ihren zuvor eingeschliffenen Schemata entfernte.

Wie so vieles in der Liebe, dem Leben und der Kunst, so hatte auch dies seine Licht- und Schattenseiten. Einerseits bescherte diese Phase der Veränderung der donald'schen Filmographie eine Variabilität, infolge derer einige der besten Cartoons mit dem schnatternden Pechvogel entstanden. Darunter der bereits besprochene, Oscar-nominierte Donald's Crime sowie der satirische Donald's Dilemma, den Disney-Historiker Leonard Maltin als seinen Favoriten unter allen Donald-Filmen bezeichnet.

Zugleich war diese kurze Ära ohne dominierenden Stil eine, in der es an Familiarität mangelte. So konnten die Donald-Macher weder bestimmte Formeln perfektionieren, beziehungsweise das Timing wiederkehrender Situationen komplett einschleifen, noch setzte man sich mit einer klaren Stimme gegen die größer werdende Konkurrenz zur Wehr. Cartoonreihen leben schlussendlich auch von ihrem Wiedererkennungswert, einer eigenen Identität. Donalds Charakter verlor man kurz nach dem Zweiten Weltkrieg zwar nicht aus den Augen, jedoch fand man nach Donalds "Militärdienst" nicht zu einer eindeutigen Linie zurück.

Es war der zu Beginn des Jahrzehnts als Carl Barks' Schreibpartner tätige, ehemalige Donald-Zeichner Jack Hannah, der sich zu dieser Zeit dafür stark machte, einen neuen Pool an wiederkehrenden Rivalen für Donald Duck zu finden. 1944/45 kamen Hannahs erste Regiearbeiten ins Kino, und während Jack Kings Filme mit der matrosenbejackten Disney-Ikone quantitativ nachließen, baute Hannah seinen Einfluss ab 1946 aus. Letztlich wurde er zum Hauptregisseur der Donald-Cartoonreihe. Hannah legte einen wilderen, schnelleren Stil zu Tage, und so wie er zuvor gemeinsam mit Barks die Formel der "Donald vs. Tick, Trick und Track"-Cartoons bildete, brachte er in den späten 40ern die disney'sche Antwort auf das expandierende Subgenre der "Jagd- und Verfolgungsjagdcartoons" aufs Tableau. Dadurch, dass unter seiner Rigide gleich mehrere tierische Widersacher in den Donald-Kurzfilmen eingebürgert wurden, sollte nicht nur wieder ein dominierender Stil in ihnen Einzug halten, sondern auch weiterhin eine gewisse Abwechslung garantiert werden.

Nicht alle dieser Kreationen setzten sich durch. 1947 kehrte der aus Drei Caballeros bekannte Aracuan auf die Leinwand zurück, nur um nach einem Gastauftritt in Musik, Tanz und Rhythmus wieder von der Erdoberfläche zu verschwinden. Bis er 2000 in der TV-Serie Neue Micky Maus Geschichten kurz wieder auftauchte. Ebenfalls 1947 wurde der kleine Käfer Bootle Beetle eingeführt, der es auf gerade einmal drei Cartoonauftritte brachte. Im Folgejahr debütierte die ähnlich große Biene Spike (oder Buzz-Buzz), die es immerhin auf eine handvoll weitere Auftritte brachte, allerdings nie einen ikonischen Status erreichte. Ganz im Gegensatz zu Chip 'n' Dale. Die übrigens auf Anregung des Autors Bill Henson nach dem Kunsttischler und -schreiner Thomas Chippendale aus der Ära des Englischen Rokoko und Neoklassizismus benannt wurden. Nicht etwa nach der weltberühmten Strippertruppe namens Chippendales. Die wurde erst 1979 gegründet.

In Deutschland ist diese Verwechslung ausgeschlossen, heißen Donalds gestreiften Quälgeister hier doch Chip und Chap. Oder wie sie zunächst genannt wurden: Ahörnchen und Behörnchen.

Eine frühe, die Figuren nicht im endgültigen Design zeigende Storyboardzeichnung

Ähnlich dem Werdegang anderer Disney-Trickfiguren, wie etwa Pluto und Goofy, fanden Chip & Chap nicht auf Anhieb in ihrer heute bekannten Form Verwendung. Die Disney-Forschung datiert mittlerweile bereits das Jahr 1943 als das Premierenjahr dieser zwei Streifenhörnchen, genauer gesagt den von Clyde Geronomi gestalteten Kurzfilm Private Pluto. In diesem missbrauchen zwei namenlose Nager eine Kanone als Nussknacker, was Pluto zu unterbinden versucht. Auch wenn diese zwei pausbackigen Hörnchen gemeinhin als Chip und Chap akzeptiert werden, könnte man aus diesem vermeintlichen Fakt eine Streitfrage der Disney-Forschung machen. Das nussgierige Duo sieht hier noch exakt so aus, wie ihre Artverwandten in Schneewittchen und die sieben Zwerge, zudem weist es nicht die selben Charakteristika auf, geschweige denn die gleiche Team-interne Dynamik, wie später Chip und Chap. Es könnten ebenso gut zwei Quälgeister sein, die als Inspiration für die späteren Chip und Chap dienten. Es lässt sich deswegen auch nur mutmaßen, ob Chip und Chap als hämische Streifenhörnchen in Fröhlich frei, Spaß dabei einen Cameo absolvierten, oder es einfach irgendwelche Waldbewohner sind, die den Zirkusbären auslachen.

Dennoch kann man mit Sicherheit sagen, dass sich Chip und Chap erst an Pluto erprobten, bevor sie sich mit Donald anlegten. 1946 ließ Jack Hannah Mickys treuen Gefährten in Squatter's Rights gegen zwei Streifenhörnchen antreten, die sich im Ofen von Herren Maus einquartierten. Noch immer namenlos zeigen sie hier bereits einige ihrer typischen Merkmale und das Design von Chip ist ebenfalls schon definiert. Chaps sich unterscheidendes Äußeres sowie sein anderer Charakter kamen dagegen erst in Chip an' Dale dazu.

Da Hannah die Nagetiere in die Donald-Reihe importierte, kann man ihn zweifelsohne als eine der Antriebskräfte bezeichnen, die Chip und Chap erst in Gang und in Form brachten. Ebenso elementar für die Ausformung der Leinwandpersönlichkeiten von Chip und Chap war Autor Dick Kinney, Bruder von Der Fuehrer's Face-Regisseur Jack Kinney. Dick Kinney zementierte sowohl die Charakteristika des Duos an sich, als auch der beiden einzelnen Streifenhörnchen: Chip ist der Pläne ausheckende und strengere der beiden, und das mit einer dickeren (in späteren Filmen roten) Nase sowie auseinanderstehenden Zähnen ausgestattete Kerlchen ist der bequemlichere und dümmlichere Chap. Mit seiner Arbeit an zahlreichen Chip-und-Chap-Cartoons wie Chip an' Dale, Three for Breakfast oder Trailer Horn bestimmte Kinney den Humor und das Tempo dieser frechen Tierchen sowie ihrer Filme entscheidend mit.

Die komödiantischen Gefechte zwischen ihnen und Donald ermöglichten es Disney, festen Fuß im Bereich der cartoonigen Verfolgungsjagden zu fassen, den Warner Bros. und Hanna Barbera erfolgreich besetzten. Jedoch stellten die Autoren und Zeichner rund um Dick Kinney und Regisseur Jack Hannah sicher, dass ihre Filme ein eigenes Wesen erhalten. Chip an' Dale gehört definitiv zu den Kurzfilmen, bei denen es ihnen glänzend gelang.

Im Film nur zu sehen, wenn man darauf achtet: Donald nächtigt neben Fotos seiner geliebten Daisy

Ralph Hullets Hintergrundmalereien zum Film arbeiten intensiv mit greifbaren, eisigen Texturen und realistischem Schattenwurf

Die Handlung ist leicht zusammenzufassen: Donald versucht in einer eingeschneiten Waldhütte Schlaf zu finden, kämpft dazu allerdings zu sehr gegen die eisige Kälte an. Kurzerhand packt er sich eine Axt und fällt im Wald einen kleinen Holzstamm, um ihn am Kamin zu verfeuern. Was sich Donald nicht bewusst ist: Das Holzscheit diente den Streifenhörnchen Chip und Chap als Behausung. Diese sehen steigen daraufhin in Donalds Bleibe ein, und stehlen ihm hinterrücks sein frisch gefälltes Kaminholz, was wiederum der frierende Erpel nicht gern sieht. Es beginnt ein Hin und Her ...

Im Gegensatz zu späteren Kämpfen zwischen Donald und Chip & Chap ist das Eifern um den gefällten Baumstamm in Chip an' Dale nicht von frenetischer Slapstickgewalt dominiert. Die Cartoons mit einem enormen Tempo und sich rasant steigernden Schlagabtauschen zwischen Ente und Streifenhörnchen, wie etwa in Out on a Limb zu sehen, tauchten erst später auf. Chip an' Dale lässt sich etwas mehr Zeit für jeden einzelnen Gag, welche größtenteils auch nicht auf Action basieren, sondern auf Umschnitte zu der sich in den jeweiligen Figuren abzeichnenden Reaktion auf das kurz zuvor ereignete.Etwa Donalds von einem putzigen Lächen begleitetes, gastfreundliches Türöffnen, als er bemerkt, dass die zwei Nager versuchen, sein Kaminholz zu stehlen. Oder Chips entgeisterter Blick zu Chap, als dieser seine Position am unteren Ende einer Räuberleiter verlässt.

Die Gesichtsausdrücke und die Gestik der Figuren, anders gesagt die gelungene Charakteranimation, sind es, die in diesem Fall dafür sorgen, dass sich Chip an' Dale von der Konkurrenz abhebt. Auffällig ist auch, dass Donald, wie in zahlreichen Cartoons jener Ära, keinen ausgewachsenen Wutanfall hat, so wie es rund fünf Jahre früher noch bei Auseinandersetzungen mit ihn störendem Getier geschehen wäre. Donald zeigt sich zwar genervt, versucht aber vergleichsweise besonnen, die Streifenhörnchen zu übervorteilen.
Gewissermaßen, und man verzeih mir den etwas konstruierten Vergleich, bietet Chip an' Dale den Humor eines nach dem Vorbild von Good Scouts gestalteten "Donald und die Neffen"-Cartoons mit der Handlung eines "Donald vs. die sich seinem Willen sträubende Natur"-Kurzfilms. Und all das, um gegen die wilden Konkurrenzstudios zu bestehen, ohne den Disney-Charme zu verlieren.

Dass dies gelingt ist zu weiten Teilen Verdienst des Zeichners Bill Justice, der den umgekehrten Weg vieler seiner Studiokollegen ging. Justice begann seine Disney-Karriere mit Langfilmen wie Fantasia und Bambi, wechselte daraufhin allerdings zu den Kurzfilmen, wo er sich unter anderem auf Chip und Chap spezialisierte. Justice war geradezu prädestiniert für diese Figuren, hatte er aufgrund seiner legendären Arbeit an Bambis Freund Klopfer doch hervorragende Referenzen darin aufzuweisen, süße Pelztierchen mit einer aufgeweckten Persönlichkeit zum Leben zu erwecken. Jack Hannah und Dick Kinney entwickelten Chip und Chap zu Donalds womöglich populärsten Trickfilmgegnern, doch Justices charakter- wie humorvolle Zeichnungen hauchten dieser Rivialität erst ihre Seele ein.

Chap ist neugierig, welche Laune sich in Donalds abzeichnen könnte.
Oben: Finales Standbild aus dem Cartoon. Unten: Eine Storyboardzeichnung, in der mit Rotstift bereits die später gewählte Bildeinstellung markiert wurde

Chip an' Dale war ein voller Erfolg. Die frechen Streifenhörnchen hatten es nicht nur den Filmemachern und dem Publikum angetan, sondern auch den Trickkennern, weshalb der Cartoon vom 28. November 1947 wenige Monate später bei der 20. Oscarverleihung in der Kategorie "Bester animierter Kurzfilm" gegen vier weitere Produktionen antrat. Es war der zweite Auftritt der Streifenhörnchen in Folge, der nominiert wurde. Zuvor erhielt nämlich auch Squatter's Rights die Ehre einer Oscar-Nominierung.

Neben Chip an' Dale befand sich mit Pluto's Blue Note eine weitere Produktion Walt Disneys im Feld der nominierten Cartoons. Dies war das erste Mal seit der 14. Verleihung der Academy Awards, dass gleich zwei Disney-Trickfilme in dieser Kategorie berücksichtigt wurden. Mit Truant Officer Donald und Lend a Paw waren auch damals Kurzfilme nominiert, deren Hauptrollen Donald und Pluto innehatten. In Pluto's Blue Note kommt der Titelheld allerdings, anders als in Lend a Paw, ohne sein Herrchen aus. Stattdessen versucht Pluto sein tierisches Umfeld mit einem musikalischen Talent zu überraschen. Dabei spielt der Song You Belong to My Heart aus Drei Caballeros eine große Rolle.

Zwei der drei nominierten Non-Disney-Filme befassten sich mit Verfolgungen. Zum einen erhielt erneut ein Cartoon mit dem Katz-und-Maus-Duo Tom & Jerry eine Nominierung, nämlich The Devil Inside Dr. Jekyll and Mr. Mouse. Der von Fred Quimby produzierte Hanna-Barbera-Film zeigt, wie Tom ein Gebräu zusammenmischt, welches ihm endlich ein für alle Mal Jerry vom Hals schaffen soll, sich jedoch als Krafttrunk entpuppt, mittels dessen die braune Maus den Hauskater vermöbelt. Warner Bros. hingegen packte nach der Kündigung des Tweety-Schöpfers Bob Camplett erstmals seinen kleinen, gelben Vogel mit Fritz Frelengs aus einem Schweinchen-Dick-Cartoon bekannten Kater Sylvester zusammen. Tweetie Pie wurde aus mehreren begonnen Kurzfilmideen zusammengesetzt und hat deswegen eine äußerst turbulente Produktionsgeschichte aufzuweisen. Des Weiteren bedachte man George Pals Stop-Motion-Trickfilm Tubby the Tuba mit einer Oscar-Nominierung. Die titelgebende Tuba ist Teil eines großen Orchesters und darüber enttäuscht, immer nur ein und dasselbe spielen zu dürfen.

Mit dem Oscar prämiert wurde Tweetie Pie, womit die Paarung der beiden Warner-Figuren endgültig abgemachte Sache war und eine langlebige Serie nach sich zog, die wiederum aufgrund ihres Erfolgs neben den Tom & Jerry-Cartoons die Filme mit Roadrunner und Wile E. Coyote inspirierte.

Mit Chip an' Dale betrat man bei Disney nicht völliges Neuland. Schon in Donald's Garden von 1942 verteidigte sich Donald gegen einen pausbackigen Nager und 1945 zeigte Old Sequia zwei Biber, die es in Sachen Frechheit durchaus mit Chip und Chap aufnehmen können. Aber Chip an' Dale war insofern etwas besonderes, als dass die kreativen Köpfe bei Disney mit diesem Cartoon ganz klar eine eigene Unterreihe an Donald-Kurzfilmen begründen wollten, und seine Widersacher deswegen als richtige Charaktere aufbauten. Das machte sich in Form der Oscar-Nominierung und der Publikumsreaktion bezahlt, und so ebnete Chip an' Dale den Weg für mehr als ein Dutzend weitere Cartoons mit diesen dreien.

Chip und Chap fanden durch Comicadaptionen ihrer Kurzfilme mit Donald, darunter auch einer im Februar 1948 veröffentlichten Comicversion dieses Films, auch sehr schnell den Weg in die immer weiter florierende Welt der gedruckten Disney-Geschichten. In den 50ern folgten sogar eigenständige Comicgeschichten ohne Donald, ebenso wie drei Cartoons, in denen sie ohne watschelnden Konkurrenten auskamen. Sie wurden die letzten Classic-Cartoon-Schöpfungen, die sich beim Publikum nachhaltig durchsetzen konnten – und erhielten bekanntermaßen 1989 ein völlig neues Leben als Ritter des Rechts.

Dies soll allerdings nicht heißen, dass Jack Hannahs offensive Suche nach neuen Donald-Gegenspielern abseits der Chip-und-Chap-Cartoons scheiterte. Andere Schöpfungen konnten sie zwar nicht im kollektiven Gedächtnis festsetzen, dennoch fanden sie punktuell großen Zuspruch: Bereits ein Jahr nach Chip an' Dale startete ein weiterer Cartoon, in dem sich Donald mit deutlich kleineren Lebewesen zankt, und der für einen Oscar nominiert wurde. Und an diesem Punkt setzen wir in der nächsten Entengold-Ausgabe wieder an ...

Hier kommt die Braut: Ausschnitt aus dem Rapunzel-Kurzfilm "Tangled Ever After"

2012-01-07T02:23:00.001+01:00

Tangled Ever After ist ein Kurzfilm rund um die Turbulenzen, die das Chamäleon Pascal und das edle Ross Maximus während Rapunzels Hochzeit erleben. Er läuft als Vorprogramm zur 3D-Wiederveröffentlichung von Die Schöne und das Biest. Da wir in Deutschland auf diese Kinowiederveröffentlichung verzichten müssen, solltet ihr euch diesen Ausschnitt mit großen Augen anschauen, wer weiß, wann wir ihn jemals legal zu Gesicht bekommen werden ...

(Öhm ... Spoilerwarnung zu Rapunzel, bittedankesehr?!)

Hier meine Verschwörungstheorie: Die Schöne und das Biest 3D wurde hierzulande gekippt, weil die Genies beim Marketing von Disney Deutschland mit der Titelvergabe überfordert waren. Wie sollte dieser Kurzfilm denn schon auf Deutsch heißen? Rapunzel – Ehelich verföhnt?!

Aber ganz im Ernst: Liebe Leute bei Disney Deutschland, ich weiß dass ihr gelegentlich hier vorbeisurft und nachschaut, ob ich auch ein braver Bube bin. Ja, verdammichnoch eins, bin ich. Ich bin ein Riesenfan und will nur euer bestes. Also, wenn ihr das hier mitbekommt: Packt den Film mit einem brauchbaren Titel ins Vorprogramm eines anderen Disneyfilms. Keine Ahnung, John Carter, um auch die Romantiker im Publikum glücklich zu machen. Was weiß ich. Wenn ihr die Entscheidungsgewalt habt, nutzt sie. Oder packt den Film vor Wreck-it Ralph (oder wie auch immer ihr ihn nennen werdet), wenn der keinen Vorfilm hat.

Burton raus: Stromberg dreht Malefiz

2012-01-07T00:30:00.002+01:00

"Diese Überschrift! Welch billiger Trick, um die Klickzahlen zu erhöhen!"

Wer erwacht denn da aus seinem Schlummer? Es sind die Walt Disney Studios, die nach den ruhigen Feiertagen wieder die Filmjournalisten aufrütteln! Und zwar mit gleich zwei Bekanntmachungen bezüglich lang geplanter Realfilme. Das wichtigste zuerst:

Erinnert ihr euch noch an das von Tim Burton angekündigte Realfilmprojekt, dass Dornröschen aus der Sicht der finsteren Schurkin Malefiz erzählen wollte? Burton gab diese Filmidee im Mai vergangenen Jahres auf, aber die Disney-Studios hielten daran fest. Wie ComingSoon nun berichtet, wählte Disney eine ihm naheliegende Alternative: Robert Stromberg, den Produktionsdesigner von Burtons Alice im Wunderland und James Camerons Avatar, für die er jeweils einen Oscar einheimste.

Etwas schneller kam ein anderes Disney-Projekt aus den Puschen: Im Juni gab man erstmals bekannt, die Disneyland-Bahn Matterhorn Bobsleds verfilmen zu wollen. Werbefilmer Brian Beletic wird damit, wie heute bekannt wurde, sein Kinolangfilm-Debüt feiern. Autorenfrischling Jason Dean Hall, der auch ein Projekt für Michael Bay in Entwicklung hat, verfasst das Drehbuch zum Disney-Gipfelabenteuer.

Reingehört 53: Quizmeter 2011

2012-01-06T20:57:00.000+01:00

Diese Woche gibt es eine ganz besondere Ausgabe des Quotenmeter.de-Podcasts zu hören: Die Pilotfolge von Quizmeter - dem Quotenmeter.de Quizpodcast!

Die Podcast-Köpfe Jan Schlüter, Gregor Elsbeck, Glenn Riedmeier, Manuel Nunez Sanchez und ich fordern sich gegenseitig zum Wissensduell heraus. Jeder ist (selbsternannter) Experte eines Fachbereiches und fragt die restlichen Podcastler aus. Die Fachgebiete decken die Fernsehereignisse 2011, Kino, Cartoons, Show und Musik ab. Wer in den meisten Gebieten mit seinen Kenntnissen glänzt, wird Quizmeter-Sieger.

Es ist ein kleines Experiment unserer Redaktion, und ich hoffe sehr, dass es euch gefällt. Da es für unser Format ein sehr ungewöhnlicher Einfall ist, freuen wir uns natürlich über jegliche Form von konstruktiver Kritik: Ist das Quiz zu kurz oder zu lang? Sind die Regeln verständlich? Was kann man verbessern? Wollt ihr mehr davon? Wir sind für eure Rückmeldungen dankbar, also ruhig her damit!

Zum Quizmeter-Podcast

Oscar 2012: Meine erste Prognose für die Drehbuch-Kategorien

2012-01-06T01:19:00.001+01:00

Die Golden Globes stehen bald schon vor der Tür, und bis zu der Bekanntgabe der Oscar-Nominierungen ist es danach auch nicht mehr weit. Ich sollte mich also langsam um meine Oscar-Prognose kümmern, und statt wie in den Vorjahren x-mal meine "Bester Film"-Prognose zu revidieren, tippe ich diese Saison lieber zwei, drei Mal einige ausgewählte Kategorien. Mit den Nominierungen der Autorengewerkschaft im Rücken ist es jetzt an der Zeit, sich um die Drehbuch-Kategorien zu kümmern ...

Bestes adaptiertes Drehbuch
Es ist wieder eines dieser Jahre, in denen die Auswahl an Kinoadaptionen aus Oscarsicht vielversprechender ist, als das Feld mit Originalstoffen. Während einige der besten originellen Filme eher komödiantisch sind, womit die Academy ja immer auf dem Kriegsfuß steht, gibt es wieder einmal zahlreiche Dramen, Epen und Tragikomödien, die Oscar-tauglich sind. Was die Vorhersage in beiden Kategorien erschwert ...

Sehr sicher erscheinen mir Moneyball und The Descandents. Beide Filme haben generell einen großen Oscar-Hype und mischen Dramatik mit Gefühl, wobei Descandents etwas humoriges, Moneyball etwas mehr auszusagen hat. Beide Drehbücher sind auch für den Gewerkschaftspreis und den Golden Globe nominiert.

Am drittwahrscheintlichsten scheint mir eine Nominierung für The Help: Der Film ist gut, die Romavorlage hoch angesehen und die Geschichte trifft mit einer optimistisch stimmenden, dennoch ernsthaften Behandlung der Rassenproblematik sowie auch der Emanzipation der Frau gewiss den Nerv der Academy-Mitglieder. Der Oscar-Hype um The Help ließ mittlerweile etwas nach, dennoch hat auch dieses Drehbuch mit dem Gildenpreis und den Globes zwei wichtige Indikatorpreise im Rücken.

Nun wird's kniffliger, denn das waren alle drei Drehbücher, die für beide der genannten Preise nominiert sind. Mit seinen Globe-Nominierungen als "Bestes Drama" sowie für "Beste Regie", "Bester Hauptdarsteller" und "Bestes Drehbuch" erscheint The Ides of March ein guter Tipp. Allerdings glaube ich, dass auch ein wenig der Clooney-Faktor bei den Globe-Nominierungen mitspielte. Das Politdrama ist sehr gut, aber es ist vor allem super gespielt, erst in zweiter Instanz gut geschrieben (und meiner Meinung nach überhaupt nicht preisverdächtig inszeniert). Ähnliche Thematiken erwiesen sich in manchen Jahren auch als zu "heiß" für die Academy, obendrein reichte es nicht für eine Gewerkschaftsnominierung.

David Finchers Verblendung hingegen erhielt eine solche, mit Autor Steven Zaillian (Schindlers Liste) steckt auch ein Oscar-erfahrener Kopf dahinter. Man sollte diesen Film also im Hinterkopf behalten, allerdings ist er mir zu düster, zu krass, um ein sicherer Oscar-Tipp sein. Klar, ab und zu überrascht uns die Academy, und in solchen Fällen bin ich mitunter froh, mich bei meiner Vorhersage zu irren ... Aber ich zieh hier mal den sprichwörtlichen Schwanz ein.

Viel eher traue ich Martin Scorseses Hugo Cabret zu, nominiert zu werden. Optimistisch, ohne rein komödiantisch zu sein? Check. Gewerkschaftsnominierung? Check! Bereits nominierter Autor? Check, John Logan wurde schon für Gladiator und Aviator nominiert. Und die Kritiker fraßen dem Film aus der Hand.

Doch welcher nicht für den Gewerkschaftspreis, dem WGA Award, nominierte Film nimmt dann den "Platz" von Verblendung ein? Die Tragikomödie Extrem laut und unglaublich nah rund um den 11. September 2001 erhielt sehr viele Vorschusslorbeeren, und scheiterte gewaltig daran, die Erwartungen zu erfüllen. Angesichts des Trailers muss ich zugeben, schadenfroh zu sein. Dame, König, As, Spion ist wie Verblendung ein Thriller, jedoch deutlich ruhiger und gelassener. Er hatte anfangs einen starken "Buzz", man sah ihn als Kandidaten in der Hauptkategorie. Die Sache scheint erledigt, jedoch könnte der britische Film (deshalb keine WGA-Nominierung) hier etwas Oscar-Glanz schnuppern. Anderweitig könnte sich Spielbergs Gefährten durchmogeln. Es ist eher ein Film, der von Regie, Musik und Kamera lebt, allerdings hat er einen wirklich sehr starken Oscarbuzz, es kann also sein, dass ihn manche Stimmberechtigten so toll finden, dass sie ihn unabhängig seiner "Skripthaftigkeit" (ja, ich erfinde hier gerade neue Worte) nominieren.

Aus diesem Pool wird wohl ein Film nominiert ... und mein Bauchgefühl tendiert zu folgender Prognose:

Moneyball
The Descandents
The Help
Hugo Cabret
The Ides of March

Bestes Original-Drehbuch
Fangen wir mit den einfachen Dingen an: The Artist ist im Grunde garantiert. Dieser geniale Stummfilm hat eine durchdachte, wunderbar funktionierende Geschichte, und ein Drehbuch besteht ja nicht bloß aus Dialog, sondern auch Dramaturgie und Einfällen. Dass die Mitglieder der Academy sich durch mangelnde Dialoge nicht von einer Oscar-Nominierung abhalten lassen, bewies ja auch bereits Andrew Stantons Meisterwerk WALL•E. Zudem besteht eine gewisse Chance, dass The Artist als bester Film prämiert wird, da sollte eine Drehbuch-Nominierung, erst recht nach einer Globe-Nominierung, drin sein. Für den WGA wurde der Film nicht nominiert, jedoch wurde er auch disqualifiziert, da Autor Michel Hazanavicius nicht Mitglied der Gewerkschaft ist.

Genauso garantiert ist eine Nominierung für Woody Allens Midnight in Paris. Vor Start von The Artist sogar als sicherer Sieger in dieser Sparte gehandelt, dürfte das WGA- und Globe-nominierte Drehbuch ja wohl mindestens nominiert werden.

Ab nun wird's schwer. Die gewerkschaft berücksichtigte Brautalarm, aber ich halte das für nahezu ausgeschlossen. Bislang wurde keine Apatow-Produktion in dieser Kategorie nominiert, auch nicht der damals ebenfalls sehr gehypte Beim ersten Mal. Auch Hangover, immerhin dank seiner aufgeweckten Narrative für den Globe nominiert, erhielt keine Oscar-Berücksichtigung. Ja, Brautalarm hat interessante, mehrschichtige Figuren und balanciert Gefühl mit Humor, aber der Film ist auch sehr quasselig und hat eine ausführliche Kotz- und Kack-Szene. Die war zwar erstaunlich witzig, aber ... Oscar?

Dann wäre da noch die ultra-schwarze Komödie Young Adult von Diablo Cody (prämiert für Juno). Eine WGA-Nominierung hat der neue Film von Jason Reitman schon in der Tasche, die Kombo Reitman/Cody ist bewährt, Reitman ebenfalls ... Jedoch hat dieser Film mit seinem misanthropischen Einschlag und seinem Genre eigentlich sehr arge Oscar-Probleme. Allerdings ist dieses Jahr, wie schon gesagt, sehr komödienlastig, und irgendwie muss man auf fünf Filme kommen. Und wenn die Academy über ihren Schatten springen muss ...

Außerdem WGA-nominiert: Die Tragikomödie Win Win mit Paul Giamatti. Das Drehbuch wurde von den Kritikern lautstark für seine vielschtigen Figuren gelobt, was uns ja hellhörig werden lassen sollte. Win Win wurde auch als sehr humanistisch beschrieben. Perfektes Gegengift zu Young Adult?
Nicht qualifizieren konnte sich Der große Crash - Margin Call, ein Independentdrama über die Finanzkrise, welches die komplexe Krise mit verständlichen Charakterisierungen kommentiert und stellenweise als der beste Börsen-Film aller Zeiten bezeichnet wurde.

Und dann ist da noch die große Variable Tree of Life. Groß umjubelt, nach Cannes bei Preisverleihungen komplett ignoriert. Erneut muss ich nach den sicheren Tipps meinem Bauchgefühl folgen:

The Artist
Midnight in Paris
Young Adult
Win Win
Der große Crash - Margin Call

Mit 4 Komödien im Pool hätte ich eigentlich auch gleich den Brautalarm reinnehmen und den Sack zumachen sollen ... Pffff, als nächstes muss ich mir echt eine Kategorie vorknöpfen, bei der es mich weniger wurmen wird, wenn ich daneben liege ...

Siehe auch: